La Danse de Puck

Nuestro Wunderkind saca su primer disco

2012-02-12T13:53:00.003-03:00

Ya lo mencionamos en nuestras páginas en 2008, cuando hizo una fugaz visita a Buenos Aires invitado a tocar por la Fundación Chopiniana. En ese momento, apenas nos enteramos de su talento, logramos reivindicarlo en estas páginas con una pequeña mención:
http://ladansedepuck.blogspot.com/2008/08/un-pianista-milagroso.html
Recién hoy, sale su primer disco al mercado bajo el sello DGG.

http://www.deutschegrammophon.com/html/special/wunder-chopin/index.html

The second will be the first: this is perhaps the best way of summing up the outcome of the 2010 International Chopin Competition in Warsaw. After all, the experts were all agreed that it was not the nominal winner, Yulianna Avdeeva, who deserved the first prize but the Austrian pianist, Ingolf Wunder. Wunder was born in Klagenfurt on 8 September 1985 and was only four when he received his first music lessons. He initially wanted to become a violinist, but when he was 14, his extraordinary talent for the piano was discovered. That same year he made his debut at the Vienna Konzerthaus, before going on to study the piano at the conservatories in Klagenfurt and Linz, and at Vienna’s University of Music. To hone his Chopin skills, he worked on his technique with Adam Harasiewicz, who won the Chopin Competition in 1955.

Traducción Libre:
El segundo será el primero: esta sea quizás la mejor manera de resumir el resultado del Concurso Internacional Chopin 2010 en Varsovia. Después de todo, los expertos convinieron que la ganadora nominal, Yulianna Avdeeva, no era merecedora del primer premio, sino que lo era el pianista Austríaco, Ingolf Wunder. Ingolf Wunder nació el 8 de septiembre de 1985 en Klagenfurt y recibió sus primeras clases de música a los cuatro años. Al principio quería ser violinista, pero a los 14, fue descubierto su extraordinario talento para el piano. Ese mismo año hizo su debut en la Vienna Konzerthaus, para luego continuar sus estudios de piano en los conservatorios de Klagenfurt y Linz, y en la Facultad de Música de la Universidad de Viena. Para afinar y poner a punto sus abilidades Chopinianas, trabajó su técnica bajo Adam Harasiewizcz, quien gano el Concurso Chopin en 1955.

1929

2012-02-12T13:05:00.000-03:00

Directores XVIII

2011-10-13T15:24:00.002-03:00

Los Directores

Continuamos con la serie en la que estamos presentando más de 120 biografías escuetas de directores famosos. Las conceptualizaciones serán mínimas; y las recomendaciones discográficas puramente a criterio de nuestra redacción y haciendo abstracción de la posibilidad de mencionar grabaciones adicionales. Por esta causa, sugerimos investigar cuidadosamente las discografías de cada director para descubrir otros registros.

PAUL VAN KEMPEN (1893-1955) nació en Holanda y desde muy joven fue instrumentista en el Concertgebouw, dirigido por Mengelberg. De gran formación y excelente técnica, recibió su primer contrato en 1916 en Dortmund. Estuvo de 1932 a 1934 en Oberhausen, año en que sucedió a von Karajan en Aquisgrán. Fue catedrático en Siena, dirigió mucho tiempo en la radio de Hilversum y su última actividad la desarrolló en Bremen. Tuvo el inmenso mérito de ser el primero en dirigir las sinfonías de Bruckner en ediciones originales. A diferencia de Mengelberg, no colaboró con los nazis, a pesar de haberse quedado en Alemania como holandés.
Discografía sugerida: sus exquisitos acompañamientos a Prihoda, Mainardi y Kempff; 6ª de Tschaikowsky, un clásico.

ISTVAN KERTÉSZ ( 1929-1973) fue otra de las irreparables pérdidas tempranas sufridas por el podio de directores del siglo XX.
Húngaro, estudió violín, composición y dirección en la famosa Academia Franz Liszt y debutó en 1953 en Györ. Trabajó en Budapest hasta su huída durante el alzamiento de 1956, reprimido salvajemente por los comunistas rusos. Volvió a estudiar, en este caso con Previtali, aceptando invitaciones en Hamburgo, Frankfurt y Berlín libre. De 1958 a 1963 fue titular de la Opera de Augsburgo, concurriendo a partir de 1961 como invitado al Festival de Salzburgo.
De 1964 hasta su accidental muerte fue titular en la Opera de Colonia, yendo simultáneamente a dirigir la Sinfónica de Londres. Invitado a los centros más importantes de Europa y las Américas, destacó su presencia al frente de la Filarmónica de Viena y la de Israel. Precisamente allí, en playas de Tel Aviv, se lo tragó el mar...
Director finísimo, sólidamente formado, tenía un repertorio amplio que traducía con jerarquía. Era un excepcional mozartiano.
Discografía sugerida: las sinfonías de Dvorak; sinfonías y Réquiem de Mozart; sinfonías de Schubert.

ERICH KLEIBER(1890-1956) y una paradoja: siendo una figura crucial entre los directores vieneses del siglo XX, jamás fue designado titular de la orquesta más famosa de su país: la Filarmónica de Viena. Y la pregunta sigue en vigencia: ¿si hubiese Kleiber sobrevivido a 1956, con Furtwängler muerto en 1954, habría competido con von Karajan por dicha titularidad? Posiblemente no. Kleiber no jugaba a la política y las influencias como su insigne colega de Salzburg. El hecho es que las muertes relativamente tempranas (en una profesión de octogenarios) de los Kleiber, Busch, Cantelli, Fricsay o van Beinum privó a la segunda mitad del siglo XX de una pléyade de batutas ligadas a las ilustres tradiciones de Strauss, Toscanini, Weingartner, Walter, Mengelberg; de directores con técnicas espléndidas y nobles músicos; del eslabón con la vieja guardia. Se rompió la continuidad y la chatura que siguió es la muestra incontrovertible. Kleiber estudió en Praga y mantuvo por siempre su amor por esa ciudad. Pocos recuerdan, mirando la llamada “foto de los 5 grandes” (una instantánea berlinesa de 1928 con Kleiber, Toscanini, Furtwängler, Walter y Klemperer, que coincidían profesionalmente en dicha capital simultáneamente que, detrás de ese Kleiber había pasado una intensa actividad: Darmstadt (1912-19), Barmen Elberfeld (1919-21), Dusseldorf (1921-22) y Mannheim (1922-23). Era un nómade que dirigía el repertorio tradicional así como el moderno, tanto en la ópera como en la sala de conciertos. Sus traducciones de la música de Janacek, Busoni, Liszt, Reger, Schoenberg y otros levantaban tanto entusiasmo como las que ofrecía de Mahler, Mozart o Beethoven. Visitó la Argentina en 1926 y la Unión Soviética en 1927. Amigo íntimo de Berg, dirigía su música y la de otros judíos proscriptos por el nazismo, al que no soportaba.Como Busch, otro insigne músico, no era judío pero estaba profundamente comprometido contra la interferencia política en el arte. Renunció a su importante cargo en Berlín y dejó Alemania en 1935. En pocos años, el llamado Reich (ridícula denominación ya que la palabra significa imperio y Alemania, aunque espúrea, era una democracia sin emperador...) perdió a Kleiber, Busch, Walter y Klemperer entre sus más grandes directores, por no mencionar a los cantantes, instrumentistas, escritores etc. que voluntaria o forzadamente emigraron; y a las celebridades que no volvieron al país siendo extranjeros. Después de presentarse como calificado invitado en Bruselas, Londres, Praga, Salzburg y otros importantes centros musicales se radicó en la Argentina y tomó ciudadanía del país. Dejó impresiones indelebles que subsisten en algunos registros no oficiales y en hemerotecas. Dirigió centenares de conciertos y veladas operísticas. Todavía hoy se recuerdan las temporadas alemanas del Colón con Busch y Kleiber. Entre 1943-46 dirigió en Cuba, volviendo a Europa al terminar la guerra. Ya mayor, prácticamente dejó de dirigir Mahler, Bruckner y muchos modernos excepto Janacek y Berg. Se consagró virtualmente a los clásicos. Asiduo visitante de los estudios de grabación, nunca fue tentado a completar los ciclos de Sinfonías de Beethoven o Brahms, por ejemplo. Las del primero, con una excepción, es posible recopilarlas a partir de grabaciones de estudio y en vivo no oficiales. Siendo aclamado como la quintaesencia de la interpretación mozartiana, oficialmente grabó solamente una sinfonía consiguiéndose un par más en vivo. Fue llamado el director de “las 3 F” (Figaro, Fidelio, Freischütz eran sus especialidades). Afortunadamente su definitivo registro de Figaro, oficial, se consigue, y las “otras dos F” es posible rastrearlas en archivos en vivo. Su registro oficial del Rosenkavalier es piedra de toque y, aparte, se pueden conseguir otros dos del Colón.Era un purista absoluto en cuando a fidelidad a los textos. Era la feliz combinación de la objetividad con pinceladas improvisativas. Sus ensayos eran obras maestras: les daba los libretos de las operas a los músicos de la orquesta, jamás marcaba las entradas en forma visible al público y se sabía de memoria los nombres y ubicaciones de cada músico. Sus escasos discos de música ligera vienesa son angulares. Cuando se despidió de Buenos Aires dirigió el ciclo integral de sinfonías de Beethoven. D’Urbano, el numen de los críticos de su tiempo, escribió en la última crítica a Kleiber en Argentina:" ...cumplió con el sagrado deber de un buen director: dejar la Orquesta mejor de lo que la encontró".Esas pocas palabras resumen como nunca a este prócer de la batuta.
Discografía sugerida: las Sinfonías 3, 5, 6 y 7 de Beethoven ; Figaro; Rosenkavalier; Dafne en el Colón; las óperas wagnerianas en el Colón y su Till Eulenspiegel en vivo.

OTTO KLEMPERER (1885-1973), celebridad de la batuta, tuvo una vida segada por desgracias personales. Cuando Walter Legge, el principal productor discográfico del siglo XX y marido de Elisabeth Schwarzkopf fundó la Orquesta Philharmonia en Londres, juntó los mejores músicos de su tiempo y por casi quince años tuvo la mejor orquesta del mundo, aunque (por celos profesionales) eso doliera mucho en Viena, Berlín, Ámsterdam, Chicago, Filadelfia, Boston o New York. Tras ponerla en manos egregias como las de Furtwängler, von Karajan y Toscanini para conciertos aislados, Legge resolvió que la Philharmonia necesitaba un titular. Designó visionariamente al gigantesco Klemperer, al que le programó giras enjundiosas y grabaciones por decenas. Estaba resucitando a un exiliado casi en el olvido. Klemperer dio lo mejor de sí a pesar de la precariedad de su salud y fue deificado por crítica, público...y por el mismo Legge. Hasta que la difícil personalidad del productor le hizo querer interferir en las versiones de Klemperer como lo hacía virtualmente con todos los otros directores que ponía al frente de su orquesta, y que todos aceptaban estas intrusiones (algunos gustosos, otros menos) con tal de pararse frente a semejante orquesta. Klemperer no lo permitió y se produjo la ruptura que, poco después, ocasionaría la disolución de la Philharmonia y su posterior re-bautismo a New Philharmonia, esta vez sin Legge. En el momento posterior a la renuncia de Klemperer, el mismo Legge que lo santificara anunciaba que “con el tiempo, Klemperer será un anacronismo”. El genial director, parafraseando un texto de la Tetralogía (“Immer war Undank Loges Lohn”, o “Siempre la ingratitud fue el valor de Loge”) diría “Immer war Undank Legges Lohn”. Cosas de la vida. Hoy seguimos disfrutando de las maravillosas grabaciones producidas por Legge y de las trascendentes versiones de Klemperer, sin que ni uno ni el otro sean un anacronismo.
La carrera de Klemperer estuvo signada por el infortunio y la mala salud, a pesar de lo cual llegó casi a ser nonagenario. Pero, por sobre todo, la marcó su sapiencia , su versatilidad y su inmenso prestigio. A pesar de su pésimo carácter y acres comentarios, fue siempre muy respetado por sus músicos y sus colegas. Nació en Breslau, Alemania (hoy caprichosamente Wroclav, Polonia) y llevado tempranamente a vivir a Hamburgo y a estudiar a Frankfurt am Main. Uno de sus maestros, Hans Pfitzner, le urgió a dejar su promisoria carrera de pianista y hacerse director ( Klemperer había sido tercero en el Premio Antón Rubinstein de París detrás del joven ganador Backhaus y del joven segundo Bartok). Debutó en 1905 y luego intimó con su protector Gustav Mahler quien lo recomendó para dirigir la Opera Alemana de Praga en 1907. Posteriormente dirigió en la Opera de Hamburgo, Barmen, Strassburg, Colonia y Wiesbaden como titular; y en Barcelona, Roma, Moscú, Leningrado y New York como invitado, todo antes de 1926. En 1927 fue designado titular de la Opera Kroll de Berlín. Allí estrenó obras de Schoenberg, Weill, Janacek y otros, además de dirigir toda la inmensidad del repertorio sinfónico y operístico tradicionales. Tras recibir la medalla al Artista Alemán debió escapar del nazismo hacia Estados Unidos . Allí pasó hambre y otras privaciones, trabajando aisladamente en Los Angeles ( muchos de esos registros se preservan). Volvió a Europa en la posguerra para penar conduciendo orquestas poco relevantes. Había sido olvidado hasta que Legge lo volvió a la vida artística. Semiparalizado por la extracción de un tumor cerebral y sufriendo otros males fue un cabal ejemplo de la voluntad venciendo a la desgracia. También visitó exitosamente Buenos Aires. Esencial en su visión, por momentos agonístico, su paleta colorística era suya y sólo suya. Aunque algunos de sus tempi puedan objetarse, sus versiones siempre tienen el elevado interés que solo concitan los grandes.Muy recomendable una edición con sus escritos y la biografía en dos tomos de Peter Heyworth.
Discografía sugerida: el Holandés errante en vivo, su Fidelio con Hotter, las 9 Sinfonías de Beethoven en vivo, el Réquiem Alemán y sus registros (todos) en el Concertgebouw, además de sus legendarias y paradigmáticas traducciones de Bruckner y Mahler en diversos lugares. Para conocer al Klemperer testamentario visualmente, las Sinfonías de Beethoven en dvd.

Claudio von Foerster +

2011-08-07T23:30:00.008-03:00

Hoy domingo 7 de agosto de 2011 falleció nuestro entrañable amigo e incansable colaborador, Claudio von Foerster.

Con enorme pesar y dolor decimos: "Que descanse en paz".

Hace unos años, con uno de sus mejores amigos.

Lavandera en televisión

2011-07-26T10:25:00.003-03:00

MOZART
Conciertos para piano y orquesta Nº 11 y 9
ORQUESTA dirigida por Horacio Lavandera
SOLISTA: el mismo

Programa emitido por TN
el día sábado 23 de julio de 2011 a las 16:00 horas.
Grabado en fecha no especificada.

Piense el lector lo agitada y a la vez proficua que fuera la vida de Mozart: entre el Concierto Nº 11 y el Requiem (inacabado por él) escribió no menos de 400 obras. Una producción inimaginable. Algunos han pretendido aseverar que toda la producción mozartiana es igualmente feliz. Otros, empero, han sabido distinguir entre lo más interesante, lo menos atractivo y lo genial. Y si Manuel Belgrano tuvo por lápida una inscripción en el mármol de su mesita de noche por escasez de dinero, los restos de Mozart yacen en un osario común. Discurrir sobre este tema y discutirlo ha tomado ríos de tinta, de manera que no creemos que sea este el lugar ni que haya espacio en el mismo para comenzar nuevamente la disputa.
Para Toscanini, el mundo de la ópera era lo mejor de Mozart; para Bernstein, las sinfonías; para otros tantos, los conciertos instrumentales. Lo cierto, es que toda la música de Mozart suena agradable: desde la que se hace ecos de Haydn hasta la que preanuncia a Beethoven. No son muy frecuentes los conciertos populares y conciertos culturales que se exhiben por televisión en la Argentina; o se los pasa muy de madrugada o directamente se los ignora. De manera tal, que la bandera de la cultura en televisión parece llegar solamente al tango, al folklore y al rock nacional.
Los conciertos para piano de Mozart son difíciles por ser tan descubiertos. Schnabel decía que los jóvenes temen tocar Mozart por la escasa cantidad de notas y que los adultos le temen por la gran calidad de las notas.
La costumbre del pianista-director en obras de Mozart arranca en los tiempos del compositor. Los más viejos testimonios fonográficos los brindan Bruno Walter y Edwin Fischer tocando y dirigiendo. Más tarde, Geza Anda grabaría el ciclo integral en forma maravillosa. También lo hicieron, aunque con calidad dispar, Daniel Barenboim y Murray Perahia. El efecto conseguido, obviamente, es la síntesis del pensamiento entre orquesta y solista.
El concierto que se emitió por televisión recientemente, al que estamos aludiendo se llevó a cabo en el Teatro Coliseo. La filmación fue muy buena al igual que el sonido.

Claudio von Foerster

No ha habido un fenómeno semejante desde Argerich.....

2011-07-17T17:27:00.004-03:00

Una brillante actuación el viernes último, 15 de julio de 2011, en el Royal Albert Hall, Londres.

Competing with the dead guys!

2011-07-17T14:06:00.001-03:00

Palabras textuales de Benjamin Grosvenor en conversación con un periodista del matutino londinense "The Guardian", días antes de debutar en los famosos Proms en Londres el día 15 de julio de 2011.

Benjamin Grosvenor - First Night at the Proms July 15th

2011-07-14T20:38:00.002-03:00

Benjamin Grosvenor - Chopin / Liszt / Ravel by DeccaRecords

Arthur Rubinstein - Documental de M.C. Margossian [3 de 3]

2011-07-14T11:53:00.002-03:00

Un film de Marie-Claire Margossian
ARTE-Television 2010

Arthur Rubinstein - Documental de M.C. Margossian [2 de 3]

2011-07-14T08:53:00.002-03:00

Un film de Marie-Claire Margossian
ARTE-Television 2010

Arthur Rubinstein - Documental de M.C. Margossian [1 de 3]

2011-07-14T08:29:00.005-03:00

Un film de Marie-Claire Margossian
ARTE-Television 2010

Hedonist und Altruist zugleich, Götterliebling und Menschenfreund, melancholischer Sanguiniker und ernsthafter Künstler, begnadeter Musiker und glänzender Pianist, Egomane und Familientier. Arthur Rubinstein, ein großer Charakter und großer kosmopolitischer Mensch, der die Musik und auch die Menschen so sehr liebte. Er war glücklich, existieren zu können und von den Göttern so bevorzugt zu werden. Sie müssen so gerührt von ihm gewesen sein, dass sie ihn nicht früh zu sich genommen, sondern ihn als kostbaren Schatz lange genug den Menschen überlassen haben. Rubinstein konnte auch die Götter überzeugen und besänftigen, fast wie Orpheus.

Part II below
http://www.youtube.com/watch?v=qGD4DKXB7OU&hd=1

¡Feliz cumpleaños, Marthita!

2011-07-08T20:10:00.005-03:00

Antes
Y después

And many Happy returns!

Guías, estrellas y libros de cuentas

2011-07-07T11:59:00.002-03:00

Recital de piano.

Programa: Bartok, Suite, Op.14; Kodaly, Meditación sobre Debussy;
Tchaikowsky, Gran Sonata en sol mayor; Liszt, Años de Peregrinaje (Suiza): En el lago de Wallenstadt, Al borde de una fuente; Liapunov, Dos Estudios Trascendentales: Canción de cuna, Lesghinka.
DANIEL GLOVER, piano
24 de junio de 2011 en el Museo Fernández Blanco, Buenos Aires.

Quisiera comenzar recordando que ya hicimos critica de este pianista por lo cual sugiero ir a la referencia del 25 de agosto del 2008 publicada en La Danse de Puck.
La Suite Op.14 de Bartok no es de sus obras más importantes, pero sí de las más tocadas. La improvisación de Kodaly casi no se escucha en público. Los representativos Años de Peregrinaje suelen oirse más en discos que en salas. La Sonata en sol mayor de Tchaikowsky, típica de la escritura de su autor, es eludida a menudo por su longitud desmesurada así como por su carencia de ideas (técnicamente ardua, no es invencible empero). En cuanto a Liapunov, intentó remedar a Liszt escribiendo 12 estudios trascendentales que están a distancia sideral de los del autor del Mefisto. Con 10 años de diferencia, Louis Kentner las grabó en forma completa y permitió que fueran más conocidos.
Daniel Glover parece habernos retrotraído a los conciertos-conferencias que Alfred Cortot ofreciera tan a menudo en el salón La Argentina y en el Teatro Odeón a principios del siglo pasado. Es una hermosa costumbre que el pianista, si es didáctico, explique el asunto que va a abordar. En la oportunidad, las traducciones, las realizó Valentín Surif.
Hace unos años, ocupándonos de Glover, elogiábamos su Liszt y criticabamos sus rusos. Como el mundo da vueltas, en la oportunidad presente elogiamos sus rusos y criticamos su Liszt. Primero con los húngaros: Bartok recibió una traducción excesivamente percusiva como el compositor no quería que se tocara el piano (basta con escuchar a Bartok en sus grabaciones para comprender lo antedicho). Kodaly, estuvo magníficamente ejecutado. Liszt ha sido, desde el piano, acaso quien más y mejor se ocupó del agua; lo que Glover no comprendió es que tanto En el lago de Wallenstadt como Al borde de una fuente, se trata de aguas calmas, no turbulentas como El Mar de Debussy o la Scheherazade de Rimsky-Korsakov. Su traducción de Armonías de la Tarde que si no me equivoco, no estaba en el programa fue impetuosa y los arpegios carecieron de belleza tímbrica. Lesghinka era el Estudio preferido de Braikowsky. Y, Glover acertadamente en su charla previa lo emparentó y lo asemejó a Islamey de Balakirev, el caballito de batalla inabordable de Simon Barer. Glover tocó el Estudio de Liapunov como para levantar a un muerto y haciéndolo, levantó la obra.
Fuera de programa, interpretó un mes de las estaciones de Tchaikowsky.
Resultó muy grato asistir a este recital. Una guía muy conocida le pone estrellas a los lugares de comida. No sabemos que significa cada estrella y por qué son 5 el máximo. Si hubiera que calificar por estrellas a un pianista, de seguro que sería más: por aplomo, por comunicatividad, por eficiencia mecánica, por memoria, por encuadre estilístico y así siguiendo. Es preferible el más doméstico libro de cuentas al que aludiera simpáticamente Jorge D’Urbano: la página izquierda para el Debe y la página derecha para el Haber. En ese caso, diríamos que Glover nos debe a los románticos, clásicos y barrocos, y también un poco más de sosiego en sus versiones. En el Haber, virtudes técnicas e interpretativas, incluyendo la osadía de armar programas no convencionales y no fáciles para el público, que cuando duda en el aplauso es que no tiene idea de si terminó la obra.
En suma, jornada atractiva ofrecida por un pianista eficiente en un piano deficiente.

Claudio von Foerster

Claudio Arrau

2011-06-14T08:43:00.010-03:00

El jueves último, 9 de junio, se cumplieron 20 años del fallecimiento del notable pianista chileno. Viajó a Europa como niño prodigio becado por su gobierno y fue a estudiar con Martin Krause, el celebérrimo último alumno de Liszt. Indudablemente, debe haber sido un gran maestro, de momento que de su horno salieron discípulos tan dispares como Arrau, Edwin Fischer y Rosita Renard. Precisamente, esta última, compatriota del niño Claudio y, ya con una carrera iniciada, le hizo dar sus primeros pasos previos a Martin Krause. Arrau fue dueño de un mecanismo perfecto y de una musicalidad ricamente intelectual, que reconoce desmayos sólo al final de su carrera. Realizó proezas tales como tocar la obra completa de Bach en 17 recitales en Berlin y varias veces los ciclos completos de sonatas de Mozart, Schubert y Beethoven. Su repertorio tenía una vastedad enciclopédica como, entre tantos otros, poseían Brailowsky, Giseking y Richter. Su seguridad olímpica le hizo ser predilecto de muchos directores, así como sus manierismos le hicieron ser rechazado por tantos otros. En 1956 sustituyó a Solomon, quien había tenido un derrame cerebral, en los 5 conciertos de Beethoven en Londres con Klemperer. De seguro que Arrau no es tan recordado hoy como muchos de sus colegas gigantes del siglo XX pero la estirpe de Arrau se le nota a la distancia. Recomendamos el libro sobre Arrau escrito por Joseph Horowitz que lo pone en contacto con su público, conversaciones mediante; ahí encontrará al Arrau más crudo, capaz de las sentencias geniales y trascendentes como de los dislates más absurdos. Estamos en presencia de una mente privilegiada, de una expresión sin desbordes (salvo en su decadencia) y de un aplomo ante todos los públicos realmente llamativo.

Seguidamente publicamos 2 fotos inéditas. Arrau agradeciendo los aplausos tras un recital en el teatro Rivera Indarte de Córdoba, Argentina, en la década del 40. Fotos que nos sirven para recordar que el insigne pianista hacía puerto en Buenos Aires toda vez que podía. Sus recitales y conciertos en toda la geografía Argentina se pueden contar por decenas. Como dato curioso, recordemos en 1946 el Festival para la Victoria Aliada ofrecido en el Luna Park por Claudio Arrau y Jasha Horenstein.
El gran pianista hablaba con fluidez 5 idiomas y fue dueño de una de las más importantes colecciones de esculturas pre-colombinas que hubiera en América.

He aquí un pequeñísimo extracto - el Aria - de las Variaciones Goldberg de J. S. Bach tocadas por Claudio Arrau en formato "wav" [47 MB], obra que grabó en 1941 para RCA pero no se publicó hasta mucho más tarde, en la era del CD [1990] en una edición limitada que no se repitió nunca.

https://www.rapidshare.com/files/2084123798/Arrau_Aria_Goldberg_Varii.wav

Fútbol con número vivo

2011-04-11T11:09:00.004-03:00

Recordamos los cines de barrio de antaño: entre películas un señor tocaba un piano vertical en el escenario. Se lo llamaba "número vivo".
A la cancha de Vélez Sarfield se la denomina el Teatro Colón del Fútbol. Ayer, en el entretiempo del partido Vélez Sarfield-Newell's Old Boys se pudo escuchar en vivo a unas decenas de músicos de la Orquesta Estable del Colón, presuntamente despedidos.
Con tremenda dignidad, las pocas piezas que tocaron y el Himno Nacional que se cantó en la cancha, pusieron la nota de emoción de la tarde. Hubo lágrimas en muchas mejillas.
Pensar que estos músicos que con tanto decoro defienden su profesión necesitaron 17 minutos para hacer llorar a mucha gente; y que Pedro Pablo García Caffi nos hace llorar a cada minuto merced a la inoperancia de su gesión.

Más Harry Blech

2011-03-22T15:31:00.006-03:00

MOZART
Sinfonía No. 33 en si bemol, K. 319

HAYDN
Sinfonía No. 103 en mi bemol, "El redoble de timbal"

London Mozart Players
HARRY BLECH

[ver "Comentarios" para más información]

Extraño sentido común

2011-03-22T11:36:00.003-03:00

Al momento de escribir estas líneas, dos sectores en pugna: los irreductibles trabajadores del Teatro Colón haciendo huelga por demandas salariales; el inepto García Caffi sin desatar el nudo gordiano. A ellos se le suma el patético Ministro de Cultura diciendo que hay que establecer un paraguas en las negociaciones. El intermediario: el sentido común, o sea Plácido Domingo. Queriendo salvar sus conciertos actúa de mediador de uno que no puede [Caffi] y uno que no quiere [los trabajadores], con la presencia pintoresca de otro incapaz, el Ministro de Cultura. Aplaudamos la posición honesta de Plácido Domingo, pero recordemosle que en estas tierras los indios se morfaron a Solís. Que su arte siga permaneciendo impoluto. Total, el director del Colón va por su sueldo, los gremialistas por sus fueros.
Va a estar lindo Buenos Aires...

Discos olvidados

2011-03-11T23:34:00.008-03:00

Les brindamos estas dos sinfonías de Schubert: la 4ta o "Trágica" y la 5ta. por un conjunto poco usual en este repertorio: London Mozart Players bajo Harry Blech.

Contenido:

FRANZ SCHUBERT
Symphony No. 4 in C minor, "Tragic"
01. I. Adagio molto
02. II. Andante
03. III. Minuet [Allegro vivace] & Trio
04. IV. Allegro

Symphony No. 5 in B flat
05. I. Allegro
06. II. Andante con moto
07. III. Minuet [Allegro molto] & Trio
08. IV. Allegro vivace

London Mozart Players
HARRY BLECH

LP transfer [09-Feb-2011] from 2nd hand LP [Rec. date 1954 original UK release on HMV CLP1010 ]
Source: Discos Angel [Argentine pressing] # LPC 11532
Serie "Celebridades"
Matrix Nos.: 2XEA 380 1-N & 2XEA 381 1-N

Crítica en la revista Grammophone: http://tinyurl.com/6bx4z7u

Una pequeña biografía de Harry Blech: http://ladansedepuck.blogspot.com/2010/03/los-directores-fuera-de-programa.html

[ver "Comentarios" para más información]

Partituras

2011-02-27T19:01:00.002-03:00

Hacia fines de los 80 decidieron mudar Radio Nacional de Ayacucho 1556 a Maipú 555. Una acertadísima medida ya que la vieja casona no podía compararse con Maipú, el primer edificio en la Argentina construido para radio (que hoy todavía sigue siendo moderno). Lo que Julio Mahárbiz (a) Márbiz, director de turno de la radio no pudo evitar o sí pudo y no quiso fue la fila de los contenedores llenos de discos rotos, sanos, libros y archivos de la radio. Se perdieron para siempre.
El Teatro Colón, en el cual gastaron 130 millones de pesos no pudo evitar o sí y no se quiso que cientos de partituras y libros de teatro aparecieran en contenedores esta semana. García Caffi no fue capaz de escuchar nuestra súplica en el sentido de lustrar una plaqueta. Ahora dice que va a investigar quien es el responsable de lo que fue a parar a los contenedores. Como el culpable no va a aparecer nunca (estamos en la Argentina) sugiero que se haga él mismo responsable de tal manera que se haya justicia. No estoy soñando, pienso en un país serio. La depredación cultural debe ser castigada.

Claudio von Foerster

Un "spot" publicitario

2010-10-09T19:13:00.002-03:00

En un spot publicitario de televisión aparecen diversos artesanos, cada uno de ellos manifestando su orgullo por haber trabajado en el Teatro Colón restaurando las butacas, puliendo los mármoles, etc. También aparece el Jefe de Gobierno diciendo de su orgullo por pertenecer al equipo que rehabilitó el Teatro.
Curioso que no pudimos encontrar a alguien que manifestara su orgullo por haber pulido la plaqueta de la Calle Arturo Toscanini.

Pasaje Toscanini · Teatro Colón · Buenos Aires

2010-09-15T13:54:00.006-03:00

Que nosotros sepamos, hay en el mundo solamente cuatro ciudades que tienen calles dedicadas al Maestro: Rio de Janeiro, Parma, Milan y Buenos Aires.
Ya que PEDRO PABLO GARCIA CAFFI, director del Colón, supervisó la inversión de 300 millones de pesos en refacciones, vemos con asombro que no ha sido capaz de gastar 18 pesos en una pasta de lustrar para la plaqueta de la calle Arturo Toscanini.

Ravel y Brahms en memorables versiones

2010-08-12T13:38:00.005-03:00

Auditorio de Belgrano, Viernes 24 de Julio de 2010
Escribe: Héctor Coda (ACMA)

Pocas veces en programas de conciertos sinfónicos con obras tan compactas y relevantes como el Concierto para piano y orquesta (“para la mano izquierda”) de Maurice Ravel y la Sinfonía Nº 4 de Brahms Op. 98, algunas de las que integraron el programa- ofrecido en el Auditorio de Belgrano, a mediados deJulio último- destacan entre las ofrecidas de manera significativa, especialmente si tal como aconteció en el primer caso nombrado, se trata de una pieza de características tan peculiares como el Concierto para piano que Ravel dedicó al pianista Paul Wittgenstein, quien perdió su brazo derecho durante la Primera Guerra mundial.

El hecho no hizo más que exacerbar la imaginación de Ravel, cuyo genio auténtico –conciente de la autolimitación formal que se halla presente en toda tarea creadora- no hizo más que poner en juego todo su talento a fin de salvar la carencia mencionada. Obviamente, ella no aminora el propio talento de su eventual intérprete al oponer la sonoridad del piano, accionado con una sola mano, a la de toda una orquesta factor que, asimismo, Ravel tuvo en cuenta a pesar de su rica aunque rigurosa orquestación.

“El arte nace de la contrariedad, vive de la lucha, y muere de libertad” dijo una vez una de las mayores glorias literarias de Francia, como lo fue André Gide. El Concierto para la mano izquierda, de Ravel, es un vivo testimonio de tal aseveración .Su magnífica intérprete, junto a la Sinfónica, fue en esta oportunidad la pianista Elsa Púppulo, quien ofreció en esta oportunidad una versión encomiable, desde todo punto de vista, con el empleo a fondo de los medios técnicos que la caracteriza, junto a una compenetración profunda de su carácter tenso y dramático con el espíritu de la obra, munida de la necesaria diversidad de géneros de toque para dar entidad a audaz diseño de la línea melódica de la obra con –un verdadero tour de force para todo pianista- que no ha de apartarse tanto del específico sonido seco que pide Ravel, las precisas y nerviosas líneas de su dibujo melódico, con sus arrolladores “crescendos” o sus amplios y riesgosos arpegios, sin desmedro de la musicalidad. En ello radicó, precisamente el valor de esta versión, en medio de tanto pianismo actual que se apoya exclusivamente en el rendimiento técnico. No fue menor la inteligencia que mancomunadamente ejercieron Elsa Púppulo desde el piano cuando el maestro Guillermo Scarabino, con su característico rigor interpretativo en cuanto a la partitura musical se refiere, lo cual contribuyó a la excelencia del logro final. Algo que desde el comienzo del concierto había comenzado por la Marcha del Centenario 1810-1910 Op.36 del insigne Alberto Williams, obra cuya grandilocuencia es concomitante con la celebración apuntada y que convalidó admirablemente con la versión que la Sinfónica ofreció de la Sinfonía Nº 4, en Mi menor Op.98, de Brahms.

Héctor Coda (ACMA)
Copyright © 2010 - Héctor Coda (ACMA)

Fuente: http://www.criticosmusicales.com/20100724CodaPuppulo/20100724CodaPuppulo.html

2010-07-18T12:14:00.002-03:00

Arturo Toscanini & Fritz Reiner
preparandose para viajar [1930]

"Shall We Dance?"

2010-07-01T14:10:00.004-03:00

2010-06-29T09:39:00.002-03:00

Wolfgang y Wieland Wagner junto a Hans Knappertsbusch y Herbert von Karajan, comentando un foto retrato de su abuelo, Richard Wagner, en Bayreuth, 15 de julio de 1950.

2010-06-29T09:33:00.003-03:00

Sviatoslav Richter durante un descanso en Abbey Road Studios, Londres, 1961, mientras grababa la Sonata No. 17 en re menor "La Tempestad".

2010-06-24T16:56:00.004-03:00

Recientemente falleció en Paris Michel Glotz, uno de los más importantes empresarios de la segunda mitad del siglo XX.
Bellísima persona, visitó Buenos Aires por única vez en 1976 junto a uno de sus artistas.
Fue amigo personal y manager, entre otros, de María Callas, Herbert von Karajan y Alexis Weissenberg.
Descance en paz.

300 millones de dólares y una latita

2010-06-06T10:05:00.000-03:00

300 millones de dólares es lo que dicen que costó refaccionar el Teatro Colón. El trabajo ha sido magnífico. Dicen que la acústica se ha preservado. Pisos, tapizados e interior totalmente nuevos. Mármoles lustrados. Pinturas restauradas. Hasta la útlima chapita o picaporte impecablemente lustrado: lógico, el Jefe de Gobierno tenía que posar para las fotos. Los detalles son impecables.
Lástima que con 300 millones de dólares no se pudo comprar una latita de Brasso, con la cual se hubiera podido pulir y lustrar la chorreada y mugrosa plaqueta en honor de Arturo Toscanini, el más insigne director que pisó el Teatro Colón. Es cierto, todavía están trabajando. Esperemos que el bronce que señala la calle homónima reciba pronto la atención que merece. ¿Me entendió, García Caffi?

Claudio von Foerster

Escenas Infantiles / Kinderszenen II

2010-06-04T12:41:00.002-03:00

Natalie Schwamová

Para los que no estuvieron presentes
en el recital de presentación en Buenos Aires
en el Museo Fernández Blanco, he aquí un pequeño video.....

Kinderszenen / Escenas Infantiles I

2010-06-03T12:43:00.004-03:00

Recital de piano de Natalie Schwamová
25.3.2010 en el Museo Fernández Blanco,
con el auspicio de la Embajada de la República Checa.
Obras de Berkovich, Schubert, Bártok, Chopin, Kabalewsky, Dussek, Haydn, Prokofiev, Benda, J.S.Bach, W.F. Bach, Czerny, Mozart, Smétana y Beethoven
Nota: se sugiere a los organizadores, revisar la redacción de los programas de mano. El del presente recital, es una alocada mezcolanza de idiomas y errores.

Este crítico, tras más de cinco decenios de comentar sobre recitales y conciertos, no se ruboriza (por ser algo casual) afirmando que nunca escuchó a un niño prodigio en su más temprana edad, en persona. Muchos niños prodigio realizaron grandes carreras como intérpretes: Arrau, Cherkassky, Friedman o Gieseking son, entre muchos, prueba de ello. Del chileno existe una grabación hecha a los once años. De Cherkassky, varias que lo documentan en su niñez. De Friedman sabemos que tocaba El Clave Bien Temperado completo a los ocho. Y Gieseking el “Emperador” a los nueve. Argerich tocaba conciertos de Beethoven, Mozart y Schumann a los once, y muy bien por cierto, según lo testimonian registros de época. De Gelber se ha preservado un Tercero de Beethoven junto a Scaramuzza en el Círculo Militar, que demuestra que tocaba mejor a los doce que después. Pero hay de todo. Slencynska fue niña prodigio y muy aburrida pianista de grande. Lo mismo que el risible Malcuzinsky. Ray Lev y Alicia de Larrocha fueron prodigiosas infantas y convencionales pianistas adultas. Pierino Gamba fue un director precoz y muy bueno y, al crecer, fue uno más. Maazel fue un niño prodigio cuyo arte, siendo adulto, roza la ignominia -al menos en nuestro criterio. Solomon tocaba el Primero de Tschaikowsky a los once y llegó a ser de los más grandes de todos los tiempos. Igual que Brailowsky y Rubinstein. Horszowski tocó hasta los 102 años y visitó Buenos Aires a los ocho años dando conciertos. Heifetz, Menuhin y Milstein muestran en sus grabaciones infantiles haber sido milagrosos, mientras que en la adultez marcaron épocas. ¡Qué sabemos sobre la niñez de Stephen Hawkins, sin ir más lejos!
En fin, que hubo de todo. La mayoría de los grandes fueron prodigios a la niñez. Inclusive, a Hofmann llegaron a prohibirle tocar de niño: lo hizo una pretendida y pretenciosa sociedad “contra la explotación de niños”...
Schwamová tiene 10 años, tocó más de 28 obritas intrascendentes (no las que tocan los niños prodigio realmente prodigios) en un recital muy interesante que permitió comprobar su musicalidad, su perlado parejo, su versatilidad y un mecanismo probo para su edad, aunque no tuviera mayores demandas. Supongo que no debiera aplicarse en este caso el consejo de mi amigo y maestro Jorge d’Urbano, en el sentido de hacer crítica abstrayéndose de la edad, estado de salud y otras cosas parecidas. Porque es imposible predecir qué le deparará el destino a la carrera de este interesante proyecto ignorando que escuchamos a una nena en edad de jugar con muñecas. Quizás destaque en el actual mundo de aporreadores de teclados, o en el actual cosmos de estandardización que lleva a todos a tocar igual o parecido, donde el individualismo de los genios de antaño ya no existe. A lo sumo me permitiría aconsejar a los oyentes que hubiesen grabado el recital a guardar la cinta. Para tener algún día futuro un registro histórico o simplemente para guardar un recuerdo de alguien efímero como la luz de gas. Eso sí: hubiese sido deseable algo más de recato del público, que la fotografiaba impunemente como si fuese un alien.

Claudio von Foerster

El Teatro Colón en 3D

2010-05-25T12:38:00.005-03:00

2010-05-25T11:41:00.003-03:00

El análisisNo es de Macri ni de la Presidenta, sino de todos

Pablo Sirvén

> ¿A quién aplaudía anoche el Teatro Colón en pleno cuando todas las miradas se dirigieron hacia el palco principal? ¿A Macri, a Mujica, a Cobos? Los aplausos no tienen ideología: sólo su intensidad devela una mayor o menor adhesión. Y éste fue sólido y cerrado.

Habrá que deducir que el aplauso era para ellos sin distinción de banderías, y finalmente para todos los que tuvimos anoche el privilegio de ser protagonistas de una página histórica de la Argentina contemporánea. Nos aplaudíamos a nosotros mismos. ¿Le habrá llegado un eco, aunque más no fuese lejano, de ese aplauso a la presidenta Cristina Kirchner?

Fue una pena que se lo perdiera al dejarse ganar por el enojo que le ocasionó la frívola descortesía que tuvo con ella el jefe de gobierno porteño. Debió ir.

¡Qué distinto el presidente uruguayo! Podrá parecer campechano, pero zurce las relaciones rioplatenses sin tantos remilgos ideológicos y con gran pragmatismo. Se lo veía muy cómodo al lado de Macri.

.... ....

Motivos para la queja hubo y habrá siempre, pero ¿saben una cosa? Desde anoche, todos los argentinos, incluidos Macri, Cristina, Cobos y, por qué no, Ricardo Fort, volvimos a ser un poco mejores, y eso gracias a que el Colón volvió a revivir. El Teatro Colón reabierto nos hace mejores ante el mundo y ante nosotros mismos.

Es la prueba tangible de que los argentinos estamos para más.

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lanacion.com | Política | Martes 25 de mayo de 2010

La reapertura - Un brillante comienzo

2010-05-24T22:27:00.002-03:00

Extra Bicentenario / Teatro Colón / Nota I Con los colores de un sueño

Las normas de etiqueta para entrar en el Teatro Colón cambiaron desde su cierre temporario por restauración en el año 2006. Mientras que en las funciones de gran abono antes se exigía, si no ya el frac o el esmoquin, el riguroso traje oscuro en los hombres, ahora se impone el seguro casco amarillo. Aunque más cerca del final, las obras no terminaron todavía y es necesario sortear andamios. Cada uno con su casco, el ex bailarín y figura de la danza Julio Bocca, la soprano Paula Almerares, el compositor Gerardo Gandini y el violinista Pablo Saraví entraron entonces en el teatro, después de mucho tiempo, por un obrador instalado en la calle Viamonte, para examinar el estado del coliseo antes de la reapertura, el próximo 24 de mayo. Del mismo modo que, avanzada la velada, los hombres tienden a aflojarse el moño y la corbata, y las mujeres a descalzarse, los cascos fueron quedando en el camino o en la mano.Invitados por LN

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lanacion.com | Revista | Domingo 16 de mayo de 2010

Reportaje a Martha Argerich, Estocolmo, Diciembre 2009

2010-05-05T08:48:00.003-03:00

Martha Argerich toca Ravel para los Premios Nobel

2010-05-05T08:32:00.001-03:00

La reapertura

2010-05-01T07:38:00.005-03:00

Nos hemos enterado que figuras que actuaron en el Teatro Colón en reiteradas oportunidades han sido especialmente invitadas a la reapertura del mismo.
Un gesto de estricta justicia. Desde este sitio hemos criticado en reiteradas oportunidades los desatinos de García Caffi. Pero cuando se hacen las cosas bien hay que resaltarlo.

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http://www.twitter.com/haciendoelcolon
http://www.haciendoelcolon.buenosaires.gob.ar/

Premio a la trayectoria

2010-04-28T20:58:00.003-03:00

La Asociación de Críticos Musicales de la Argentina le ha conferido a la pianista argentina Elsa Púppulo el premio a la trayectoria. Le será entregado el 29 de abril en el Congreso Nacional.

Merecido reconocimiento a una artista que, pudiendo quedarse en Europa, lleva más de cinco decenios brindando su música en el país.

Sviatoslav Richter - Hungría, 1954

2010-04-19T17:55:00.002-03:00

2010-04-10T10:27:00.002-03:00

Hacia 1970, nos tocó polemizar con Ernesto Sábato cuando dijo que Liszt era un mal compositor y vertió otros juicios risibles sobre un tema que mostró desconocer: el de la música clásica. Lo hicimos desde las páginas de la hoy difunta y añorada revista Obertura.
Recientemente, Juan Pablo Feinman escribió sobre Chopin en Página 12, periódico en el que tuvimos el honor de escribir en una oportunidad en contratapa.
Sin entrar a analizar sus juicios sobre política y sociedad, hemos escrito al citado diario pidiendo se publiquen las líneas que siguen.

LA PERSONA EQUIVOCADA
Por Claudio von Foerster

Feinman me demuestra el acierto de Oscar Wilde cuando dijo que "la diferencia entre literatura y periodismo es que a la literatura no se la lee y al periodismo no se lo puede leer".
Que un filósofo escriba sobre música es como pedirle a un músico que escriba sobre filosofía...y acierte.
La nota contiene dos falacias que atribuyo a falta de conocimiento o de información. Rubinstein dice en su autobiografía de la envidia que tenía por el pianismo de Horowitz, de quien fuera crítico, colega y amigo(hubo una reconciliación a la vejez). Y el melifluo Azhkenazy, en un recital al que asistí en el Town Hall, a la hora de los bises nos dijo al público: "no tengo tiempo de seguir tocando, corro a escuchar el recital de Horowitz".
En cuanto a la "mala versión" de la Balada en sol menor por Horowitz, me pregunto cuál de las 27 disponibles por este pianista habrá escuchado Feinman, acaso una proveniente de una tarde poco feliz. Que todos pueden tener. El escrito de Feinman lo confirma...

Los Directores [fuera de programa]

2010-03-22T14:24:00.009-03:00

[La serie "Los Directores" continuará en breve]

HARRY BLECH (1910-1999), cuyo apellido real era Hirsch, fue un exquisito director londinense descendiente de polacos. Su carrera musical la inició muy tempranamente como violinista, habiendo estudiado en Praga y Manchester. En 1929 fue líder en la Orquesta Hallé y luego, entre 1930 y 1936, en la Orquesta de la BBC. Formó y estuvo activo en su propio cuarteto de cuerdas hasta 1950. En la 2ª Guerra comenzó dirigiendo a Myra Hess en sus legendarios conciertos benéficos, para fundar en 1942 los London Wind Players. Amplió este ensemble a los London Mozart Players, una pequeña orquesta que en el repertorio pre-Beethoven , para nosotros, no ha sido superada. Ese conjunto ganó un prestigio singular en la interpretación del repertorio mozartiano, llegando William Walton a presidir una Sociedad Haydn-Mozart fundada por Blech. En los años de la década del cincuenta, el director y su orquesta ofrecían más de cien conciertos anuales para un público totalmente adicto.
Blech hizo decenas de caracterizadas y, en algunos casos, definitivas grabaciones.

Discografía sugerida: cualquiera de sus muchas placas mozartianas es un inspirado ejemplo de prolijidad y estilo.

2010-03-08T18:23:00.005-03:00

Fernando Hasaj: el violinista falleció anteanocheSe fue un militante de la excelencia

La Camerata Bariloche se quedó sin su líder

Anteayer, cuando se avecinaba la noche, escueta, corta e inapelable llegó desde Montevideo la noticia que daba cuenta del fallecimiento de Fernando Hasaj, a los 52 años. Y la tristeza se instaló invulnerable. Es que más allá de los dolores y las congojas que toda muerte provoca, en este caso, para mayor desconsuelo, se agregaban esa edad absurda, sus valores musicales y, sobre todo, la calidad humana de Fernando, un violinista estupendo, un director consumado, un artista cabal, un docente reconocido y un ser humano maravilloso.

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lanacion.com | Espectáculos | Domingo 7 de marzo de 2010

Plácido Domingo es intervenido quirúrgicamente

2010-03-08T18:04:00.004-03:00

By RONALD BLUM (AP)

NEW YORK — Placido Domingo has undergone surgery to remove a cancerous polyp from his colon and is expected to make a full recovery.

Spokeswoman Nancy Seltzer said Monday that the 69-year-old tenor had surgery last week at Mount Sinai Hospital in New York and was released Sunday.

Seltzer says the malignancy was localized. She says Domingo is expected to resume his singing schedule at Milan's Teatro alla Scala on April 16 with a performance of Verdi's "Simon Boccanegra."

In addition to singing and conducting, Domingo will continue as general director of the Los Angeles Opera and the Washington National Opera.

Traducción Libre:
Nueva York - Plácido Domingo fue intervenido quirúrgicamente para sustraerle un pólipo canceroso del cólon y su recuperación será completa.
Su vocera, Nancy Seltzer, dijo el lunes que el tenor de 69 años se sometió a la cirugía la semana pasada en el Hospital Mount Sinai de Nueva York y fue dado de alta el domingo.
Seltzer comentó que se localizó el tumor maligno. Dijo que se espera que Domingo retome sus compromisos vocales en el Teatro alla Scala de Milán el día 16 de abril en una función de la ópera "Simón Boccanegra" de Verdi.
Además de su roles como cantante y director de orquesta, Domingo continuará a la cabeza como Director de la Opera de Los Angeles y de la Washington National Opera.

Toscanini y Argentina

2010-02-20T07:48:00.004-03:00

Las circunstancias del debut accidental de Toscanini en Brasil darían fundamento para pensar en un amor especial del conductor por aquella tierra. Sin embargo, por razones nunca esclarecidas debidamente, su gran amor fue la Argentina. El director más influyente del siglo jamás daba reportajes, mas sin embargo le concedió una larga nota a César Tiempo en Argentina. Visitó este país en incontables ocasiones. Dirigió aquí óperas que solamente se le escucharon en Argentina. Cuando tuvo que elegir una senda para la gira de su Orquesta NBC marcó el Atlántico y no el Pacífico. El Colón, su acústica y su orquesta le encantaban. La mancha negra de sus visitas fue la muerte de su hijo Giorgio por difteria en Buenos Aires. Salvo por esa tragedia que lo asoló, el legendario Maestro estaba a sus anchas en Argentina.
Llegó por vez primera en 1901 al Teatro de la Opera, cuando el Colón no existía. Era Mayo y permanecería varios meses. Ese año dirigió Tosca, Tannhäuser, Sansón y Dalila, La reina de Saba (Goldmark), Aída, Rigoletto, El elixir de amor, Otello, Lohegrin, Iris (Mascagni), Traviata, Cristoforo Colombo (Franchetti); y los estrenos argentinos de Asrael (Franchetti), Tristán e Isolda y Medioevo latino (Panizza).
A partir de Mayo de 1903, en la misma sala, produjo los estrenos argentinos de La condenación de Fausto, Hänsel y Gretel, Adriana Lecouvreur y Griselda de Massenet. Además,

1932,viaje transoceánico compartido por IRENE BUSCH

(luego esposa de Rudolf Serkin),
ARTURO TOSCANINI,ADOLF BUSCH y su esposa.

condujo Tosca, Germania (Franchetti), La Gioconda, El elixir de amor, Iris, Rigoletto, Mefistofele (Boito), Aída, Manon Lescaut, Traviata y Maestros Cantores.
En Mayo del año siguiente vuelve. Repite cinco producciones del año anterior y agrega Lohengrin, Fausto, Linda de Chamonix, Bohème (que había estrenado mundialmente), Falstaff y Manon. Estrenó localmente Siberia (Giordano), Madame Butterfly, La Wally (Catalani) y El francotirador de Weber, que condujo por única vez en su dilatada carrera en Argentina.
Retorna en 1906, para dirigir Rigoletto, La Wally, Don Pasquale, La Gioconda, Madame Butterfly, La valkiria, Manon, Mefistofele, Traviata, Cristoforo Colombo, Tosca, Barbero de Sevilla, Tristán e Isolda, Loreley. Estrena localmente La hija de Orio (Franchetti) y dirige por única vez en su vida el Don Giovanni de Mozart.
1912 marca su glorioso ingreso al Colón, inaugurado en 1908. Gracias a la falta de visión del concesionario de la sala que quiso extorsionarlo para firmar un nuevo contrato, esta sería su última gira dirigiendo óperas en América del Sur. Toscanini, indignado, se rehusó a volver con dicho funcionario, cuyo nombre callaremos por piedad hacia su miopía...
El Maestro dirigió 15 de los 17 títulos de la temporada, ocupándose de cada ensayo y cada escenografía y de todas las repeticiones. Ingresaba al Teatro a las ocho de la mañana y se retiraba a medianoche.
Dirigió Tristán e Isolda, Aída, Mefistofele, Don Pasquale, Manon Lescaut, La bohème, Germania, Tosca, Ariadne et Barbebleu (Dukas), Madame Butterfly, Rigoletto, Falstaff, Ocaso de los dioses y Los niños del Rey, de Humperdinck.
No volvería hasta 1940, con la NBC. En el intermedio dirigió como titular en el Met y la Sinfofilarmónica de New York, fue titular de La Scala, se presentó en Salzburg, Bayreuth y Lucerna, co fundó la Sinfónica de Palestina (hoy Filarmónica de Israel), y dirigió orquestas en Holanda (Residencia Real), Inglaterra (BBC), Viena (Orquesta Filarmónica de Viena ) , Estocolmo, pasando por las persecuciones del f ascismo y el exilio (cuando las mismas llegaron a un punto de confrontación elevado, hubo partidarios de Mussolini que querían fusilar a Toscanini, cuyo pasaporte le había sido confiscado. El padre de John F. Kennedy, que era un influyente diplomático en Europa, le salvó la vida).
Toscanini organizaba articuladamente giras cada diez años. En 1910 llevó al Met a Europa, en 1920 a la Orquesta de La Scala a Estados Unidos, en 1930 a la Orquesta Filarmonica de New York a Europa, en 1940 a la NBC a Brasil, Uruguay y Argentina y en 1950 –ya con 83 años- una ardua “costa a costa” con decenas de presentaciones en Estados Unidos.
En Buenos Aires habría de volver al Colón para ofrecer, con su afiatada orquesta radial, 40 obras diferentes en 7 conciertos a sala repleta, los días 19, 20, 23,25,27 y 29 de Junio y el 1º de Julio. La ovación que lo recibió antes del debut duró 20 minutos, ante un serio e impaciente Maestro que detestaba el personalismo del aplauso.
La gira comenzada en Brasil y culminada en Uruguay y nuevamente Brasil fue un éxito rotundo que, en tramos, la NBC radió por ondas cortas al mundo . Hasta, con delicadeza, dirigió obras de autores locales (Dos danzas de Aguirre, orquestadas por su amigo Ansermet; y la 7ª Sinfonía de Williams.
En Buenos Aires el Maestro socializó con viejos profesores de la Estable que habían sido dirigidos por él en 1912...y recordaba los apellidos e instrumentos de cada uno de ellos.
Estando en el hotel que lo albergaba, escuchó por Radio Municipal una función desde el Colón y quedó impresionado por el nivel de la orquesta estable. No fueron demasiado arduas las negociaciones para que aceptara volver en 1941 a su querido teatro y a “sus colegas” de la orquesta.
Lo hizo para dirigir 7 conciertos que tenían, como puntos salientes, el Réquiem de Verdi y la Novena de Beethoven. Lo acompañaron seis primeros atriles de la NBC con los que quiso reforzar la orquesta local.

Fue su exitosa despedida de un país que, más de 60 años después, lo sigue venerando.

TOSCANINI y la NOVENA

Toscanini debutó en 1896 como sinfonista, siendo ya un consumado operista, pero no fue hasta 1902 que dirigió por primera vez la Novena, con la Orquesta de La Scala en Milán. Simbólicamente , su primera transmisión radial la hizo en New York en 1927 con la magna obra. Que reestudió constantemente y que, al momento de hacer su única grabación comercial, dijo no conocer cabalmente (sic). La había dirigido en Estados Unidos por vez primera en el Met, en la primera década del siglo veinte.

Se han preservado varias de sus versiones, con distintos solistas: su legendaria traducción con la Orquesta Filarmonica de New York de 1936, la de la BBC, la de La Scala (final cantado en italiano), cuatro versiones con la NBC incluyendo una televisada y la oficialmente registrada. Para quien escribe, empero, la máxima de sus traducciones en 1941 en Buenos Aires.

Sus ensayos fueron relativamente placenteros y sin tormentas, mostrándose encantado con sus músicos. He entrevistado a los dos únicos músicos sobrevivientes de ese glorioso 1941 quienes, en 2006, lo recordaban con visible emoción. Escuchando con sentido crítico la versión de la Novena, la considero la mejor de todas a partir de la capacidad de los músicos, la acústica legendaria y la combinación, en Toscanini, de fiera determinación, flexible ritmo y profunda comprensión. Diez instrumentistas de élite, como el legendario Vilaclara, reforzaron la Estable y muchos cantantes “ad hoc” y seleccionados por el Maestro aumentaron el coro. Entre ellos el (luego) famoso Angel Matiello y Sieglinde Wagner, rescatada de un campo inglés de cautivos de la 2ª Guerra Mundial y nieta de Richard Wagner.

El cuarteto vocal estuvo excepcionalmente inspirado.

Esta es, lo repetimos, la mejor de las Novenas del gran director.

Earl Wild [1915-2010]

2010-02-15T13:24:00.005-03:00

A manera de obituario publicamos la reseña del libro Piano & Forte:

RETROSPECTIVA MUSICAL
EARL WILD (1915-2010) es uno de los colosos, que no ha tenido demasiada repercusión antes de los años sesenta, a pesar de su inmenso bagaje artístico e instrumental. Evidentemente, la máquina propagandística es cruel y voraz: puede devorarlo a uno negativamente por su silencio relativo o catapultarlo hasta las estrellas por un buen manejo. Estudió con Selmar Janssen y con Petri y, sin dudas, su forma de tocar recuerda a los grandes maestros del pasado, aunque sea algo más aplomado que aquellos. Wild es uno de los escasos vínculos con aquella irrepetible era de oro. Una enfermedad, afortunadamente superada, le quitó la potencia de la juventud, en general, a sus traducciones posteriores a la misma.Pero la distinción sigue enhiesta y hasta podría uno afirmar que su toque es menos acerado y más cálido que en los viejos tiempos. Cierto es que escuchar a Wild en sala es una experiencia irrepetible, posiblemente nunca transferida hasta el último detalle a los discos. Que sí, indudablemente, le han hecho justicia como instrumentista y como músico. Pero que no pudieron, por razones imaginables , reflejar la totalidad del alma recreadora de un grande.Como todos los pianistas de antes, pudo emparentar el estudio instrumental con el musical íntimamente. Es curioso que en épocas pretéritas los caminos de la enseñanza y el aprendizaje manual corrieran parejos con los más profundos estudios de la expresividad, de la agogia y de la dicción; mientras hoy, al menos juzgando por los productos de la actual tendencia que se oyen por todo el mundo, se da preeminencia a la eficiencia digital postergando incomprensiblemente el estudio de la música.Como si un pianista que toque bien con sus manos solamente, no necesitara la comprensión absoluta de cada estilo antes de presentarse en público.Los maestros de hoy hacen hincapié, por ejemplo en Bach o Mozart, en la forma en que debe ejecutarse la ornamentación respondiendo "a la tradición". Poco parece importarles, empero, que sus alumnos hagan música, que liguen, que no vayan compás por compás sino en grandes líneas de fraseo.Lógicamente, este despropósito ha llevado a que pianistas como ASHKENAZY, verbigracia, se permitan decir: "Ahora no deformamos como antes". Si se refiere a Pachmann, a
Malcuzynski o a Paderewski solamente, está bien. Pero él generaliza. Y no puede ni debe hacerlo, aunque haga apología de la objetividad, algo que nunca he comprendido cabalmente. El mecanismo de WILD tiene mucho de PETRI, aunque el alumno se tome más libertades que el maestro, especialmente en los tempi y en el color y a pesar de que WILD niegue haber estudiado con PETRI. Aquel EGON PETRI era un estilista más severo, WILD más libre en el enfoque, aunque certero y polifacético recreador. El respeto que imponía PETRI derivaba de su reserva, el que impone WILD deviene de su capacidad para comunicarse con exuberancia. Nunca le hemos escuchado a este último apelar a un golpe bajo para persuadir a uno solo de sus oyentes acerca de una idea musical. Ni hacer concesiones al estilo para gustar demagógicamente. Su mayor acierto consiste en haberse dedicado al repertorio cuyas características le sientan como anillo al dedo, evitando autores con los que no se siente plenamente identificado, como los barrocos, Mozart, Beethoven o Schubert. Toca algo de Schumann, mucho Chopin, Liszt, Rachmaninov y compositores menores del romanticismo, además de obras poco frecuentadas del catálogo.
Es maestro desde hace muchos años, y también compositor de vasta actividad. El hecho de haber, prácticamente, comenzado a grabar en discos de circulación limitada le hizo ser casi un desconocido por lustros. Hasta que, hoy, todas aquellas placas excelentemente tocadas e impecablemente grabadas, han sido pasadas al CD. Su debut británico, por ejemplo, se dio hacia 1970, tardíamente en relación a su carrera anterior. ¡Contaba más de 55 años por entonces! Su figura ha crecido en los últimos tiempos y los que “le descubrimos" allá por los sesenta sentimos la satisfacción del deber cumplido.La información boca a boca sigue teniendo eficacia.Hubo casos de precocidad que han asombrado. En general, todos los pianistas de antes fueron niños prodigios, aunque eso importe muy poco. GIESEKING, antes de los 7, tocaba la Fantasía de Schumann, y a los 15 las Sonatas de Beethoven. No deseo dar a los precoces mucha relevancia, porque básicamente se los conoce y han entrado al salón de la fama por lo que hicieron de grandes, no de niños. RUTH SLENCYNSKA fue niña prodigio, y como adulta nunca llegó a gran estatura. El hecho de que WILD haya ido despaciosamente no quita ni agrega nada.Si se piensa que solamente su discografía, empezada tardíamente, orilla casi las 30 obras con orquesta y más de 160 para piano solo; o que tocó para media docena de presidentes en la Casa Blanca; que fue el primer pianista en América en tocar para la televisión (en Europa fue POUISHNOFF), se percatará Usted que WILD no es ni un recién llegado ni un advenedizo. No es un "newcomer", más bien un "oldcomer"...
Para superar la depresión de los treinta se conchabó como pianista estable de la NBC; trabajó profundamente con Toscanini, e intervino en las grabaciones comerciales del Maestro de El amor brujo, Petroushka y la Primera Sinfonía de Shostakowitsch (las dos primeras obras, editadas comercialmente, tomadas en vivo). El director lo escogió para su única versión de la Rapsodia en blue de Gershwin (1942) junto a Benny Goodman. Esa interpretación es hoy, todavía, un ejemplo maravilloso de su arte.Algunos críticos mal informados pretendieron que WILD se había especializado en transcripciones, pues sus primeros discos de circulación masiva estaban dedicados a estas obras (cabe hacer notar que el mismo rótulo debió sufrirlo CHERKASSKY). Por supuesto que esta porción del catálogo instrumental le cautiva. Es capaz de improvisar transcripciones o paráfrasis sobre cualquier tema, en el acto y a la altura de cualquier gran músico que yo haya podido conocer. Aunque no lo haga públicamente. Sugiere a sus alumnos que sustituyan los aburridos y estériles ejercicios mecánicos por transcripciones, lo que, además, les enseñará a frasear, a mejorar el ritmo y la eficiencia de los dedos.BACKHAUS decía: "Personalmente practico escalas en preferencia a cualquier otra forma de ejercicios técnicos. Agregue a eso arpegios y Bach, y tendrá usted la base sobre la cual descansa mi trabajo técnico".
"Every teacher is a different preacher", o "Cada maestrillo con su librillo". Cautiva seguir comprobando que no haya recetas magistrales absolutas para forjar un buen pianista...
Las proporciones orquestales del sonido de WILD, cuyo detallismo timbrico es escasamente superable, puede deberse a que tocó varios instrumentos en diversas orquestas, antes de dedicarse al piano.Si pensamos que BAUER o GIESEKING, por ejemplo, habían sido llevados al violín, como PETRI, antes de ir al piano, sería bueno el consejo de no parcializar su actividad, si es Usted pianista aficionado. Acercarse a otros instrumentos seguramente, le dará una mayor perspectiva sonora del espectro.WILD es un romántico, aunque muy disciplinado, no se inhibe de sustituir tremolados lisztianos por arpeggios, cuando cree estar mejorando el texto. No soy
demasiado amigo de estos retoques, pero tienen mejor gusto que los atropellos del irrespetuoso GULDA a Mozart, o las alteraciones de MICHELANGELI a Brahms, o las enmiendas de HOROWITZ o Haydn y Mozart. WILD suele retocar el muy escaso Mozart que toca. Prefiero, como un Tomás musical, oír para creer. Y todavía nadie me ha convencido que Mozart escribiera mal o con pocas notas. Es más, insisto que tocar SOLAMENTE las notas que pusiera Mozart en el papel, como él las pensó, es una tarea de gigantes.Aunque WILD toque en nuestro tiempo, por mentalidad pertenece a la prosapia de los de la vieja guardia. Tiene un legato muy noble, articulación clara, poderosos y claros acordes y buen gusto; sentido infalible del tempo (influencia de Toscanini y de PETRI); y ubicación estilística, con imprevisibilidad y poesía. Entre sus discos, citaremos un recital en vivo en Gales, con poético Chopin y otoñal Liszt (es de 1988) y un recital íntegramente dedicado a transcripciones que es delicioso y virtuosístico.Aquí puede ser retórico si se compara su Danubio Azul con el que había grabado en estudio años antes, pero todo es íntimamente musical.Su recital de los 70 en el Town Hall es no solamente un programa típico de este pianista, sino un ejemplo de perfección fuera de serie. El programa:

Mendelssohn, Rondo capriccioso
Beethoven, Sonata 14
Chopin, Andante spianato y gran polonesa
Respighi, Notturno
Dohnanyi, Capricho Op.2/4
Liszt, Dos Estudios sobre Paganini
Moszkowski, Etincelles
Ravel, Alborada del gracioso

que contrasta con su debut londinense:

Schumann"Fantasia
Chopin, Andante spianato y gran polonesa
Liszt, Sonata en si menor
Ravel, Gaspard de la nuit

Hay un bello disco con transcripciones propias de canciones de Rachmaninov, al estilo de GODOWSKY, con inusual habilidad y belleza; las Sonatas para cello y piano de Fauré con Warwyck, tan buen ejemplo del pianista de cámara como su disco anterior con Shapiro en la mejor versión que conozco de la Sonata Op.19 de Rachmaninov (a pesar de KAPELL); la Sonata Op.11 de Schumann y otras obras de este autor, con dominio del idioma; las Sonatas 11 y 18 de Beethoven con severidad. Y algún Beethoven en transcripción.Anteriormente, había grabado el Primero de Liszt y la Fantasía Húngara con Kostelanetz, a la forma de los grandes virtuosos; un recital con arreglos propios de obras de Gershwin y estudios sobre los famosos "songs", que justifican que se lo considere el máximo traductor de este autor, del que grabara inolvidables e insuperadas versiones del Concierto en Fa, la Rhapsody in blue y las Variaciones Tengo ritmo o los Tres Preludios.Grabó el Concierto para piano y orquesta y la Fantasía Polaca de Paderewsky, obras de no mucha enjundia que, por él, parecen más importantes de lo que son. Hay un recital alucinante con transcripciones lisztianas, un par de versiones diferentes de Gnomenreigen y el Primer Mefisto, las Cuatro Baladas de Chopin, todos los Estudios del mismo autor; la Sonata de Liszt; Funerales y otras obras menores; también los raramente escuchados Conciertos de Menotti y Copland; muy buena visión de las Baladas Op .10 y las Variaciones Paganini de Brahms. También grabó las importantes Variaciones de Rachmaninov (Corelli, Chopin) en gran forma. Suyo es el mejor integral que conozco de los Conciertos de Rachmaninov y la Rapsodia Paganini con Horenstein; el Segundo de Saint-Saëns, la Rapsodia Sinfónica de Turina, la Balada de Fauré, el Segundo Concierto de MacDowell y un muy buen Primero de Chopin; una poética y poderosa visión del Concierto de Grieg y una estilística e imponente del Primero de Tschaikowsky, (¡¡hay que verle en esta obra en video con Fiedler!!). También grabó el Quinteto de Piston y la Sonata para violoncello y piano de Kodaly; los Caprichos Op.2/3 y Op.28 de Dohnanyi, el Notturno de Respighi; las Variaciones sobre una canción infantil de Dohnanyi en la mejor versión llevada a discos; una de las mejores grabaciones de Cuadros de una exposición; una rara transcripción con orquesta de Un sospiro de Liszt; un delicioso disco con música de cine; un respetable integral de Scherzi, Baladas y Nocturnos de Chopin, ya otoñal (como en los 24 Estudios); y muchas obras cortas y "de efecto" como Etincelles y La Campanella. Y un CD asaz interesante con obras de Medtner vuelve a catapultarlo como el abogado de mucha gran música que fue olvidada hasta que, años después de WILD, aparecieron los pianistas con invaluables ambiciones de divulgación, como PONTI y algunos más. Su placa de transcripciones operísticas de Liszt es reveladora, en una sección del repertorio bastante trivial. Y por cierto, uno de sus primeros LPs, con transcripciones de GODOWSKY y Thalberg, obras de Herz y demás, justifican parcialmente el titulo que recibió ese disco:"El piano virtuoso” que, en realidad, debió haber sido "El pianista virtuoso". Junto a su colega Christian Steiner grabó La Valse de Ravel, las Danzas Sinfónicas de Rachmaninov y fragmentos de sus suites.Su único disco para la EMI es muy importante: obras de Liszt como la Tarantela de Masaniello, la Segunda Balada, Fuegos Fatuos y La Ricordanza, etc.
Creo que el verdadero lugar para WILD en la historia de los pianistas de nuestro siglo todavía no le ha sido asignado. Ese sitial, seguramente, será de privilegio, como lo merece este noble instrumentista y músico.

¿Regresan?

2009-12-30T09:04:00.002-03:00

Hace poco tiempo, se silenciaba RADIO AMADEUS, la particular FM de música clásica que solamente emitía grabaciones actuales, que –a diferencia de estaciones verdaderamente cultas- proscribía a los grandes intérpretes del pasado ignorando sus bellos y actualizados reprocesos sónicos. Esta pintoresca expresión de seudo modernismo era dirigida por Santiago Chotsourian, quien también presidía RADIO CLÁSICA al momento de su quiebra comercial y desaparición; el mismo que dirigía megaconciertos al aire libre de dudosa calidad y multitudinaria concurrencia.

La misma AMADEUS del locutor afectado que con voz artificiosa decía, por ejemplo:” escuchábamos La gota de lluvia de Frederic Chopin..., los dedos de Marthita Argerich” (Martín Wullich), siempre queriendo dar clases de idioma en los apellidos de los compositores, tornándolos a veces incomprensibles.

Por fortuna, la emisora de los snobs se silenció...

Lamentablemente, su mudez coincidió con la devastación artística de Nacional Clásica.
Ahora nos cuentan que capitales de AMADEUS habrían comprado Radio Cultura, de baja potencia pero excelente programación. Ello sería lamentable.

¿Regresan esos nefastos días de grabaciones en tropel?

Desapariciones por descuido o sustracciones por picardía

2009-12-27T23:49:00.001-03:00

Un blog colega denuncia desapariciones de tesoros documentarios del Teatro Colón. Como habíamos advertido desde estas líneas, la gestión García Caffi podía hacer que esto ocurriera. Para más detalles consulte a:

http://habituesdelteatrocolon.wordpress.com

Separador Desafinado!

2009-12-26T11:21:00.002-03:00

No es de extrañar que los singularmente pintorescos conciertos de la altisonantemente llamada ORQUESTA SINFÓNICA DE CANAL 7 reciban cortes inadecuados en medio de las obras, para enviar mensajes de seudo propaganda oficial... u oficialista, que no es lo mismo. Seguramente los hace algún operador no versado.

Recientemente se cortaba la puesta al aire de las Variaciones op.56ª de Brahms, mal llamadas “sobre un tema de Haydn” -el tema no le pertenece- emitiendo propaganda entre variaciones.

No obstante, dos cosas se destacan:

1) las gráficas son casi ilegibles;
y
2) la Sinfonía de Schubert que se usa como cortina tiene tantas desafinaciones en las cuerdas que constituye un vergonzoso ahuyenta oyentes.

A todo esto, ¿dónde quedó el oído del director Zurlo?

Colosal, trascendente ... olvidado!

2009-12-21T13:13:00.008-03:00

El casi absoluto olvido que el mundo actual dispensa al gigantesco EGON PETRI (1881-1962) se explica únicamente por la ignorancia de los críticos que dictan modas y son capaces de lavar el cerebro de los lectores de revistas especializadas haciendo, a veces, sepultar la trayectoria de los grandes de antaño mediante artilugios y sofismas. Vivimos los tiempos de la superficialidad y PETRI es demasiado profundo para ciertos gustos actuales. No hay razón explicable para justificar que ninguna firma importante dejara de grabar a PETRI tras el advenimiento del vinilo. Seguía estando en plenitud de sus medios y de su concepto. Habiendo grabado, literalmente, decenas de 78s, solamente unos cinco o seis discos de larga duración testimoniaron en la época moderna siquiera una porción de su inigualable arte y de su antidemagogia. A tal punto fue desaprovechado por los mercantilistas de turno que, habiendo tocado a los 80 años ( !! ) por última vez el ciclo de las 32 Sonatas de Beethoven en seis recitales en el Museo de Arte de San Francisco no consiguió interesar a alguien para que lo grabara con vistas a una posterior eventual publicación en discos. Versátil músico y notable maestro, realizó el tramo más importante de su perfeccionamiento pianístico junto a BUSONI, con quien colaboró en ediciones musicales, entre otras cosas. En el "círculo BUSONI", PETRI era venerado por sus condiscípulos y allegados. Ya en esos tiempos, se decía de él que tocaba todo, y que todo estaba en su formidable memoria. Era un hombre talentoso y vivaz, estudioso y reflexivo, sencillo y agradable en el trato, con ocurrencias humorísticas de momento y reflexiones profundas imprevistas. En muchos conciertos de PETRI con orquesta, su maestro BUSONI dirigía junto al alumno predilecto. Proveniente de un hogar de músicos, sus padres recibían en el hogar familiar a visitantes y amigos, algunos de ellos tan ilustres como Brahms, Grieg, Mahler, Anton Rubinstein, Clara Schumann y Tschaikowsky. PETRI, ya desde niño, supo absorber la magia de esos encuentros memorables... Desde que comenzó su carrera, amaba los programas comprometidos y extensos, sin hacerle concesiones al público, antes bien, obligándolo a pensar, invitándolo a disfrutar. Tomemos, a guisa de ejemplo, un recital en Cracovia en 1927:

I
Bach/Busoni………. Toccata, Adagio y Fuga
Beethoven ............... Variaciones y fuga Heroica
II
Liszt, Seis estudios de Paganini Doce Estudios Trascendentales

O uno de 1936:

I
Mozart…………… Sonata en Si bemol
Bach/Busoni…….. Variaciones Goldberg
II
Liszt……………..….. Sonata en Si menor
Busoni…………..….. Fantasía de Carmen
Medtner……….....…. Dos cuentos de hadas
Prokofiev….……… Toccata

Más ejemplos, serían innecesarios.

Estudiaba muy poco tiempo en el piano, prefiriendo la lectura de partituras fuera de él, a la manera de GIESEKING y BACKHAUS. Una anécdota lo pinta de cuerpo entero. Iba en auto al teatro a tocar, entre otras cosas, las 4 Baladas de Chopín. Le dijo a una amiga y alumna: "He decidido utilizar una digitación diferente en la Cuarta Balada". Su acompañante le preguntó: ¿Cuándo la cambió? La respuesta no se hizo esperar: "Recién...".En dos semanas, en los años cuarenta, aprendió las Variaciones Corelli de Rachmaninov para ser tocadas en público en un recital de Chicago, junto a la Fantasía contrapuntistica de Busoni y los Doce Estudios Op.10 de Chopin. Si su comprensión del estilo era total, su repertorio abarcaba desde Bach hasta, a lo sumo, el Tercer Concierto de Rachmaninov o Petrushka de Strawinsky. Aunque, ocasionalmente, tocara obras como La creación del mundo de Milhaud. En 1905 fue a desempeñarse como maestro a Manchester. . . ¡a los 24 años! Cómo cambian los tiempos: hoy, a esa edad, un pianista se está abriendo camino para edificar una carrera, en aquellos tiempos ya enseñaban. Y, por el contrario, antes había lo que podría denominarse más competencia que en nuestros días. Habiendo nacido en Hannover, a PETRI seguían considerándolo un pianista holandés, sin perjuicio de que su fama ya era tremenda en toda Europa. Fue el primer pianista occidental en dar recitales en la Rusia Soviética, en una de cuyas giras tocó ¡35 conciertos en 41 días! Su integridad le hizo dejar la Hochschule de Berlín en 1933, en protesta por la segregación hacia los judíos. Volvió a una de sus residencias ocasionales de Polonia, de donde escapó apurado antes de la invasión de 1939. Milagrosamente, todas sus posesiones fueron preservadas y rescatadas después de la guerra. Cuando debutó en New York en 1932, creó un frenesí de tanta magnitud que, inimaginablemente, debió conceder ¡33 bises!
En años posteriores, solía depender de su formidable memoria para edificar sus imponentes recitales: ...sus partituras habían quedado en Polonia. Posiblemente, cuando en 1922 tocaba la Malediction de Liszt, era uno de los primeros, sino el primero, en hacerlo, ya que la partitura había sido descubierta en 1915.Gustaba trabajar con ediciones revisadas, para conocer las opiniones de sus predecesores en materia de digitaciones y otros detalles.Hoy, los maestros enseñan que solamente sirve el Urtext...Fue uno de los primeros pianistas del siglo 20 que tocó el integral de Sonatas de Beethoven en 1905 en Oxford, que repitió en Basilea en 1908. Allan Evans, comentando la probidad y la seguridad del mecanismo de PETRI, nos dice que su increíble registro de las Variaciones Paganini de Brahms deriva de primeras (y únicas) tomas, esto es, sin repetir tramos de la obra, y lo compara con los 176 tomas que necesitó ARTUR RUBINSTEIN para su Vals Mefisto(y esta anécdota la comento sin el mínimo deseo de menoscabar a ese otro gigante).Es difícil describir sus facultades musicales e instrumentales. Su sonido era opulento, organístico y profundo en el pensar. Sus dedos, casi infalibles. Sus acordes eran plenos, untuosos , y la ligereza de sus octavas no tenía nada que envidiarle a la de los especialistas en el rubro, como LHEVINNE, CZIFFRA o HOROWITZ. No obstante, su arte es tan personal que no puede asociarse a PETRI estilísticamente con ningún antecesor o contemporáneo. Quizás, de los pianistas de su tiempo, BUSONI haya tenido parte de influencia en la formación de su estilo, aunque PETRI era más disciplinado. También BACKHAUS tiene algunos puntos en común con PETRI, especialmente la densidad sonora y el ascetismo de pensamiento unido a la gran simplicidad. Tocó en público hasta los 80 años. Si bien, como quedara dicho, su repertorio fue vastísimo (tocaba a Franck, fue un precursor en Alkan, Medtner, Busoni, Tschaikowsky, Bach, Scarlatti, Schumann, Chopin, Schubert), las piedras de toque del mismo han sido acaso Beethoven, Brahms y Liszt. Para mi gusto, aún admitiendo la sobresimplificación, es el máximo traductor de Liszt que conozco. Pero, también debo decirlo, sus Variaciones Paganini de Brahms me parecen insuperadas. Su Beethoven es severo, contrapuntístico, lleno de carácter, sin desbordes, con una pureza del estilo que alguno puede llegar a confundir con frialdad. ¡Nada más lejos de ello! Su sobriedad hace que BACKHAUS parezca un beethoveniano romántico. ARRAU nos comentaba, en una oportunidad, que algunas interpretaciones lisztianas de PETRI le hacían recordar a las de BUSONI. Este Apolo, con mucho de Hércules, tocaba, en tiempos relativamente modernos, obras que, si se grabaron, se perdieron para siempre: la Sonata de Liszt, la SonataDante, el Wanderer de Schubert o la Fantasía Don Giovanni.

Su discografía es amplísima, a pesar de que fue relativamente dejado a un lado después de 1950. Hoy pueden obtenerse en CD todas sus ejecuciones en 78rpm, y muchas de vivo. De Bach hay más transcripciones que originales, como respondiendo a la influencia busoniana. Su Chacona es imponentemente arquitectónica; la Fantasía cromática y fuga digitalmente perfecta y de espontánea dicción; muchas de las transcripciones de BUSONI tienen en PETRI al verbo ideal; y muchas de las propias son de una belleza inenarrable, como "Sheep may safely graze”, que PETRI convierte en una conmovedora obra de música. Grabó importantes composiciones de BUSONI que, ni siquiera en sus manos, me parecen atractivas. Y esto es un juicio sobre el autor, no sobre el intérprete! Después de conocer a HOROWITZ, a TROUARD o al propio BUSONI, en el Preludio Coral “Regocijaos, amados cristianos” uno cree haberlo escuchado todo…hasta que se conoce a PETRI, que empequeñece a sus colegas hasta extremos insospechados, por su digitalidad, por la forma de cantar y por el rigor de tiempista. Aunque no haya, ni por asomo, tantas Sonatas de Beethoven como quisiéramos, algunas que han sobrevivido dan al menos una idea de lo que era su concepto ante el autor. Su disco comercial de la Op.106 es imponente, la traducción es maciza y densa, el pensamiento casi insoportablemente hondo. También una versión suya en vivo de la obra le hace justicia. Las tres últimas Sonatas, en vivo, tienen una integridad singular, un pianismo ascético y gran sencillez en la expresión. Lo que otros pianistas quieren embellecer a toda costa, él lo entrega descarnado, desnudo, sin ornamentar. La Sonata Op.90, más en la grabación comercial que en la que se hiciera en vivo, tiene improntas dignas de SCHNABEL. Sus Variaciones Paganini no fueron superadas ni lo serán, aunque BACKHAUS esté muy cerca.PETRI es virtuoso y músico, veloz en los trozos alzados y meditativamente animado en los estudios (que eso son) lentos. Las Variaciones Händel, sin alcanzar a SOLOMON o a MOISEIWITSCH en mi gusto, poseen un claro enfoque contrapuntístico, y la Fuga es soberana. En la versión en vivo de las 4 Baladas Op.10, PETRI presenta piezas juveniles con sentido de la madurez precoz del Brahms primero, y en las Rapsodias Op.79 su ejecución impecable las hace trascender al mero ejercicio de destreza a que otros pianistas menos conspicuos las han sometido. De los muy pocos conciertos y obras con orquesta que se preservan de su gran repertorio, el Segundo de Liszt solamente ha sido alcanzado por RICHTER en cuanto a riqueza sonora y expresión sobriamente romántica. Una versión posterior con Wallenstein, en vivo, es igualmente bella y algo más elegantemente libre.El Primero de Tschaikowsky con Goehr se me ocurre demasiado aplomado y denso, carente del vuelo que la obra suele requerir, tocado hace más de medio siglo en la manera en que los rusos lo hacen hoy, obra en la que suelen ser mortalmente aburridos. El Wanderer de Schubert/Liszt, mitad engendro y mitad obra de arte como transcripción, recibe de PETRI una visión más sinfónica que pianística, aunque muy apropiada, junto a Mitropoulos. El mismo tandem produce una electrizante concepción del interesante trabajo como transcriptor de BUSONI con la Rapsodia Española de Liszt. Y la Fantasía sobre las Ruinas de Atenas, de Beethoven/Liszt es tan mala obra que pocos podrían convertirla en algo interesante. Hay grabaciones de PETRI con transcripciones, que son muy significativas: las de Schubert/Liszt, tanto en estudio como en vivo, todavía no pudieron superarse (Liebesbotschaft y Gretchen am Spinnrade quizás sean hitos); las de Gluck/Brahms y Gluck/Sgambati, prodigiosamente inspiradas; y el Andantino varié de Schubert/ /Tausig es casi poco creíble, porque la riqueza de la transcripción y la de la ejecución dan la sensación de que se tratase de cuatro manos.Inmensa, aunque insuficiente, es su discografía lisztiana. Si bien todo puede considerarse definitivo, absolutamente hay cimas que creo son inalcanzables: La Ricordanza, Mazeppa, la primera versión del Vals de Fausto, Gnomenreigen y los Sonetos de Petrarca ya ingresaron en la historia de la interpretación musical, no solamente pianística. Además, dejó probas traducciones de La caza, Rigoletto, Un sospiro, los arreglos sobre Sueño de una noche de verano de Mendelssohn/Liszt, Venezia e Napoli, Soirées de Vienne y otras. El Coro de las hilanderas del Buque Fantasma de Wagner/Liszt es prodigioso, aunque en colores no llegue a las alturas del BRAILOWSKY de Polydor.El Preludio, coral y fuga de Franck (tanto en vivo como en estudio) es disciplinado y hasta clásico en la forma de ser vertido, en la idea de RICHTER.Sus grabaciones chopinianas, que no son muchas, entregan entre lo más destacado sendas traducciones (en vivo y en estudio) de los 24 Preludios Op.28 (la versión de estudio es más fantasiosa y perfecta instrumentalmente), la Tercera Sonata (en vivo), la Tercera Balada, el Vals Op.42, el Estudio 13, una Polonesa y un par de Nocturnos.También han llegado grabaciones en vivo de Sonatas de Scarlatti y piezas de Alkan (había grabado completa su Sinfonía para piano, pero las matrices nunca editadas fueron destruidas).Grabó, cerca de los 80 años y con sus dotes intactas, la edición Busoni del Primer Vals Mefisto, la misma que tocara HOROWITZ al final de su carrera. Creo que ambos, PETRI y HOROWITZ optaron a la vejez por esa edición porque ya no tenían el mismo pulso de los años jóvenes para resolver los saltos y las octavas del final. Además, hay constancias de que PETRI tocaba el original Mefisto Nro.1 en su juventud.En el Carnaval y las Piezas de Fantasía de Schumann, PETRI es reconcentrado, y posiblemente a sus bellas proporciones les falte la evasión que siempre lleva implícito el lenguaje schumanniano. Por decirlo brevemente, PETRI en Schumann tiene la arquitectura pero adolece de la fantasía (al igual que el maravilloso Schumann en estudio de ARRAU posterior a los años sesenta; ya que los Estudios Sinfónicos y el Carnavel que grabara en 78 vueltas son maravillosamente estilísticos y virtuosos).Fragmentos más breves de música de Medtner (Danza festiva, Cuentos) y unatranscripción de BUSONI de fragmentos del Concierto KV271 de Mozart también retratan a PETRI cabalmente.
EGON PETRI ha sido uno de los cíclopes del piano en nuestro tiempo.Ignoro cuántas eran las columnas de Hércules, pero estoy seguro que si el fuerte personaje fuese música, PETRI sería una de ellas. O que, al menos, dos de sus columnas pueden haber sido los brazos de PETRI. O diez de ellas, sus dedos.Por ser tan sobrio, tan directo y llano, por no ser amanerado, alguna sinuosa tendencia a lo distorsionado puede haberlo tildado de intelectual. Imaginar que PETRI no lo fuera, es un gazapo. Pero quitarle alma a su intelecto es otro aún mayor. Con esa carga, en un mundo
artificioso y en un ambiente (el musical) de laberintos, han debido bregar por sus himnos a lo simple, en alguno de los momentos de sus carreras, colosos como BACKHAUS, SOLOMON, SERKIN, WEISSENBERG o RICHTER.De todos ellos, en una o en muchas ocasiones, se ha dicho que ¡"eran fríos"!Tampoco puede pensarse, a causa de su inusual mecanismo, que PETRI haya sido un acróbata del teclado.De hecho, es sin duda el ejemplo más patente de gran pianismo puesto deliberadamente en el segundo plano, para poder servir a la música sin interferencias ni alardes.Para muchos críticos, que mucho critican y poco saben de qué hablan, tener inmensas dotes perfectas de ejecución significa "frialdad" o "intelectualismo", y carecer de esas dotes perfectas se enmascara con el vocablo "musicalidad".Así adjetivaron, en sus tiempos, en el primer grupo a SOLOMON, PETRI, SERKIN, BACKHAUS o RICHTER; y en el segundo, a CORTOT, EDWIN FISCHER o SCHNABEL.Como si fuese posible hacer música sin la máxima expresión del cuidado de los mecanismos y las técnicas.Para los tontos, que siguen existiendo, Kreisler era músico y Heifetz era frío; Toscanini es técnico y Furtwängler músico; Casals es músico y Piatigorsky es técnico. Con ladrillos tan disparatados se siguen construyendo los edificios críticos aún hoy.Simplemente, lea (si las digiere), las críticas musicales (que, por lo superficiales, suelen no exceder la condición de crónicas) de los diarios y verá la estatura (o la ausencia de ella) de quienes se supone que guían la opinión de Usted. ¡Dios le libre de ellos!Entre la ambición humana de poseer la belleza perfecta y el disgusto que da hallarla hay un trecho muy corto. Sobre todo, si la belleza perfecta la posee otro y no uno...Algunos llaman a este trecho ignorancia, otros envidia. Cualquiera que sea su interpretación de este fenómeno, recuerde que casi siempre que Usted encuentre un pianista perfecto le van a decir que es frío. Y cuando oiga uno imperfecto le van a decir que es músico.Si, en tiempos recientes, un crítico de Gramophone se permitió opinar que en las Variaciones Paganini, PETRI no llegaba al alma de Brahms! (??! )...
Fue un hombre sensible, un músico imaginativo, que dejó volar su espíritu, aunque siempre bajo el control de su inteligencia superior. Si tuvo dotes manuales relevantes fue por su talento natural, por su capacidad y por su incesante búsqueda de la perfección. Nunca creyó haber llegado a conocer una obra, tal como predicaba BUSONI a sus alumnos que hicieran.PETRI fue un esclavo de la música, porque su vestimenta interpretativa nunca cesó de estar al servicio de la integridad.Por eso, a pesar de los vanos, prefiero seguir pensando en PETRI como EL MUSICO HONESTO.Por eso, el tiempo de PETRI (que ya fue) volverá a ser...

Del libro Piano&Forte

Como si hubiera sido de otro tiempo

2009-12-17T19:45:00.007-03:00

GEZA ANDA (1921-1976) ha sido uno de los más finos, finisimos acaso, representantes de lo que SCHNABEL (refiriéndose a LIPATTI), denominó "una nueva forma de tocar el piano”.
En efecto, ANDA recorrió el periplo de los grandes virtuosos transfor¬mando sus virtudes desde Chopin y Liszt hacia Mozart. Muchos grandes del pasado hicieron el camino exactamente a la inversa. Y tantos otros, quizás por formación, quizás por convicción, tocaron excelsamente a Chopin y Liszt pero nunca entendieron a Mozart. Un ejemplo de esto fue HOROWITZ.
Ya hemos hablado de los pianistas cuya universalidad de repertorio les hizo recorrer toda la literatura, virtualmente, del instrumento. Los ejemplos que siempre he dado en estas páginas han sido BACKHAUS, ARRAU, GIESEKING y RICHTER. Debiendo incluirse en la categoría de los omnicomprensivos a SOLOMON. lnstrumentistas y músicos a los que TODO les sentaba bien.
SCHNABEL, en su juventud gran lisztiano, se especializó en Mozart, Brahms, Schubert y Beethoven. KEMPFF tocaba desde Bach a Liszt, pero su Liszt no era prototipico, sino un Lizst "a la manera de Kempff”. SERKIN tocó casi nada a Liszt, algo a Chopin, y descolló en los grandes compositores alemanes, con muy poco de Schumann o Mendelssohn.
Y asi siguiendo. ANDA, en cambio no tocó mucho a Beethoven, pero su Schumann sigue siendo ejemplar,su Brahms monumental, sus modernos (Bartok) definitivos, su Liszt comprensivo, sus incursiones por Tschaikowsky o Rachmaninov de gran estilismo, y su Mozart, posiblemente, un paradigma. Su ciclo de los 24 Estudios de Chopin, escuchado en Buenos Aires, tenía la comprensión del de BACKHAUS, la imaginación de CORTOT y el pianismo del de CZIFFRA. Dotado de un sonido bellisimo, sus medios eran inmensos, pero nunca emergían fuera del contexto del discurso musical. Sus grandes modelos de la infancia-juventud fueron BACKHAUS, FISCHER, CORTOT, LHEVINNE, RACHMANINOV y FRIEDMAN. Los colores, el delicado rubato, la igualdad de los pianissimos remedan a aquellos. La sobriedad del discurso, la sencillez, al primero quien, casualmente, fue su mentor quien lo recomendó a su amigo VON DOHNANYI (condiscipulo en las clases de D'Albert) para que le enseñara el arte de los marfiles y el ébano. Cuando se graduó ejecutó desde Scarlatti hasta la Rapsodia Española de Liszt, pasando por sus bienamados Estudios Sinfónicos de Schumann y algunas obras no registradas de Debussy. Sus posteriores padrinos artísticos, el mencionado DOHNANYI y Kodaly, le enviaron a Alemania con una beca, a aprovechar fructíferas enseñanzas en Berlin, donde grabó sus primeras caras de 78 rpm. Luego la Guerra interrumpió sus actividades casi hasta la inanición, hasta radicarse en el país que habría de ser su hogar hasta el final, Suiza. Realizó, a partir de las posguerras, y de grabaciones que lo hicieron conocer (debidas al visionario Walter Legge, quien también apoyó a LIPATTI, SOLOMON y EDWIN FISCHER), más de quince giras por los Estados Unidos, y febrilmente viajó a los confines de Europa, Japón y Sudamérica. Un cáncer lo halló en plena actividad, y lo arrancó de nuestro lado prematuramente, en el pináculo de sus medios. Su recuerdo estará siempre vigente, en la medida que sus discos maravillosos sigan circulando, lo cual -infortunadamente- dependerá a modas y de los gustos a veces cuestionables de los mercantilistas sellos editores. El lector no debiera perderse de atesorar su inmarcesible ciclo de los Conciertos de Mozart (integral) -sumándole el Doble con HASKIL-, el primero en grabarse, que solamente puede ponerse al lado del de LILI KRAUS , en el que sus Cadencias son de gran gusto. Del duo ANDA-HASKIL sobrevivieron en discos aquel Mozart y un intimísimo Doble de Bach (único testimonio de ANDA en este autor excepto por una de las Partitas). Nadie, ni SANDOR, ha llevado a discos los tres Conciertos de Bartok y la Rapsodia como ANDA con su alter ego Fricsay. Versiones acabadas, definitivas donde ambos atrapan como ninguna pareja el espíritu del autor (no debiendo cejar en obtener en discos el Segundo de ambos en vivo en las Semanas Musicales de Suiza). Si aún no ha entendido los Conciertos de Bartok, escúchelos por ANDA. Y si pertenece a los snobs que no los han entendido pero dicen gustar de ellos, como tantas personas que conozco, entre en el mundo de ANDA y dejará de ser snob.
Sus Variaciones Diabelli son enjundiosas pero no demasiado demostrativas de su arte de componer las formas. Y los Conciertos de Beethoven (1, 3, 4) son altamente calificados (dos de ellos capturados en vivo). El Triple de este autor, junto a Schneiderhan, Fournier y Fricsay) es maravilloso.Las Variaciones Paganini de Brahms muy idiomáticas, pero la Sonata Op.5 de este autor, contenida y algo distante. De las muchas versiones del Segundo Concierto de Brahms, me gusta aquella con Klemperer en vivo, y considero la de estudio intrascendente. Sus 24 Estudios de Chopin (el Op.10 en estudio) son muy buenos, aunque sin llegar a niveles que le escucháramos en alguna noche inspirada en sala. El Primer Concierto muy fino, aunque algo académico, y los 24 Preludios olvidables. Pocas versiones de las Variaciones Sinfónicas (con van Beinum) como la suya, en una obra que pareciera haber sido escrita para él. En los Conciertos de Grieg, Tschaikowsky (1ro.) y Rachmaninov (2do.) toca muy bien pero se lo escucha restringido y cuidadoso. En cambio, siendo su Liszt reflexivo antes que ostentoso, su Sonata, el Primer Concierto o la Fantasia Húngara son ejemplares.Si el Carnaval de los animales de Saint-Saëns es olvidable como obra, solamente ha servido en nuestro tiempo para juntar parejas interesantes de pianistas (WEISSENBERG-CICCOLINI entre otras). ANDA lo grabó junto a BELA SIKI. Dos Sonatas de Schubert (13 y 21) son ejemplares, liricas, bellas, catedráticas. Y sus Schumann (Carnaval, Concierto, Danzas de David, varias versiones de Estudios Sinfónicos, Fantasia y Kreisleriana) son definitivamente las muestras acabadas del romanticismo colorista, pujante, virtuosístico, a la vez que recatado, osado y exterior, sin rozar jamás la vulgaridad o el clisé. Pocos han comprendido a Kreisleriana como ANDA. Pocos llegarán a su mundo en los Estudios Sinfónicos.Quiera la suerte que cuando este texto llegue a sus manos pueda obtener sin demasiada búsqueda cualquiera de las grabaciones de GEZA ANDA. Habrá de escucharlas, reescucharlas y atesorarlas con cariño y admiración. Y si es estudiante de piano, las tendrá como guía.

del libro

Piano & Forte

2009-12-06T10:20:00.002-03:00

Única foto que ha sobrevivido de la famosa niña prodigio dominicana Penélope García, quién ejecutó el piano en público entre los 4 y los 9 años de edad a mitad del siglo pasado. No ha dejado grabaciones y sólo se sabe que ingresó en un convento de monjas de clausura. A partir de ahí, su vida es un misterio.

Orquestas

2009-12-03T16:46:00.001-03:00

OTTO KLEMPERER, quien durante su exilio debió dirigir muy malas orquestas, dijo en cierta ocasión: “No hay orquestas malas o buenas, solo hay directores malos o buenos”.
Como sentencia es, al menos, pintoresca. No obstante, creemos que un mal director puede arruinar una buena orquesta; y, aunque más difícil, un buen director puede elevar a una mala orquesta.
Lo cierto es que hay buenas y malas orquestas como hay buenas y malas batutas.
Esta digresión viene a cuento de constatar que, en el exterior (básicamente en Estados Unidos y Europa) las orquestas de emisoras de radio o televisión tienen grandes niveles. Las componen músicos en general bien pagos, que son solventes, que estudian, que tienen una agenda de ensayos cargada y que dan muchos conciertos. Muchas de esas orquestas, escuchadas a ciegas, nos hacen sentir que estamos ante conjuntos sinfónicos reputados.
Obviamente, los directores suelen estar a su altura.
Argentina se ha caracterizado por perder estas agrupaciones. Sobreviven solamente unas pocas.
Ahora bien: si las que tenemos van a incurrir en serios errores de afinación, en severas fallas instrumentales y en ejecuciones desprolijamente preparadas como la llamada Orquesta Sinfónica de Canal Siete, o la Juvenil de Radio Nacional (otrora reputadísima y con justicia) sería preferible que no existieran.
El ideal es curar al enfermo..., a menos que no tenga remedio. En este caso, es preferible dejarlo morir con dignidad.

Día de la Música

2009-11-21T20:39:00.004-03:00

Amigos:

El domingo se celebra el Día de la Música.

Agradezcamos que ella nos haya unido en amistad y goce.

2009-11-20T18:32:00.007-03:00

Dos genios del piano,
Clara Haskil y Geza Anda, fundidos en un abrazo
compartiendo los aplausos después de
tocar el Doble Concierto K365 de Mozart.

El medio errado, la persona equivocada

2009-11-15T15:38:00.002-03:00

Parece que P.P. García Caffi resolvió quebrar el silencio. Posiblemente acosado por los testimonios en el sentido de que no da audiencias a relevantes artistas locales que desean entrevistarlo (pero impune en su “turris ebúrnea”); y las denuncias sobre el tema del translado del archivo sonoro además de despidos de personal artístico calificado, el huidizo pero engreído ex–Zupai, de gestión tan objetada como la de su hermano, el otro ex-Zupai que depreda día a día la Clásica de Radio Nacional, abrió las puertas del Colón a la televisión para mostrar las refacciones durante una hora.
Una pena que eligiese a Cristina 5 Néstor (que así se denomina al obsecuente C5N), y a alguien –González Oro- que se caracteriza por su chabacanería frente al micrófono y cuya cultura musical se asemeja a la de los Longobardis y Grondonas.
PPGC es como las almejas, se entierra con la lengua... y, penosamente, quienes querían saber cosas del Colon, las recibieron en el medio errado y por la persona equivocada.
¡Que siga viviendo la kakistocracia argentina por siempre!

Amigos:

2009-11-01T10:30:00.003-03:00

Amigos,
El 1º de noviembre se conmemoran 20 años del fallecimiento del insigne pianista VLADIMIR HOROWITZ.
¿Qué mejor que recordarlo escuchando alguna de sus ejecuciones?
Yo lo haré y confío que ustedes le roben unos minutos a sus tareas y me imiten.

Él escuchará donde esté...

Best Friends

2009-10-16T11:44:00.003-03:00

Carnegie Hall, 1976

2009-10-13T12:52:00.005-03:00

1976, Carnegie Hall, concierto benéfico. Participaron los artistas que se leen en el programa autografiado y se editó la grabación del magno momento.

2009-10-09T11:31:00.006-03:00

De izq. a der.: Vladimir Horowitz, no identif., Nathan Milstein, Alexander Glazunov.

Rara foto de 1925 de un concierto en el que los dos jóvenes tocaron bajo la batuta del compositor.

Experiencia explicable, reticencia inexplicable

2009-10-08T12:55:00.008-03:00

Recital de piano
D. Scarlatti, 3 sonatas
Mendelssohn, Variaciones serias
Liszt, Rapsodias húngaras 5&12
Schumann, Kreisleriana
Schulz Evler, Arabescos sobre el Danubio Azul
ELSA PUPPULO
Para el Festival Chopiniana,
5 de octubre de 2009 en el Palacio Paz

Las espaciadas presencias de esta artista suelen concitar gran interés. Es una intérprete muy calificada, con señas personales (musicales) bien definidas. Tiene una gran experiencia y esto es explicable, tras más de medio siglo de carrera. Un mecanismo eficiente que no parece haber sufrido mermas sensibles a través del tiempo. Lo que se llama “una mano fácil”, es decir, destreza no exenta de cierta facilidad natural combinada con miles de horas de estudio y perfeccionamiento. Sólida formación estilística que le permite tener un repertorio ecléctico y variado, en el cual -empero- están ausentes dos de las rocas más difíciles de portar, Mozart y Schubert, y el impresionismo. Y muy buena memoria, aunque –en ocasiones muy infrecuentes- la memoria emocional le haya jugado alguna mala pasada. Lo que, usualmente, suele sucederle a los intérpretes hipersensibles. Además, por la reticencia inexplicable de quienes organizan eventos musicales, como Puppulo toca muy pocos recitales (aquí, un aplauso para Chopiniana), cada año que pasa acrecienta su repertorio. Por ejemplo, las Rapsodias tocadas en la ocasión las entregó por vez primera en su carrera.
En general, es respetuosa de los textos y cuando los altera, como lo hace con buen gusto (aunque innecesariamente), está muy alejada de corromperlos.
Puestas negro sobre blanco sus características de intérprete, vamos al recital.
Las chispeantes Sonatas de Scarlatti (¡ya va siendo hora que toque otras!) recibieron ejecuciones de virtuosismo mezcla de Casadesus y Marcelle Meyer, careciendo del sentido de pequeña orquesta con que las abordaba Horowitz.
En las Variaciones de Mendelssohn, mucho mejor tocadas que hace años en el Colón, hubo una reflexión muy especial en los pasajes canónicos, tan importantes en la mejor obra para piano que escribiera el autor del “Sueño de una noche de verano”. Haber tocado los tres últimos compases forte y no piano, como escribiera el compositor, es una costumbre que (al igual que con la Tocata de Schumann) está enraizada en hábitos de los virtuosos del pasado siglo XX.
Puppulo demostró qué tan libres pueden ser las Rapsodias Húngaras de Liszt. La “Heroída elegíaca” (Nº5) es una obra profunda, poética, improvisativa y poco ejecutada, que en la ocasión recibió una traducción noble y nada afectada. La ramplona y ruidosa Nº12 no justifica el genio de su autor. ¡Cuánto mejor habría sido estudiar y tocar “Carnaval de Pesth”, la novena! Aquí se notó que la pianista la tocaba en estreno.
La difícil Kreisleriana (...memoria emocional..., ver arriba) fue presentada con madurez, soberbio manejo de colores, contrastes y acentos y gran fantasía. La pianista, se nota, está bien cerca de Schumann.
Por decenios se ha tocado en piano “El Danubio azul”, en infinitas variantes; pero siempre, como dijera Horowitz, “pour épater le bourgeois”.
El gran mérito de las transcripciones de Grünfeld y Friedman en valses vieneses, es que respetan la melodía básica y, a diferencia de Godowsky, Cziffra o Schulz Evler, no sobrecargan el texto de notas futiles. Mi sugerencia a la pianista (cuya versión no me gustó) es que exteriorice su amor por Viena tocando cualquiera de las Soirées de Liszt.
La comunicación con su audiencia obligó a la pianista a regalar varios bises.

Claudio von Foerster

En la buena senda

2009-09-28T09:38:00.004-03:00

Recital de piano
Chopin, Balada 1
Schubert, Fantasía “El viajero”
Brahms, Rapsodia op.79
Liszt, Sonata en si menor
ALEXANDER PANIZZA, piano
Festival Chopiniana,
16 de septiembre de 2009 en el Palacio Paz

Hace un tiempo, escuchando un concierto con orquesta tocado por Alexander Panizza, disfrutamos de a ratos de un pianista en proceso de crecimiento y maduración. También detectamos materias en las que el déficit era manifiesto.
Cuando el cuadro es de acuerdo a lo antedicho, hay dos caminos que el intérprete recorre: uno, lo conduce a espacios ilimitados; el otro, a chocar contra una pared.
En el primero, no hay límites para mejorar, porque “hay madera”. En el segundo, carencias de órdenes diversos constriñen el crecimiento hasta llegar a la susodicha pared. En el primero, el artista investiga, se perfecciona, desarrolla sus posibilidades y va adquiriendo estatura digna de respeto artístico. En el segundo, llegado a cierto tope, no crece más. Y ahí resultará más o menos atractivo, de acuerdo al nivel alcanzado.
En definitiva, cada quien tiene sus posibilidades de evolucionar y, de acuerdo a cómo lo haga, será intérprete mejor o peor considerado. Como, por ejemplo, en el tennis profesional. Se lucha por un “ranking”. Estar entre los diez mejores del mundo es un logro. Ser número uno es tan difícil como esforzarse para serlo y no llegar.
El programa, a priori, era exigente. Y Panizza lo recorrió dignamente. Su mecanismo es seguro, su espectro sonoro decente y su comprensión musical interesante.
Le falta arrojo pero le sobra sentido común. Nunca se extralimita, pero se arriesga poco. En la Balada, su equilibrio fue positivo, aunque hubiera podido frasear la primera página con algo más de fantasía. En Schubert (tercer movimiento) faltó ímpetu. “El viajero” (Der Wanderer) es denominada así porque el segundo movimiento se basa melódicamente en el Lied homónimo. Alguien, posiblemente sin tener en cuenta las Sonatas D958/959/960, denominó a esta Fantasía como la mejor sonata de Schubert, escrita en cuatro movimientos –y hasta arreglada por Liszt para piano y orquesta. Se dice que cuando el autor de la “Inconclusa” intentó leer su Fantasía en Do ya terminada, no pudo hacerlo, por sus dificultades: "Que la toque el Diablo", parecen haber sido sus palabras. Se trata de una partitura intrincada, en la que Panizza destacó en el lírico y vocal movimiento lento.
En Brahms, su autocontrol fue adecuado. En Liszt, hubiese sido deseable más apasionamiento, contrastando con los pasajes de contemplación logrados con acierto. Mauclair dijo que en esta obra, el Abad era mezcla de gitano y franciscano. La dicotomía es ardua de plasmar. El pianista, por ahora, parece ser más afín con el franciscano que con el gitano.
Panizza está creciendo, sin dudas. Deberá madurar aunque ya camina por la buena senda. Solamente él, y el tiempo, nos dirán por cuál de los dos caminos habrá de transitar los próximos tiempos.

Claudio von Foerster

Obituario

2009-09-26T08:51:00.004-03:00

Avisamos a nuestros lectores del fallecimiento de la pianista catalana Alicia de Larrocha. A los 86 años expiró ayer en su casa de Barcelona.
Había debutado a los 5 años y pertenecía a la escuela pianística catalana, liderada por Frank Marshall. Deja tras de si incontables grabaciones, algunas de ellas valiosas. Destacó en los compositores españoles -Soler, Albéniz, de Falla, Mompou, Granados, etc.

Tradición, plagio y demás asuntos

2009-09-21T14:30:00.005-03:00

Recital de Piano
Chopin, 2 scherzi, Vals, Polonesa 6, Mazurcas
Liszt, sel. de Estudios Trascendentales
MARIAN SOBULA, piano
Festival Chopiniana
11 de septiembre de 2009 en el Palacio Paz,
Buenos Aires.

Dos enemigos irreconciliables en la vida y el arte, Mengelberg y Toscanini, coincidieron -empero- en definir su visión de “tradición”: respectivamente dijeron “tradición es la última mala interpretación” y “tradición es traición”. Como se ve, el terreno es lo suficientemente farragoso como para discursear aquí y ahora.
Pero es evidente que la “gran tradición” polaca de interpretar a Chopin ha desaparecido, pulverizada como por un sismo, si recordamos a sus señeros exponentes que hemos podido escuchar desde principios del siglo XX: Kocsalski, Michalowski, Paderewski, Friedman, Rosenthal, Hofmann, Rubinstein, Stefan Askenase son ejemplares testimonios -entre otros- de cómo tocaban a Chopin los polacos de antaño. Czerny Stefanska, Zurawlew, Stefanski, Hesse Bukowska y compañeros de ruta los sucedieron, con menos vuelo, con menos sutileza, con menos imaginación, con más textualismo y casi nada de refinamiento. Comienzo de la degradación. En suma, si hubo una tradición polaca de tocar a Chopin, ha desaparecido en manos de los pianistas que siguieron a los viejos patriarcas; y los que tocan hoy -que (como mínimo) debieran armarse de un buen archivo discográfico para saber cómo tocaban sus gloriosos compatriotas- no se quedaron atrás en una meticulosa labor de destrucción de un estilo.
Dicen que quienes copian a alguien, plagian..., y quienes plagian a muchos investigan. Considera quien éstas líneas escribe, que citar a quien se está copiando no es plagio, sino tomar referencia. Pues bien: el decano de la crítica musical local y sudamericana, homenajeado en nuestros espacios reiteradamente, Jorge d’Urbano, la emprendió contra un pianista (que llamaremos X) que golpeaba su instrumento en la década del cincuenta, con frases como las que siguen:

"La construcción de los pianos modernos es un verdadero alarde de sutileza combinada con el máximo de resistencia. Los fabricantes han llegado a producir instrumentos tan asombrosos en su variada capacidad, que pueden registrar un pianissimo de Gieseking y, a la vez, cosa que es materia de posible incredulidad, aguantar un recital íntegro de X que anoche fue presentado al público de esta ciudad...; ...lo de anoche no fue un concierto, fue un concurso de resistencia entre un Steinway y un pianista decidido a demolerlo...;...con todo mi respeto y admiración por Steinway, creo que X cuando finalizó el programa, estaba a punto de vencerlo ... ; ... forzar la sonoridad natural de un instrumento es la fórmula más directa para hacerlo sonar mal y crear un ambiente de cosa exterior y superficial...”.

Definir el recital de SOBULA puede ser hecho en dos líneas: se trata de un aporreador al estilo Volodos que desconoce olímpicamente cómo los grandes de siempre tocaban a Chopin y que en Liszt -que le sentó algo mejor- anduvo por sendas parecidas. A pesar suyo, el Blüthner resistió...
No es nuestra labor dar consejos, sino simplemente verter opiniones. En este último terreno diría que un pianista que gradúa sus volúmenes en una sala tan pequeñita como ésta como si estuviese tocando en el NHK Hall de Tokio, sencillamente, no tiene remedio. Y colorín-colorado, esta pesadilla ha acabado.

Claudio von Foerster

...“ va a estar bueno Buenos Aires”...

2009-09-08T10:21:00.002-03:00

Con este cinismo, el Jefe de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y su vicejefa, hoy legisladora, prometían bondades para acceder al gobierno.
La gente que vota compró. Bueno, hace dos milenios, la gente que votaba eligió por aclamación a Barrabás y mandó a Jesús a la cruz. De modo que esa leyenda que dice que "vox populi vox Dei" es una charada. Antes bien, preferimos el otro dicho: "Cada pueblo tiene el gobierno que merece".
El pueblo de la Ciudad merece a Macri, a Michetti, a Rodríguez Larreta y a García Caffi. No importa que el Colón esté en ruinas, que sus archivos hayan sido trasladados o que se disuelva una orquesta. El pueblo merece lo antedicho y plagas mucho peores. Por haberse dejado embaucar en campañas electorales mendaces y vulgares.

Informe:

CIERRE de ORQUESTA ACADÉMICA del TEATRO COLÓN

La Orquesta Académica NO esta en funcionamiento debido a la actual administración del Teatro Colón. La nueva gestión de P. P. García Caffi, en el transcurso del presente año, anuló su actividad escudándose en una supuesta “reestructuración” a nivel administrativo, sin notificación directa a los miembros de la orquesta y haciendo oídos sordos a sus reclamos.

La Orquesta Académica del Teatro Colón es un proyecto educativo creado en 1995, cumpliendo pedagógica y artísticamente con sus propósitos.
Sus músicos denuncian:

··· El abuso de las autoridades al violar las reglamentaciones por las que ingresaron a la Orquesta.
··· La falta de comunicación, considerando que al día de hoy no han recibido ninguna respuesta concreta a sus reclamos desde principio de año.
··· El despido de su director titular Carlos Calleja, que se desempeñara en esa función desde el año 2002.
··· La suspensión y cancelación de las actividades previstas a comenzar en el mes de marzo del 2009.
··· La anulación de las audiciones de diciembre de 2008 y febrero de 2009 con un jurado integrado por músicos reconocidos de la Argentina.
··· La anulación de las becas otorgadas por la Fundación Teatro Colon.

Cabe destacar que todos los departamentos educativos pertenecientes al Instituto Superior de Artes del Teatro Colón, del cual dependen, están en actividad excepto la ORQUESTA ACADEMICA. De no haber comenzado “en rebeldía” con los ensayos, hoy la Orquesta Académica estaría disuelta.

Toscanini

2009-09-02T15:29:00.004-03:00

Arturo Toscanini & Picciu junto a otros amigos comunes

El Maestro Toscanini, Carla y Picciu

Mozart & Salieri

2009-08-24T10:37:00.002-03:00

Que las emisoras radiales de música clásica, si están bien conducidas, son exitoso negocio, lo prueban la BBC, Radio Beethoven de Chile, el SODRE, Cultura de Francia, el SWF de Alemania, la ORF de Austria, la RAI y decenas más. Cuando las mismas son privadas, dan ganancias. Cuando son públicas, no le ocasionan pérdidas al estado.
Un ejemplo ha sido, antes de la gestión García Caffi & Kohan, Radio Nacional Clásica, que hoy ha dejado casi de sintonizarse, a raíz de su mediocridad. Antes de la llegada de ese triste binomio, y durante décadas, se autofinanciaba y batía records de audiencia. Inclusive cuando la potencia de antena era deficitaria y cuando Polonia no había aún donado el equipo para internet que se consiguió en la gestión Montero.
Surgió repentinamente una competencia con excelente nivel técnico (sic), no musical, que no pudo desembarazarse -empero- de las vulgaridades características del multimedio Hadad, al que pertenecía, es decir la llamada am radio diez , el canal cristina cinco néstor (perdón C5N) y otros. Esta radio fue bautizada AMADEUS y emitía música clásica sin contenidos valiosos ni estructura músico-intelectual, ni siquiera orgánicamente. Los intérpretes importaban poco o nada mientras los compactos no tuviesen ruidos. Se ignoró a los maestros de antaño que hicieron grabaciones impresionantes en su calidad sonora, desde Reiner y Fricsay hasta Keilberth o van Beinum, pasando por Toscanini y toda la generación que grabó en discos hoy reprocesados, entre 1945 y 1970. Lo mismo, con instrumentistas y cantantes. Cualquiera podía emitirse por AMADEUS siempre y cuando el registro no tuviera ruidos.
Las locuciones, afectadas, pretenciosas, por momentos ridículas, mostrando escasos conocimientos musicales. Y todo mezclado, como en una bolsa. ¿La explicación?: la más mediocre dirección imaginable en una emisora así...
Si diéramos crédito (lo cual, musical e históricamente no hacemos) a la fábula de que Mozart murió envenenado por Antonio Salieri, trazaríamos el paralelo (que sí hacemos) que, para AMADEUS su Salieri fue SANTIAGO CHOTSOURIAN, quien ya registraba un antecedente similar en la maravillosa criatura CLÁSICA, fundada por Gaby Aberasturi y fundida por el mismo Salieri.
Señores: RADIO AMADEUS ha dejado de existir, sin pena ni gloria.

2009-08-19T15:12:00.000-03:00

Este año se conmemora el centenario del natalicio del insigne director JOSEF KEILBERTH y el cincuentenario de la muerte, acaecida durante un ensayo del gran EDUARD VAN BEINUM.

El mejor homenaje de La Danse de Puck es recordarlos en el breviario biográfico de directores que publicamos en estas páginas.

No cambiar para que nada cambie

2009-07-04T11:16:00.001-03:00

Lo triste de las elecciones legislativas 2009 en el distrito Capital es la ratificación de lo que se ha hecho mal, en vez de intentar el golpe de timón del sentido común.
Cierto es que el partido gobernante en el distrito ha perdido un 35% de adeptos. Pero, ante la fragilidad y atomización de la oposición, ha vuelto a ganar. ¿Es que puck acaso se ocupa ahora de política? No, rotundamente no. Por eso, omitiremos referirnos al desastre que se avecina en la Capital Federal. Mas no dejaremos de constatar que la senda emprendida con el Colón permanece inalterable. El patrón de estancia Macri ha ratificado a su capataz, García Caffi, y por ende el panorama no puede ser más sombrío, excepto para la Camerata Bariloche (a buen entendedor, pocas palabras). Un matutino publicó lo que se hará ediliciamente en el primer coliseo. La historieta de siempre. El desatino arquitectónico. El dispendio de los dineros públicos. El destrozo de lo que queda de la gran acústica. Más la suspensión y reducción de espectáculos. Y los despidos de personal. Y el cierre de secciones y talleres.
En una palabra, han empinado el tobogán. Y todo, gracias a los votantes...

Los Directores XVII

2009-07-03T10:55:00.011-03:00

Los Directores
Continuamos con la serie en la que estamos presentando más de 120 biografías escuetas de directores famosos. Las conceptualizaciones serán mínimas; y las recomendaciones discográficas puramente a criterio de nuestra redacción y haciendo abstracción de la posibilidad de mencionar grabaciones adicionales. Por esta causa, sugerimos investigar cuidadosamente las discografías de cada director para descubrir otros registros.

GERAINT JONES (1917-1998) nació en Inglaterra y estudió en Londres. Se hizo muy conocido en la 2ª Guerra Mundial por sus conciertos benéficos en la Galería Nacional, en la que asiduamente tocaban Hess y Moiseiwitsch. Como organista tocó la obra completa de Bach en 1946, especializándose en su música en varias giras. Mucho agua corrió bajo los puentes hasta que comenzara a dirigir. De hecho, lo hizo en 1951. Fundó su propia orquesta y coros que condujo en febril actividad hasta su muerte, especializándose en el barroco.
Discografía sugerida: Dido y Eneas de Purcell; música de Händel.

LESLIE JONES (1905-¿?), inglés, fue-en su tiempo- posiblemente el único en seguir la tradición von Weingartner, empleando para las sinfonías de Beethoven las dimensiones originalmente prescriptas por el compositor y sus indicaciones metronómicas usualmente no practicadas, por ser consideradas demasiado rápidas.
Fue un organista precoz que ya a los 15 dirigía orquesta en su ciudad natal, Stoke on Trent. Hacia 1938 fundó una orquesta de cuerdas y en 1947 una sinfónica. En 1953, creó su propia orquesta de cámara en Manchester; dos años más tarde dejaría las leyes por la música. Formó su máxima creación, con la que se hizo famoso en sus discos, la Pequeña Orquesta de Londres. En el primer proyecto de llevar las sinfonías de Haydn al disco, a partir de 1964, llegó a registrar 70 de ellas, todas maravillosamente perfectas y estilísticas.
Discografía sugerida: sinfonías de Haydn.

ENRIQUE JORDÁ (1911-1996), nacido en el Pais Vasco, estudió en Madrid y en La Sorbona, destacándose sus clases de órgano con Dupré. Primero se graduó en filosofía y letras, luego en música. Entre 1937 y 1939 con el ballet vasco, estuvo como huésped en Francia y, en 1942 tomó la Sinfónica de Madrid. Tras viajar por Europa se radicó en Sudafrica entre 1948 y 1954.
Debutó en Estados Unidos en San Francisco en 1952, pasando dos años después y hasta 1964 a presidir la Sinfónica de esa ciudad, sucediendo a Monteux en medio de críticas controversiales. Volvió a Europa para dirigir en Amberes.
Con su orquesta viajó por todo el globo.
Discografía sugerida: música hispana; acompañamientos a Curzon, Rubinstein et al.

ARMIN JORDAN (1932-2006) nacido en Suiza, estudiando carreras universitarias en Friburgo y música en Lausana y Ginebra. En 1949 dirigió una orquesta juvenil en Friburgo, comenzando formalmente su carrera en Biel. Si bien se ha presentado en las grandes ciudades de Europa, su actividad básica la desarrolló en su país natal, básicamente con la Suisse Romande y en Zürich.
Discografía sugerida: Il maestro di capella de Cimarosa; obras de Mozart.

OSWALD KABASTA (1896-1946) fue un gran director orquestal y seguramente, de haber vivido más años, hubiese escalado hasta sitios de estimable consideración. Nació en la llamada Baja Austria y cursó sus estudios en la Academia de Música de Viena al tiempo que enseñaba canto en escuelas. En 1924 debutó como director en Baden, cerca de Viena. Entre 1926 y 1931 dirigió principalmente óperas en Graz, haciendo también presentaciones en la Sociedad de Amigos de la Música vienesa y consiguiendo un importante conchabo en la radio austríaca de 1931 a 1937. Su principal nombramiento le llegó en 1938 a partir de ser designado principal en la Filarmónica de Munich hasta terminar la contienda.
Fue reconocido como intérprete muy especial de los románticos, especialmente de Bruckner y Schmidt. Su corta discografía para EMI abarca sinfonías de Mozart, Beethoven, Schubert y Bruckner; la que debe ser la primera grabación mundial de las Impresiones brasileñas de Respighi y obras de Berger. Para otro sello, la 7ª de Bruckner.
Sus discos hoy son raros, salvo por algunas buenas versiones en vivo rescatadas de archivos de las radios alemanas del Reich. Kabasta tenía una técnica solvente, amaba los colores pastel y tenía un pensamiento directo y versátil musicalidad.
Abrumado por sus actitudes colaboracionistas con el nazismo austríaco se suicidó en 1946. Haciendo abstracción de su ideario personal y sin sectarismos inútiles, resulta muy interesante estudiarlo escuchando sus interpretaciones.

ROBERT KAJANUS (1856-1933), finés, estudió en Helsinki y con Hans Richter y Reinecke en Leipzig. Pasó muchos años en Dresden para volver luego a Finlandia en 1882. Fundó la primera orquesta profesional de Finlandia con la que trabajó incansablemente.
En 1888 dirigió el estreno finés de la 9ª de Beethoven y en 1900 viajó con su orquesta por Europa. En la Exposición Mundial en Paris, Sibelius y él la dirigieron. Fue la primera vez que se escuchaba música de Sibelius fuera de Finlandia. Trabajó a destajo el resto de su vida en su país donde, con incontables cargos, difundió la música clásica.
Discografía sugerida: Sinfonías de Sibelius.

HERBERT VON KARAJAN (1908-1990) nació en Salzburgo y debe ser el director con la más amplia discografía y filmografía.
Su bautismo como Wunder Karajan (milagro Karajan) sigue siendo sólo un slogan de la prensa. El haber quedado involucrado en las disputas de poder de los poderosos ministros del Tercer Reich, el uno apoyando a Furtwängler y el otro a von Karajan, es un acto miserable que presentó como enemigas a dos inmensas figuras. Furtwängler, desde entonces, se mantuvo siempre receloso y hostil con relación a von Karajan, en medio de una gran enemistad. El otro mantuvo siempre su admiración por el colega, aunque ocasionalmente hiciera pullas sobre aquel.
Que von Karajan haya sido miembro del NSDAP, como tantos otros, no lo excusa de alegar ignorancia de políticas ominosas y horrendos crímenes contra la humanidad. Lo mismo les pasó a los artistas en la Unión Soviética del asesino de masas Stalin, aunque esté de moda no hablar de ello.
Richard Strauss, por ejemplo, aceptó gustoso su nombramiento a puestos oficiales sólo porque en Alemania se representaban sus óperas más que en cualquier otro sitio (derechos de autor). Seguramente sabía lo que pasaba en su tierra pero prefirió voltear la cabeza. Pero su estatura como músico no puede ser objetada. El hecho es que, con el fallecimiento de Furtwängler en 1954, nadie se interpuso a que von Karajan fuese nombrado titular vitalicio de las Filarmónicas de Viena y de Berlín, desplazando a otros muy meritorios directores austro-alemanes mayores en edad que él. Mucho puede criticarse su instinto comercial, pero debe reconocerse que, por ejemplo, la orquesta berlinesa decuplicó sus conciertos y grabaciones (y por ende sus ingresos) gracias a él.
Manejó el más extenso repertorio entre todos sus colegas . Por ejemplo, entre centenares de registros sinfónicos y operísticos, deben incluirse las fundamentales sinfonías de Haydn y Mozart y los ciclos completos de Beethoven, Schumann, Mendelssohn, Brahms, Bruckner y Sibelius. Más obras religiosas y lo más renombrado desde el barroco a los modernos vieneses, pasando por el impresionismo, Respighi o Strauss y música ligera.
El jóven Karajan comenzó una promisoria carrera como pianista (hay sólo un registro suyo tocando) pero al escuchar a Toscanini en Viena decidió convertirse en director. Fue diariamente de Ulm a Bayreuth en bicicleta para asistir a los ensayos del Maestro italiano en el Festspielhaus. Allí trazó su objetivo: tener algún día el legendario sonido Furtwängler y poder acercarse lo más posible a todas las virtudes de Toscanini. Sucedió a Busch en Aachen y fue invitado por Walter a Viena. Fue prohibido en 1945 y desnazificado en 1947. Apadrinado por Walter Legge reinició su carrera, ascendiendo hasta su muerte. Sus primeras grabaciones con Legge, Schwarzkopf, Hotter y la Filarmónica de Viena difícilmente puedan igualarse (Novenas de Beethoven y Schubert, Réquiem Alemán de Brahms).
No sorprende que dedicara tanto tiempo en grabaciones a los clásicos ligeros vieneses, en los que se lo escucha eficiente con la Filarmónica de Berlín e inspiradísimo con la de Viena.
Estudiando su legado diferenciamos diferentes etapas de su quehacer. La batuta jóven y bulliciosa (desde los primeros discos hasta 1945), elegante, refinado, preocupado por la transparencia y el lenguaje directo. El segundo período, su era con la Philharmonia bajo la égida de Legge, casi solamente interesado en el preciosismo sonoro y enmascarando mucho, por ejemplo, los timbales. Su tercera época, los vinilos, como maestro de la técnica y la infalibilidad de estilo. Y sus años finales, los de la suprema sabiduría, condensando todas sus experiencias anteriores, cultivando visualmente el ego en los films pero nunca dejando de justificar su estatura de coloso de toda época.
Tuvo la técnica perfecta, el oído absoluto y la memoria infalible, Eso más la genialidad. Su sexto sentido musical fue excepcional. Eligió vivir como un autócrata y sigue siendo mítico.

JOSEPH KEILBERTH (1908-1968) nació en Karlsruhe y ya a los 17 era instructor en su casa de ópera, la que presidió entre 1935 y 1940. Uno de sus destinos más provechosos fue el que tuvo hasta final de la guerra en Praga con la Filarmónica Alemana. Este conjunto cambió su nombre y fue famoso con Keilberth: la Sinfónica de Bamberg. En ella estuvo de 1949 en adelante. Fue invitado en Hamburgo y Berlin, se presentó en Bayreuth y viajó con su orquesta de Bamberg por las Américas. Director flexible, de repertorio amplio y buena técnica, fue uno de los grandes en la “segunda línea”.
Discografía sugerida: poemas de R. Strauss; Salomé; El francotirador; Meistersinger; sinfonías de Mozart.

RUDOLF KEMPE (1910-1976) nació en Alemania y de pequeño cultivó el estudio de varios instrumentos. Su lugar de prácticas fue la escuela orquestal sajona de Dresde. En 1929 se unió a la orquesta de la Opera de Dortmund como primer oboísta, cargo que pasó a desempeñar en el Gewandhaus. Munch era uno de sus compañeros y fue dirigido por las más grandes batutas de su tiempo. En 1935 debutó en la Opera de Leipzig dirigiendo a Lortzing. Fue reclutado en el peor momento de la guerra, 1942, pero al cabo de un año recibió un permiso permanente para seguir con su actividad musical. En 1948 fue designaado titular en Chemnitz y también fue invitado a conciertos en Leipzig, Dresde y Berlin. Otros de sus cargos hasta 1952 los desempeñó en Weimar y Dresde(con la Capilla Estatal), quedando de 1952 al 54 al frente de la Opera del Estado de Baviera en Munich. Fue huésped de Viena y Londres (tras giras por las Américas), donde sus reprersentaciones operísticas fueron muy bien recibidas- Mozart, Verdi, Strauss y Wagner entre otros. En 1956 debutó en el Met y debió retirarse por enfermedad ese año y siguientes. En 1960, Beecham lo convocó como asociado en la Filarmónica Real. Luego fue titular de la misma(1961) a la muerte de aquel y director vitalicio a partir del 70. Su alma itinerante lo llevó a renunciar en 1975 para dirigir, entre otras, las orquestas de la BBC y la Tonhalle en Zürich. Debutó en Bayreuth en 1960 y tuvo apariciones subsiguientes allí. Fue, indudablemente, una de las significativas batutas de su generación.
Discografía sugerida: la obra completa de R. Strauss

Los Directores XVI

2009-06-29T09:19:00.001-03:00

Melchior and Friend

HEINRICH HOLLREISER (1913-2006), muniqués , estudió-entre otros-con Elmendorff y debutó como director en 1932 en Wiesbaden. Seguidamente ingresó en los teatros operísticos de Duisburgo, Mannheim y Darmstadt, compartiendo podio con Clemens Krauss en Munich(1942-1945) y desplegando vasta actividad en Dusseldorf y Viena, además de ganar su fama con la Sinfónica de Bamberg.
Fue huésped con orquestas en Berlin, Hamburgo, Lausana, Munich, Moscú, Londres, New York y Montreal. Entre 1973 y 1976 hizo presentaciones anuales en Bayreuth.
Daba la imagen de ser un director estándar, no demasiado inspirado aunque con mucho oficio y buena técnica. Diremos, finalmente, que sus versiones son siempre muy correctas y en estilo aunque su personalidad sea débil.
Discografía sugerida: Schubert; El barbero de Bagdad de Cornelius; Rienzi de Wagner.

JASCHA HORENSTEIN (1898-1973) manifestó en una oportunidad que amaba a Bruckner y a Mahler. Fue mal entendido: se lo rotuló de "especialista" en esos dos compositores y nada podía alejarse más de la verdad que ese rótulo.
Nacido en Kiev, pasó poco tiempo en su patria ya que primero fue llevado por sus padres a Königsberg y posteriormente a Viena. Su padre era ruso y su madre austríaca. Tuvo maestros diversos y fue estudiante multidisciplinario: con su madre aprendió piano, con Adolf Busch violín y con Marx y Schreker composición. A ello le añadió una licenciatura en filosofía india. Dirigió a los 20 una orquesta estudiantil, hasta que marchó a Berlín con Schreker para transformarse en asistente de Furtwängler. En 1923 se estrenó con la Sinfónica de Viena y ya en ese primer concierto programaba "El titán" de Mahler, por entonces obra poco conocida.
Entre 1924 y 1928 dirigió en la capital alemana en los famosos Conciertos Blüthner y a las orquestas Sinfónica y Filarmónica de Berlín. Estrenó la Suite lírica de Berg en 1929 e hizo sus primeras grabaciones de una discografía que, con el tiempo, habría de ser abundante. Fue un paladín de compositores modernos por aquellos días, habiendo trabajado personalmente con Busoni, Janacek, Rachmaninov, Berg, Strawinsky, Schoenberg, Webern, Nielsen, Strauss y otros.¡Qué privilegio!
En 1929 se estableció en Dusseldorf como titular recomendado por Furtwängler, pero en 1933 debió emigrar por ser judío. Fue a París y hasta 1941 viajó por países no ocupados de Europa, incluyendo la Unión Soviética . Además estuvo en Oceanía y junto a Toscanini y otros tres colegas dirigió en Palestina. Se nacionalizó estadounidense y condujo las mejores orquestas de Norte y Sudamérica. Volvió a radicarse en Suiza tras la contienda y fue muy solicitado. Estrenó Wozzeck en Paris y protagonizó dos hechos significativos en 1958: reemplazó al enfermo Klemperer en Leeds (Missa solemnis) y presentó la 8ª de Mahler en la BBC iniciando el resurgir de este compositor en Inglaterra. Dirigió muchas óperas, y poco antes de su muerte dio Parsifal en el Covent Garden. De formación plenamente germana, era muy cuidadoso del estilo, temperamental, ecléctico y con una técnica superlativa. Si bien hay gran variedad de sus grabaciones en el mercado, la "resurrección" verdadera del legado de Horenstein está por venir...

Gilels and Friend

KAREL HUSA (1921-¿?), checo, estudió primero en su país natal y luego, becado, en Francia con Honegger, Boulanger, Bigot, Fournet y Cluytens. A partir de 1945 dirigió la orquesta de Radio Praga, en 1952 y siguientes en la Radio-TV Belga, la Orquesta de Cámara de Lausana, grabando en Paris con diferentes conjuntos.
Transladado a Estados Unidos dirigió en Ithaca y otras muchas orquestas como invitado.
Compuso profusamente.
Discografía sugerida: Carmina Burana; El mandarín maravilloso de Bartók.

ELIAHU INBAL (1936), israelí, estudió en Jerusalén y dirigió por vez primera una orquesta juvenil en 1956. De 1960 a 1963 continuó estudios en Paris, Siena y Hilversum como alumno de Celibidache. Después de ganar un par de concursos, lo que no solemos mencionar por carecer de importancia estos circos, tomó por invitación orquestas en los cinco continentes. Desde 1974 condujo en la Radio Frankfurt.
Discografía sugerida: las sinfonías de Schumann.

DÉSIRÉ E.INGHELBRECHT (1880-1965), uno de los decanos franceses de la batuta, nació en Paris, en cuyo conservatorio estudió, haciéndose famoso al inicio como compositor. Dirigió el Teatro de los Campos Elíseos en 1913 y el Ballet sueco de 1919 al 22. En 1924 dirigió por vez primera en la Opera Cómica, pasando a ser su titular en 1932.
Fundó en 1934 la O.R.F. que obtuvo fama mundial. Toscanini la eligió para su gira de 1935 en la Opera. Precisamente Inghelbrecht fue designado, en 1945, titular en dicho teatro. Por su íntima amistad con Debussy es que muchos lo consideran el intérprete ideal de sus obras, de las que fue paladín.
Discografía sugerida: las composiciones de Debussy.

Kreisler and Friend

ANTONIO JANIGRO, a veces escrito IANIGRO (1918-1989), italiano, estudió en Milan y saltó a la fama, incluso en discos, como cellista. Sus registros como solista con Reiner y como camarista con Badura Skoda y Fournier son calificados. Marchó en 1939 a Zagreb a enseñar su instrumento y allí comenzó su carrera de director: comenzó en la Radio y TV de la ciudad en 1953; fundó y dirigió el conjunto que lo hiciera famoso, Los solistas de Zagreb. Luego dirigió, tras 13 años con ese conjunto, el Angelicum de Milan y sucedió a Ristenpart en la radio del Sarre.
Discografía sugerida: Sinfonías 44 a 49 de Haydn.

MAREK JANOWSKI (1941), gran director polaco, creció en Alemania. Hizo estudios de matemáticas y luego musicales en Colonia, Viena y Siena. Condujo primero en Italia y posteriormente en Aquisgran. En 1964 tuvo su primer gran nombramiento estable, en la Opera de Düsseldorf, para pasar en 1969 durante cinco años a Hamburgo. Fue huésped en otros centros alemanes de enjundia. Visitó Londres con la Opera de Colonia y Paris con la Capilla de Dresde.
Se ha dedicado básicamente a la ópera, con un amplio repertorio.
Discografía sugerida: Euryanthe de Weber; La mujer silenciosa de Strauss.

THOMAS JENSEN (1898-1963), danés, estudió en su pais y en Alemania. Primero fue cellista y organista, debutando como director en 1936 y hasta 1948 con la Orquesta Tivoli. En 1952 dirigió con Eric Tuxen la orquesta de la Radio Danesa en gira por Estados Unidos y el decenio siguiente fue su titular. Fue el paladín de la música de Carl Nielsen y de su discografía destacan, precisamente, sus sinfonías en versiones ejemplares.

Brailowsky and Friend

EUGEN JOCHUM (1902-1987) nació en Baviera en el seno de una familia musical. Niño prodigio tocando órgano y piano, estudió en Augsburgo y Munich. Su primer contrato lo tuvo en Mönchengladbach y en 1926 debutaba con la Filarmónica de Munich, incluyendo ya la 7ª de Bruckner, autor en el que fuera considerado especialista. De 1926 al 29 en la Opera de Kiel, al tiempo que dirigía el repertorio sinfónico en Lübeck. Gracias a una recomendación de Furtwängler dirigió en 1929 en Mannheim.
Luego, Duisburgo en 1930 y la orquesta de Radio Berlin hasta 1933. También en aquellos tiempos se presentaba con la Filarmónica de la ciudad. Con la llegada de Hitler mudó a Hamburgo (Opera y Filarmónica) donde permaneció hasta 1949 sucediendo a Muck y Böhm.
Ese año fundó la orquesta que habría de dirigir por un cuarto de siglo: la Sinfónica de Radio Baviera. En 1953 debutó en Bayreuth, adonde volvió regularmente. A la muerte de van Beinum fue nombrado en el Concertgebouw junto al joven Haitink. En 1975 fue designado director laureado de la Sinfónica de Londres. Viajó por todo el mundo, fue muy querido en Estados Unidos y a la vejez lo veneraron en Japón.
Tuvo un repertorio amplísimo y fue un místico en su estilo de dirigir. Las sinfonías de Beethoven, Haydn, Mozart o Brahms; música de Sibelius y de Orff; sinfonías de Bruckner y óperas varias son sólo gemas en la corona de su extensísimo y recomendable aporte a la discografía.

La decadencia social y cultural

2009-06-19T23:41:00.007-03:00

20 de junio de 2009 - Día de la Bandera

Los países tienen aniversarios, fechas patrias. Las mismas suelen ser sagradas. En la Argentina, el país "de los feriados por cualquier razón" suele darse importancia, básicamente, a tres fechas patrias: el 25 de mayo (se celebra la revolución de 1810 que escindió al país del dominio colonial español), el 20 de junio (se lo llama Día de la Bandera y se recuerda el fallecimiento de su creador en 1820) y el 9 de julio (en 1816 se declaró formalmente la independencia). Estos onomásticos son-o debieran ser-sagrados para el ciudadano. Quienes escribimos estas líneas venimos de generaciones en las que las fechas patrias eran más que jornadas no laborables. Se embanderaban las casas y edificios públicos, se cantaba el himno y se tomaba conciencia de lo hecho por nuestros mayores con relación al país. Hoy, gracias a legisladores no patriotas, se dictan leyes que aceptan que esos días sacros del 20 de junio, se acoplen a fines de semana seudo turísticos para engrosar los bolsillos de los hoteleros y gastronómicos de zonas vacacionales.
También culturalmente, sentíamos el orgullo, verbigracia, de tener el Teatro Colón y de que hubiesen funciones de gala en días patrios; nos educábamos musicalmente con la radio, escuchando Radio Nacional (por aquellos días Radio del Estado), acercándonos a las funciones colonísticas por Radio Municipal, y también sintonizando la música clásica de Radio Provincia.
El país, gracias a los malos gobernantes (de facto y electos) retrocedió y se degradó hasta ser lo que hoy es, también gracias a quienes no supieron votar. Y por ende su cultura se sumergió en la ordinariez y superficialidad, en un mundo planetario cuya cultura también descendió a la chabacanería y el conocimiento epitelial. Radio Nacional ya no existe como era antes (García Caffi y Pablo Kohan son hoy dos jinetes apocalípticos de su devastación); Municipal dejó de existir, culturalmente, el día de 1973 en que las hordas camporísticas la asaltaron, borraron su memoria y la rebautizaron. Y Provincia ya no emite música clásica.
¿Para qué hablar del Colón, hoy difunto con 101 años recién cumplidos? Otro García Caffi está colaborando a su entierro...
El homenaje de Puck a aquellos 20 de junio gloriosos es una foto publicada el 21 de junio de 1941 en La Prensa. El día anterior, en función de gala en el Colón, el glorioso Arturo Toscanini dirigía el Himno Nacional y un programa variado en su última visita al país.
Un mero recuerdo de una Argentina que fue y que nunca volverá a ser...

3 Grandes

2009-06-06T16:14:00.004-03:00

Pisando sus 80, Arrau junto a Horowitz y una joven Alicia De Larrocha.

La veracidad de ciertos refranes.

2009-05-24T12:32:00.003-03:00

Hay quienes dicen que los refranes condensan la sabiduría popular. De una u otra forma, lo bueno es que la sabiduría esté condensada, para ratificar el famoso dictum de Gracian: "Lo bueno, si breve, dos veces bueno". He aquí el verdadero valor de sentencias cortas.
El periodismo escrito, por lo general, está producido por gente que sobrevalora sus conocimientos en directa relación a cuánto subestima las palabras que emplea. No en vano suele decirse que el periodismo consiste en un mar de sabiduría con dos milímetros de profundidad. O, como dijera el sabio Chesterton, el periodista cuenta la muerte de Lord John a gente que ignora que Lord John vivía...
Pues bien, el artículo del periódico LA NACIÓN que se reproduce es lo suficientemente elocuente acerca del penoso tema del Teatro Colón que nos viene ocupando en La Danse de Puck (ver notas anteriores...).

A bestia comedora, piedras en la cebada. (Refrán español). Significa que a gente como la ciudadanía porteña, que deglute peces de colores, se le puede vender pescado podrido, como están haciendo desde Ibarra-Telerman (otrora socios enamorados, hoy enemigos) con las reformas al Primer Coliseo, innecesarias e irrealizables. Han conseguido los políticos que la gente asista impávida e inerme a la destrucción de un orgullo nacional.

Buen porte y buenos modales, abren puertas principales. (Refrán español). La historia de la cena que se narra en LA NACIÓN demuestra que ninguno de los protagonistas podrá abrir puertas principales. Porque, por la parte del escenógrafo, no es lógico invitar a alguien a compartir una cena y pedirle al mozo que lleve la cuenta a otra mesa. Y es injustificable que de García Caffi no salga el gesto de saludar, enviar una flor a sus artistas, o de pagarles la cuenta. En fin, que la clase es de nacimiento, no se adquiere.

Como el maestro "Siruela" que no sabe leer y pone escuela. (Refrán francés). El maestro "Siruela", obviamente es el ex folclorista que hoy dirige el Colón, que hace lo que quiere y lo hace mal, que no hace lo que debe y omite hacerlo también mal, que basurea a los empleados, funcionarios y técnicos que saben más que él. En fin, ese es García Caffi, que no sabe leer (la historia del Colón) y pone escuela (acepta dirigirlo).
Sería bueno que, antes pronto que nunca, se cuente la verdadera dimensión de su penosa gestión en el Argentino de La Plata.

La Nación - Sábado 23 de mayo de 2009 - Escribe Alejandro Cruz

2009-05-24T12:15:00.004-03:00

Juana de Arco en la hogueraEntretelones de un estreno deslucido

Roberto Plate cuenta los problemas que tuvo que enfrentar para realizar la puesta del oratorio de Honegger

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lanacion.com | Espectáculos | Sabado 23 de mayo de 2009

Los Directores XV

2009-05-15T11:59:00.002-03:00

Los Directores
Continuamos con la serie en la que estamos presentando más de 120 biografías escuetas de directores famosos. Las conceptualizaciones serán mínimas; y las recomendaciones discográficas puramente a criterio de nuestra redacción y haciendo abstracción de la posibilidad de mencionar grabaciones adicionales. Por esta causa, sugerimos investigar cuidadosamente las discografías de cada director para descubrir otros registros.

ETTORE GRACIS (1915-1992) nació en Italia y estudió en Venecia. Debutó en 1943 y asumió como titular del Maggio Musicale de Florencia en 1945. Luego, sus principales actividades- aparte de aquellas como invitado- fueron nueve años(1950-1959) en el Pomeriggio Musicale milanés, y doce años (hasta 1971) en La Fenice veneciana.
Discografía sugerida: 4º Concierto de Rachmaninov con Michelangeli; Cuatro piezas sacras de Verdi; Stabat mater de Pergolesi.

NILS GREVILLIUS (1893-1970) nacido en Estocolmo, estudió en el conservatorio de esa ciudad y actuó entre 1911 y 1924 como concertino en la principal orquesta sueca. Estudió dirección básicamente en Londres y comenzó sus tareas como titular de la Sociedad de Conciertos de Estocolmo, de 1914 al 20. Prácticamente trabajó solo en su país, pero cada vez que viajó hizo mucho por la música sueca. Paradójicamente, obtuvo su gran fama como acompañante de Jussi Bjoerling.
Discografía sugerida: Sinfonías de Alfvén; obras de Atterberg.

FERDINAND GROSSMAN (1887-1970), famosísimo intérprete de música religiosa, nació en Austria y estudió con von Weingartner. En 1923, Furtwängler lo hizo designar maestro de coro del célebre Wiener Singverein. Desde 1939 al 45 y a partir de 1956 hasta su muerte fue titular de los Niños cantores de Viena. Su relevancia como director, sin haber tenido puestos importantes, la obtuvo por sus excelentes grabaciones, todas ellas garantías del estilo.
Discografía sugerida: San Pablo de Mendelssohn; las Pasiones y Oratorios de Bach.

CHARLES GROVES (1915-1992) nació en Londres y, desde pequeño, estuvo muy vinculado a la actividad coral. Estudió en su ciudad natal y se ganó la vida como acompañante hasta ser contratado por la BBC en 1938 como maestro de coro. Dentro de su distinguida actividad se recuerda que preparó el coro para Toscanini en el Réquiem Alemán, la Missa Solemnis y el Réquiem de Verdi.
Entre 1942 y 195100 dirigió orquestas secundarias de la BBC. Los diez años siguientes reconstruyó y dirigió la orquesta de Bournemouth. De 1963 a 1977 también dirigió la Filarmónica Real de Liverpool. Viajó por todo el mundo y fue el primero en su país en presentar el integral de sinfonías de Mahler. Obviamente, ha sido considerado un especialista en los compositores ingleses.
Discografía sugerida: compositores británicos; obras de Sibelius.

GEORGE GUEST (1924-2002) nació en Gales, comenzó siendo niño como corista, para abrazar luego la profesión de su padre: organista. Tras recibir incontables títulos académicos y especializarse en obras religiosas, se asentó en Cambridge. Sus versiones son modelos del estilo.
Discografía sugerida: las misas de Haydn.

VITTORIO GUI (1885-1975) , romano, debutó dirigiendo en su ciudad natal en 1907. En 1910 pasó a dirigir en Nápoles, siendo contratado por Toscanini en La Scala entre 1923 y 1925. Ese año fue co-fundador del Teatro de Turín en el que presentó muchas obras nuevas, tanto sinfónicas como operísticas, todo en el más elevado nivel. De 1933 a 1936 dirigió el Maggio Musicale en Florencia, y hasta 1943 lo hizo en el Comunale.
Destacó en el repertorio italiano en el Covent Garden, al que llegó invitado por Beecham. A partir de 1948 se vinculó a Glyndebourne, donde sobresalió por su finura y estilismo. Dos semanas antes de morir, dirigió su ultimo concierto en Italia.
Discografía sugerida: sinfonías de Haydn; Psyché de Franck; 5ª de Mendelssohn; El barbero de Sevilla de Rossini.

MANFRED GURLITT (1890-1972) nació en Alemania, hijo de un conocido paisajista. Estudió con Breithaupt, Humperdinck y Muck entre otros. Sus principales tareas hasta la llegada del nazismo las llevó a cabo en Berlín, Bayreuth, Augsburg, Essen, Hamburg, Bremen y Viena.
Abandonó el país en 1939 , hostigado por el gobierno y marchó a Japón donde se dedicó a la enseñanza y a dirigir. Volvió a Alemania Occidental en 1953 para dirigir sus obras.
Discografía sugerida: Concierto op.61 de Beethoven con Wolfsthal.

LEOPOLD HAGER (1935) nació y se educó en Salzburg, especializándose en Mozart al lado de Paumgartner. Debutó en Mainz a los 23 permaneciendo allí hasta 1962 en que fue a dirigir a Linz hasta 1964. Entre ese año y 1969 siguieron contratos en Colonia y Friburgo, para recalar como director permanente en el Mozarteum de Salzburg y la Opera de Viena. Hizo giras con su orquesta salzburguesa y debutó en el Met. Director muy fino.
Discografía sugerida: sinfonías y óperas de Mozart; Metamorfosis de Strauss.

BERNARD HAITINK (1929), holandés, sintió el llamado de la música al escuchar por vez primera un concierto dirigido por Mengelberg( al que, estando Haitink en plena carrera, despreció por hacer caso a chismes sobre el pasado político de aquel; y a quien, ya consagrado el mismo Haitink, revalorizó con arrepentimiento). Comenzó estudiando el violín a los 9, pasando a tocarlo en la Filarmónica de Radio Nederland.
Pasó a estudiar con Leitner, siendo su asistente en 1955 en la radio. En 1959 debió sustituir a última hora a Giulini en el Concertgebouw, siendo nombrado en 1961 co-director en dicha orquesta, con Jochum y a la muerte de van Beinum. En el 64 pasó a ser titular, dejando la orquesta años más tarde para dirigir la Filarmónica de Londres. Años más tarde justificaría haber dejado Holanda para poder dirigir óperas. Luego debutó en Glyndebourne y repartió sus menesteres entre Londres, Ámsterdam e innumerables giras mundiales. Es un director sensible, ecléctico y de gran técnica, con un repertorio ilimitado.
Como lo es su vastísima fonografía.

TAUNO HANNIKAINEN (1896-1968) nació en Finlandia peleó antes contra Rusia, por la independencia de su tierra, y luego estudió cello con Casals. Debutó en 1922 en la Opera Finesa y en 1927 fue invitado en Viena. Además, Italia, Francia y otras comarcas lo escucharon en sus giras. Desde 1942 a 1950 dirigió en Estados Unidos , haciendo base en Chicago, plaza que dejó por expreso pedido de Sibelius, volviendo a dirigir en su patria.
Discografía sugerida: cualquiera de sus versiones de obras de Sibelius.

HOWARD HANSON (1896-1981) nació en Estados Unidos y es uno de los trascendentes compositores de aquel país. Estudió en varias universidades y en la Juilliard, graduándose en 1916. De 1918 a 1921 enseñó en California al tiempo de crear sus primeras obras importantes. Se hizo famoso dirigiendo por 40 años la Orquesta Eastman Rochester, amparada por el dueño de Kodak, Eastman, precisamente en la ciudad de Rochester. Desde ese proscenio difundió sus obras y las de sus compatriotas.
Sus grabaciones de autores norteamericanos son legendarias.

NICHOLAS HARSANYI (1913-1987) nació en Budapest, se graduó en la Academia Franz Liszt en Budapest, emigrando hacia Estados Unidos en el 37. Allí comenzó sus tareas durante la 2ª Guerra Mundial dirigiendo una sinfónica de las fuerzas armadas. Fue profesor y conferenciante en Princeton y debutó como profesional en 1956 en New York. Entre 1965 y 1970 dirigió orquestas de Princeton e Interlochen y destacó conduciendo la Orquesta de Cámara de Piedmont con la que grabó impecables versiones de Haydn.
Discografía sugerida: conciertos con Morini; obras de cámara de Haydn.

HAMILTON HARTY (1879-1941), legendario, nació Irlanda, donde se educó. En 1900, ya en Londres, destacó como pianista acompañante y compositor. Sus primeras apariciones londinenses con la batuta fueron para dirigir sus obras, hasta que en 1913 dirigió Tristán en el Covent Garden. Tras cuatro años en la Marina Real, llega a la Orquesta Hallé de Manchester por recomendación de Beecham. Fue de 1920 a 1933. En aquel tiempo la transformó en la más fina orquesta en la Isla. Tras renunciar, se convirtió por años en titular de la Sinfónica de Londres. Viajó por Estados Unidos y Australia en giras anuales. Sus últimos años, con salud endeble, dirigió espaciadamente.
Discografía sugerida: 2ª Suite de Bach, Sinfonía 101 de Haydn; Sinfonía 35 y Concierto para fagot de Mozart con Archie Camden; Concierto 1 de Tschaikowsky con Solomon

ROBERT HEGER (1886-1978), inmenso en sus tiempos, muy requerido, olvidado después de la 2ª Guerra inexplicablemente, nació en Alsacia, siendo su padre músico profesional. Sus estudios los hizo en Estrasburgo y en otros centros musicales, destacando Munich con Max von Schillings. Siendo su primer contrato en su ciudad natal (Estrasburgo) en 1907, siguieron actividades en Ulm, Barmen y Viena (Volksoper). Su trabajo se multiplicó de forma impresionante. Nüremberg de 1913 a 1921, asistente de Walter en Munich, la Opera del Estado en Viena, hasta 1933 director de los conciertos de Amigos de la Música de Viena, Kassel y, finalmente, la Opera del Estado de Berlin(1933-1945). Después de la 2ª Guerra dirigió bastante menos, sobre todo en cotejo con su agenda anterior al 45: Berlín como director de la Escuela Superior y algunas ciudades europeas en gira con la Opera Estatal de Baviera. Su relativa inactividad, pública y fonográfica, desde 1955 sigue siendo un enigma.
Discografía sugerida: fragmentos operísticos de R. Strauss y Wagner; la primera grabación, abreviada, de la historia del Rosenkavalier, ejemplar y con un elenco de fábula: Lehmann, Schumann, List, Mayr et al.

WALTER HENDL (1917-2007), muy conocido por su participación como pianista en la grabación del Triple Concierto de Beethoven conducida por Walter (con Corigliano y Rose), fue un director reconocido que estudió con Clarence Adler, David Saperton (née Sapirsztein) y Reiner en su país natal, Estados Unidos . Se perfeccionó con Koussevitzky y entre 1941 y 1945 estuvo reclutado.
Fue primero director invitado de las Sinfónicas de Pittsburg y Boston para pasar a revistar en 1946 como pianista y director asistente en la Filarmónica de New York. Desde 1949 y por diez años fue titular en Dallas, asociado de Reiner en Chicago( 1959-1964) y numerosas presencias con orquestas norteamericanas en festivales y conciertos. La ex NBC, Sinfónica del Aire, lo contrató para su gira a Lejano Oriente en 1955.
Discografía sugerida: obras de autores norteamericanos; acompañamientos a Heifetz, Graffman, van Cliburn et al

Pedro Pablo García Caffi & Enola Gay

2009-05-14T16:42:00.000-03:00

El burócrata que la burocracia del ejecutivo de la ciudad ha puesto para dirigir -o destruir- el Teatro Colón, está llevando a cabo su cometido con atilana paciencia y devastadora minuciosidad.
Los políticos que tuvieron la impericia de designarlo, y que serán juzgados por la posteridad, parecen no haber comprendido que el gran teatro podrá depender administrativamente de la Ciudad, ex Municipalidad, pero que histórica, artística y espiritualmente es patrimonio nacional.
De forma tal que el solo intentar su destrucción es un delito federal del cual no deben salir indemnes los responsables.
Resulta una consecuencia lógica de quienes hoy son políticos pero ayer estuvieron vinculados al balompié el pensar que se puede juguetear con fondos ajenos y tener impunidad. Demos como meros ejemplos el fondo bursátil que la gestión Macri creó para Boca y debió cerrar; o los millones de dólares (¡¡¡!!!) que el señor Rodríguez Larreta padre gastó para darse el gusto de traer a Julio Villa de Tucumán a Racing...: está todo dicho.
Esta es la gente, o sus descendientes, empeñada en convertir al Colón en un ente autónomo y, según varios, en un shopping artístico.
El burócrata nuevo director comenzó por humillar a los empleados del Teatro en la Legislatura; siguió humillándose a sí mismo con declaraciones públicas que prueban que, en este menester, no sabe diferenciar un burro de una gallina; continuó transladando los archivos de audio y video vaya a saber adónde y al cuidado de quién; y remata-al menos por ahora- su faena trasladando a cientos de empleados del Colón a otras dependencias municipales que nada tienen que ver con el arte, como si fueran meros figurones ocupa-puestos como él.

¿CUÁL SERÁ EL PRÓXIMO PASO PARA ACABAR CON EL TEATRO COLON?
Dado que, verbigracia, este año se conmemoran sendos bicentenarios de Haydn y Mendelssohn, hubiésemos preferido poner en el título de esta nota sus nombres al lado del de García Caffi.
Empero, y a tenor de lo que va de su gestión (que confiamos sea lo suficientemente breve como para evitar el arrasamiento total), lo hemos colocado al lado de un nombre de mujer, tristemente célebre: Enola Gay. Era la madre de un piloto. Que le puso al avión que piloteaba el nombre de su mamá. Se trataba del avión criminal que lanzó las bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki, las únicas bombas nucleares arrojadas contra seres humanos en la historia de la humanidad...

En La Nación HOY

2009-05-14T15:42:00.002-03:00

García Caffi desarticula varias áreas de la sala y deja afuera a 278 trabajadoresColón: personal calificado busca destino

En disconformidad con la medida, renunció el director escenotécnico que había nombrado la actual gestión

Más allá de lo que diga el Servicio Meteorológico, se avecinan días con varios frentes de tormenta en el Teatro Colón. Por lo pronto, anteayer, a dos meses de la asunción de Pedro Pablo García Caffi como director de la sala, salió publicada en el Boletín Oficial la resolución 1224, por la cual el número uno del Teatro transformó en un hecho administrativo lo que venía anunciando -y repitiendo- desde hacía más de un mes: la disolución de 7 áreas escenotécnicas, 2 áreas artísticas, mayordomía y administración con la consiguiente reducción de empleados (de 1237 a 808)..... "Cuando me refiero a áreas improductivas me refiero exclusivamente a secciones que por distintas razones han quedado cumpliendo funciones que ya no sirven". Por ahora, falta saber cómo funcionará el Colón sin, por ejemplo, mayordomía y administración.

..... En medio de una semana compleja, el único comunicado oficial que envió la oficina de prensa del Colón (una de las tantas áreas que están trabajando con la mínima cantidad de personas: una) habla de la exitosa demanda de abonos de la temporada de ópera 2009

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lanacion.com | Espectáculos | Jueves 14 de mayo de 2009

Reminiscencias de un tiempo perdido...

2009-05-13T14:03:00.003-03:00

No hace tanto, los que hemos sido asiduos concurrentes al Teatro Colón, presenciamos escenas semejantes a las de la foto. Para los memoriosos, una experiencia inborrable! Hoy, irrepetible....

Argentina en ruinas ..... [en continuado]

2009-05-09T11:50:00.004-03:00

Julián Bautista con Pau Casals

En la hoy lejana época en la que la cultura musical argentina no estaba en ruinas, hubo una pléyade de notables compositores. Algunos de ellos, como López Buchardo (y demás) fundaron el Conservatorio Nacional de Música, prestigioso en su tiempo. En la foto, el famoso compositor Julian Bautista , en animada charla con Pau Casals.

Rebelión en las ruinas ...

2009-04-23T17:01:00.004-03:00

Al director del Colón (¿por cuánto tiempo?) Pedro García Caffi se le ocurrió, en medio de las ruinas, rebelarse. No fue a dar explicaciones a la Comisión de Cultura y, ni lerdo ni perezoso, hizo retirar los archivos de foto, audio y video hacia un lugar desconocido.
Independientemente de la denuncia penal que alguien le hará por haber enajenado propiedad pública sin inventario, es de esperar que a este "rebelde" la Legislatura lo cese en su cargo. Quizás el "patrón de estancia" que lo nombró le suelte la mano como ha hecho indefectiblemente con todos los laderos que no le sirven, y algunos que le sirvían también (Carlos Bianchi).
Pensar que de no haber sido por la exitosísima gestión de un ilustre director técnico de fútbol, el Lord Mayor estaría hoy vendiendo autos bajo el ala de papá.

Viejos amigos comparten momentos

2009-04-22T13:25:00.004-03:00

Pablo Casals & Fritz Kreisler

Argentina en ruinas ...

2009-04-17T16:11:00.004-03:00

Que la cultura de la música clásica está en la más absoluta decadencia en la Argentina, es un secreto a voces. En ocasiones, pretenden las autoridades endulzar la amargura organizando un megaconcierto callejero de dudosa calidad, cuando no patrocinado por una radioemisora que pone a su director en el mediocre papel de director de orquesta, en el cual los resultados son invariablemente malos, para reunir multitudes ignorantes ante el Obelisco o el Monumento a los españoles o algún club palermitano.
Los VERDADEROS y bien formados directores de orquesta argentinos no tienen muchas oportunidades de trabajar, posiblemente porque no tienen amigos en el poder político de turno...
Dos preguntas abrirían el camino inquisitivo hacia el poder desbrozar la maraña de intrigas palaciegas, de luchas de poder y de acomodados en puestos para los que no son idóneos [que son los de arriba y no los de abajo]: ¿qué pasa con el Teatro Colón? y ¿qué pasa con las radios de música clásica?
Breves respuestas: el Colón agoniza mientras su advenedizo conductor se pelea con sindicatos, empleados y legisladores. Puesto en su cargo por un "patrón de estancia" que cree que todo le pertenece, que parece querer manejar lo público como si se tratara de Boca Juniors, el nuevo director del Colón ha tenido el tupé de denigrar verbalmente a empleados del Teatro, en los que la sabiduría condensada en un solo cabello de cualquiera de ellos decuplica los conocimientos de quien los denosta.
Radio Nacional Clásica tiene una programación inorgánica y mediocre, habiendo decaído a profundidades que la tornan inescuchable [casualmente, dirigida por el hermano del director del Teatro Colón]. Radio Amadeus es culturalmente inimputable. Y Radio Cultura ha dejado de salir al aire porque, se dice, el Grupo Clarín le habría enajenado la frecuencia.
La solución, por ahora, parece estar en la computadora y en el dvd: en la primera, para sintonizar el S.O.D.R.E. por internet; en los segundos, para escuchar y ver óperas y conciertos, siempre y cuando no deba uno aguantar la reiterada vaciedad de Daniel Barenboim.

¡Cuánta vergüenza sentirían nuestros padres por el presente cultural argentino!

Los Directores XIV

2009-04-16T15:28:00.006-03:00

LOS DIRECTORES
Continuamos con la serie en la que estamos presentando más de 120 biografías escuetas de directores famosos. Las conceptualizaciones serán mínimas; y las recomendaciones discográficas puramente a criterio de nuestra redacción y haciendo abstracción de la posibilidad de mencionar grabaciones adicionales. Por esta causa, sugerimos investigar cuidadosamente las discografías de cada director para descubrir otros registros.

MICHAEL GIELEN (1927-¿?) nació en Dresden pero de niño fue llevado por su familia a Argentina donde se instruyó con Erwin Leuchter, comenzando muy joven como acompañante en el Colón. En 1950 tocó en piano la obra completa de Schoenberg. Tras participar en el Colón en Pasión según San Mateo dirigida por Furtwängler tocando el continuo, volvió a Europa para estudiar en Viena. Allí comenzó como asistente en la Opera, de 1952 a 1960. Cimentó su prestigio en el repertorio tradicional pero, más aún, en el contemporáneo. De 1960 a 1965 dirigió en Estocolmo, luego por años en Colonia y Bruselas. Tras algunos años en Holanda pasó a residir y trabajar en Frankfurt y tomó la posta de Pierre Boulez en la BBC. Nacionalizado austríaco, Gielen ha grabado y viajado con generosidad consolidando su prestigio.
Discografía sugerida: acompañamientos a Sándor; Cantatas de Bach; Scheherezade de Rimsky Korsakov.

CARLO MARIA GIULINI (1914-2005), nacido en Italia, obtuvo reconocimiento internacional a la vejez, a pesar de falencias manifiestas en su repertorio y de ser la antípoda temperamental de otros célebres directores italianos. Bien podemos decir, sin temor a equivocarnos, que el padrinazgo fonográfico que le diera Walter Legge, el zar de las grabaciones, fue axial en su carrera.
Estudió violín en Roma y, posteriormente, dirección con Molinari. Fue músico de la orquesta Augusteo en la década del 30, siendo dirigido-entre otros- por Walter y Furtwängler, a quienes siempre admiró. Perteneció al ejército italiano, pero desertó y se ocultó hasta 1944 cuando los alemanes ingresaron a Italia, por ser manifiestamente anti nazi y anti fascista. En ese 1944 debutó como director en un concierto para festejar la liberación de Roma y se convirtió en asistente de Fernando Previtali. Por aquellos años realizó una importante cantidad de emisiones radiales. En 1949 fue huésped en Estrasburgo, Praga y Venecia. Al año siguiente se estableció en Milán para dirigir en radio y tuvo el privilegio del elogio y la amistad de Arturo Toscanini.
Comenzó a dedicarse profundamente a la ópera, sin descuidar el sinfonismo, y llegó a La Scala (asistente de de Sabata) y a Inglaterra. Dirigió a los mejores cantantes de su tiempo. Estudió trabajosamente el repertorio, ampliándolo bastante.
Discografía sugerida: 4 Pezzi sacri de Verdi; 8ª de Bruckner.

MAX GOBERMAN (1911-1962) pasó a la historia por memorables vinilos con sinfonías de Haydn. Nacido en Filadelfia, estudió violín con Leopold Auer y dirección con Fritz Reiner. Fue instrumentista en 1928 en la Orquesta de Filadelfia, fundando poco después su propia orquesta.
Dirigió el ballet ruso de Monte Carlo en la gira australiana de 1940, y años después le supo sacar el jugo, comercialmente, a su carrera. Por un lado fue el mejor pago de los directores de comedias musicales de Broadway; y por el otro, fundó su propia discográfica. Con este sello pretendía grabar la obra completa de Vivaldi y las 104 sinfonías de Haydn. A pesar de haber avanzado considerablemente con ambos proyectos iniciados en 1960, su muerte le impidió finalizarlos. Empero, llegó a grabar 45 sinfonias de Haydn y más de 70 obras de Vivaldi, al margen de los Concerti grossi de Corelli y otras decenas de obras. Debe de haber sido un caso único: tener una grabadora y orquesta propias y registrar más de 50 discos en dos años...
El gran mérito, calidad de las versiones aparte, fue la entrega de partituras con la compra de cada LP.
Discografía sugerida: sinfonías de Haydn; Concerti grossi de Corelli.

WALTER GOEHR (1903-1960) nació en Alemania, fue niño prodigio y a los 16 ya dirigía orquesta. Estudió con Schoenberg en Berlín, teniendo su primer puesto importante entre 1925 y 1931 en la orquesta de la radio de esa ciudad.
Emigró a Inglaterra y pasó a presidir las dos discográficas más importantes, aparte de dirigir profusamente (varias orquestas), presentándose en giras sudamericanas y europeas. Fue revisor de obras de Purcell, Monteverdi y Moussorsky y tiene una abundante producción discográfica que lo muestra como director fino y profundo.
Discografía sugerida: acompañamientos a Schnabel, Petri, Landowska, Matthews, Kraus, Moiseiwitsch y los mejores solistas de la época; Réquiem y obras sinfónicas de Mozart; Missa solemnis de Beethoven.

SZIMON GOLDBERG (1909-1993) nació en Polonia e hizo una notable carrera pública y discográfica como violinista. Estudió con Carl Flesch y a los 16 fue concertino de la Filarmónica de Dresden. En 1929, Furtwängler le dio el mismo rango en la Filarmónica de Berlín, que tuvo hasta su forzada huída de Alemania en 1934. Sus elevados discos como violinista los hizo en el célebre trío con Emmanuel Feuerman y Paul Hindemith y en sus dúos con la exquisita Lili Kraus. Al igual que ella, fue prisionero de los japoneses en un campo de concentración, habiendo sido capturado en una gira. Ese doloroso cautiverio tuvo una arista positiva, ya que compartió el encierro con muchos holandeses gracias a cuya influencia, en 1955, le dieron a dirigir la Orquesta de Cámara Neerlandesa. Viajó en giras con ese fino conjunto y con otros, dirigiendo también grandes orquestas en Europa y EEUU.
Discografía sugerida: los Conciertos Brandemburgueses de Bach; sinfonías de Haydn.

NIKOLAI GOLOVANOV (1891-1953) nació en Rusia y estudió con Ippolitov-Ivanov. En 1919 fue cofundador del Estudio de Opera y Teatro Bolshoi. En 1930 y hasta el 36 dirigió en el Bolshoi. Previamente, como pianista, viajó por Europa acompañando a su esposa, la importante cantante Nezhdanova. Fue maestro en el Conservatorio de Moscú. Recibió varias veces el Premio Lenin de manos de un régimen ante el cual se arrodilló. Dirigió las más importantes orquestas de la Unión Soviética y se especializó en la música rusa, en la que destacó.
Discografía sugerida: Pedro y el lobo de Prokofiev; sinfonías de Tschaikowsky y Glazounov; música de compositores rusos en general.

VLADIMIR GOLSCHMANN (1893-1972) nació en Paris, de ancestros rusos. Estudió violín y fue músico de las más importantes orquestas parisinas. Primero fundó un conjunto, que dirigió, con Thibaud e Iturbi y luego, en 1919, otro ensamble para dirigir la música francesa contemporánea. En 1920 fue elegido por Diaghilev para dirigir La consagración de la primavera. En años siguientes dirigió ballet, y luego estuvo por cinco años en Bilbao para recalar, de 1928 a 1930 en Escocia. Había visitado Estados Unidos en 1927 y, tres años más tarde fue recomendado por Damrosch y Koussevitzky para asumir la titularidad de la Sinfónica de St. Louis. Allí condujo hasta 1958. Elevó los niveles de esa orquesta y, al dejarla, aceptó invitaciones por doquier.
Discografía sugerida: acompañamientos a Rubinstein, Milstein et al; 0Francesca da Rimini de Tschaikowsky; Sinfonía fantástica de Berlioz; música de ballet.

EUGENE GOOSSENS (1893-1962), londinense, fue hijo y nieto de directores de orquesta. Fue primero muy considerado como compositor, y era hermano del célebre oboísta Leon. Estudió en el conservatorio de Brujas (sus padres eran belgas) en 1903, para pasar a Liverpool tres años más tarde. Después de un año, continuó su aprendizaje en la capital inglesa, debutando como director ese año en una composición propia.

Entre 1912 y 1915 fue violinista de la orquesta del Queen’s Hall y fue invitado por Henry Wood a dirigir en los conciertos populares comúnmente llamados proms.
Fue nombrado asistente de Beecham ese mismo año, luego dirigió orquestas provinciales y en Leeds, hasta fundar su propio conjunto en 1921. Estrenó La consagración de la primavera en Londres y dirigió para los ballets de Diaghilev.
George Eastman, el dueño de la Kodak, lo invitó a dirigir su orquesta en Rochester, la luego famosa Eastman-Rochester que grabara tantos vinilos. Permaneció allí por ocho años, pasando a suceder a Reiner en Cincinnati. Recibió ciudadanía estadounidense en 1943 y en 1947 fue como titular a Sydney. Allí elevó el rango de la música australiana, renunciando un decenio más tarde por irregularidades aduaneras. Pasó sus últimos años en su ciudad natal.
Discografía sugerida: es muy amplia, extractaremos las Melodías elegíacas de Grieg; Estancia de Ginastera; obras orquestales de Ravel; La consagración de la primavera y Petrushka de Strawinsky.

Los Directores XIII

2009-04-09T09:53:00.003-03:00

Los Directores XII

2009-04-01T13:25:00.019-03:00

LOS DIRECTORES
Continuamos con la serie en la que estamos presentando más de 120 biografías escuetas de directores famosos. Las conceptualizaciones serán mínimas; y las recomendaciones discográficas puramente a criterio de nuestra redacción y haciendo abstracción de la posibilidad de mencionar grabaciones adicionales. Por esta causa, sugerimos investigar cuidadosamente las discografías de cada director para descubrir otros registros.

LOUIS FOURESTIER (1892-1976) nació en Francia y fue alumno de Vincent d’Indy y Dukas. Comenzó teniendo numerosos premios por sus composiciones. Debutó como director en 1918 en ciudades francesas de segundo orden, hasta recalar en 1927 en la Opera Cómica de Paris, por cinco años. En 1938 lo nombraron titular de la Opera de Paris y entre 1945 y 1963 enseñó en el conservatorio de esa ciudad.
Entre 1946 y 1948 fue invitado al Met, ocupándose en su carrera con preferencia del repertorio galo.
Discografía sugerida: Sinfonía fantástica de Berlioz; El mar y Nocturnos de Debussy.

JEAN FOURNET (1913-¿?) nació en Francia y estudió con Gaubert, iniciándose como flautista.
Comenzó muy joven su actividad como director en la O.R.F. y en la Opera de Paris. Tuvo contratos prolongados también en la Opera Cómica y en la Orquesta Pasdeloup. Tuvo muy intensa y extensa actividad en Holanda, con vínculos muy cálidos con el público.Concertgebouw, Radio Nederland y Filarmónica de Rótterdam. Dirigió en Francia varias orquestas regionales y viajó con su batuta por todo el mundo, destacando Chicago, Buenos Aires, Japón (estrenó Pelleas allí), Canadá e Israel.
En Paris y Hilversum enseñó por muchos años.
Discografía sugerida: es inmensa y calificada. Sugiero explorar sus placas en vivo para Radio Nederland y los poemas tonales de Franck, Debussy y Ravel. Todos sus discos lo muestran también como acompañante distinguido.

MASSIMO FRECCIA (1906-2006), amigo íntimo de Toscanini y muy respetado por el Maestro, nació en Florencia y estudió en Viena con Franz Schalk. Batuta luminosa, técnica irreprochable y versátil y profunda musicalidad fueron sus virtudes más salientes. Debutó en Roma a los 22, continuando sus visitas a las principales orquestas italianas. De 1933 a 1935 condujo en Budapest, del 38 al 40 en New York y, por invitación de Toscanini, la NBC de 1947 a 1954.
Previamente, durante cuatro años, dirigió en La Habana. De 1944 a 1952 trabajó en New Orleáns y entre 1952 y 1959 en Baltimore. Volvió a Europa para visitar los festivales más importantes y los podios de las mejores orquestas.
Grabó algunas placas públicas y muchísimas de circulación limitada para el Reader’s Digest que, afortunadamente, se han reeditado en cd, aunque aún en escasa cantidad. En todos los casos, se trata de versiones irreprochables.
Discografía sugerida: Pinos y Fuentes, de Respighi; 4ª Sinfonía de Tschaikowsky; 4ª de Mendelssohn. Todo con singular dignidad y estilo.

PEDRO FREITAS BRANCO (1896-1963), nació y estudió en Portugal, fundando una compañía de ópera en 1926. En 1928 debutó como director, inclinándose a las obras de sus contemporáneos Strawinsky, Ravel, Strauss y otros. En 1932, el propio Ravel lo invitó a dirigir un festival con su música y tuvo gran éxito.
Durante la 2ª Guerra se estableció y trabajó en Inglaterra. Su registro completo de Iberia en la orquestación de Fernández Arbos debe haber sido el primero en la historia.
Discografía sugerida: Danzas fantásticas de Turina; La valse de Ravel.

LOUIS FREMAUX (1921-¿?) fue guerrero antes que director. Nacido en Francia, fue internado en un campo de trabajo nazi en 1940 del cual escapó para militar en la resistencia. Al terminar la contienda fue con la Legión a Vietnam de donde volvió condecorado. En 1947 ingresó en el Conservatorio de Paris, donde estudió con Fourestier, debutando en 1952. A partir de 1956 asumió la dirección permanente en la Opera de Monte Carlo, e hizo giras por Europa, América del Sud y Japón. En 1969 fue designado titular en Birmingham con la orquesta que dirigió localmente y en giras. También dirigió como titular la Sinfónica de Sydney.
Discografía sugerida: Réquiem de Fauré y Gran Misa de Difuntos de Berlioz.

FERENC FRICSAY (1914-1963) ha sido, posiblemente, el máximo director húngaro del siglo en que se desenvolvió y una de las batutas elegidas en el podio de los colosos, a pesar de su corta vida. Su padre era militar y director de bandas, de modo que se crió en y con la música.
Estudió con Kodaly y Bartok y dirigió su primer concierto a los quince. Ya de niño era capaz de tocar cualquier instrumento de la orquesta salvo el arpa. Dirigió en Szeged de 1935 a 1945. Ese año condujo por vez primera en la Budapest liberada del Eje y atada ahora al yugo de Moscú. Resolvió emigrar a Alemania donde, en 1949, fue nombrado titular de la Opera de Berlin y de la Orquesta RIAS (transladándola al sector libre) a la que elevó a niveles insospechados como prueban sus muchas grabaciones. Debutó por azar en Salzburg (Dantons Tod, de von Einem) reemplazando al enfermo Klemperer y entre 1949-1952 dirigió la Opera de Munich, la que abandonó por disidencias con la administración. Viajó y dirigió en toda Europa, los Estados Unidos y Sudamérica (también llegó a Buenos Aires). Se estableció en Berlín donde murió de cáncer a los 49 años. Su gran amor era Mozart, de quien fue intérprete excelso, pero su repertorio abarcaba con idéntica probidad desde Haydn hasta los modernos. Nadie ha podido acercarse a sus traducciones de las obras de sus dos maestros. En la ópera era gran autoridad y dirigió el Don Giovanni para reinaugurar la Opera de Berlín. Tenía planes que las sucesivas operaciones y su trágica muerte le impidieron llevar a cabo, como el dirigir las sinfonías de Mahler. Pocos tienen su clase en los músicos ligeros vieneses. Fue el precursor de los conciertos televisados, no por ser el primero en hacerlos sino por abogar por ellos así como por los ensayos filmados. Verlo hoy en esa tarea íntima de preparación constituye una de las grandes experiencias de la música de nuestro tiempo: por su detallismo, por sus imágenes, por su técnica, por sus logros.
Su discografía, in totum, es milagrosa.

OSCAR FRIED (1871-1941) nació en Alemania y estudió con Humperdinck y Scharwenka. Debutó como director siendo ya un reconocido compositor en 1905. Sus primeros trabajos fueron dirigiendo la Orquesta de la Sociedad de Amigos de la Música de Berlin y la Orquesta Blüthner. Se dedicó en aquellos días solamente a compositores modernos. Fundó la Sinfónica de Berlín, con la que hizo giras por Europa y América. En 1934 emigró por el nazismo y, comunista convencido, fue a la Unión Soviética a dirigir, recibiendo ciudadanía en 1940.

Fue amigo y confidente de Mahler, cuyas obras dirigió asistido por Klemperer.
El mismo Klemperer tocó la celesta en la 6ª de ese compositor dirigida por Fried.
Fue el primer director en ser filmado en una sinfonía completa, la Fantástica, hacia 1912. a pesar de su gestualidad exacerbada, dirigía muy bien. Su 2ª de Mahler, ungida por el autor, al menos en discos, es caprichosa pero bellísima.
Discografía sugerida: Los preludios de Liszt; 9ª de Beethoven.

LOUIS DE FROMENT (1921-1994), quien a pesar de no ser demasiado recordado hoy es una de las batutas con mayor número de grabaciones (lo que viene a desmentir la perpetuidad que “garantiza” el disco), nació en Francia y estudió con Bigot, Cluytens y Fourestier.
Fundó su propia orquesta de cámara con Rampal y juntos viajaron por toda Europa. Tuvo cargos importantes en la Opera de Vichy y en Niza. En 1958 fue nombrado director permanente de la Orquesta de Radio Luxemburgo con la que cimentó su fama. Se presentó en giras europeas y americanas.
Discografía sugerida: obras orquestales completas de Debussy.

RAFAEL FRÜHBECK (1933-¿?) se agregó de Burgos a su apellido para honrar a su ciudad natal. Su madre hispana, su padre alemán consolidaron su temprana formación musical. Desde muy joven actuó como solista de violín y condujo orquestas juveniles. Cimentó sus estudios en Madrid y Bilbao. Dirigió bandas militares de 1953 al 56 estando en el ejército. De 1956 a 1958 fue a perfeccionarse a Munich y entre 1959 y 1962 dirigió la Sinfónica de Bilbao. En 1962 sucedió a Argenta en Madrid y viajó por el mundo.
Dirigió cinco años en Dusseldorf y tres en Montreal. Estrenó la Pasión según San Mateo en España, cultivó un repertorio amplio y tuvo como su ideal a Knappertsbusch.
Discografía sugerida: música hispana; Réquiem de Mozart; 3ª de Schumann

Alguien a quien observar

2009-03-31T20:39:00.001-03:00

Estampilla Conmemorativa - Puck Informa

2009-03-29T13:35:00.003-03:00

ARTURO TOSCANINI

Es considerado como el más grande Director de Orquesta de su época. Sus características las podríamos resumir así: brillante intensidad, incansable perfeccionismo, prodigioso oído, y, una memoria fotográfica que le permitían corregir errores de los miembros de la orquesta que durante décadas habían pasado inadvertidos por sus colegas

Los Directores XI

2009-03-28T12:04:00.013-03:00

Kreisler & Friend

2009-03-28T11:42:00.006-03:00

Kreisler con un amigo

Los Directores X

2009-03-25T10:44:00.013-03:00

LOS DIRECTORES
Esta nueva serie que presentamos ofrece más de 120 biografías escuetas de directores famosos.Las conceptualizaciones serán mínimas; y las recomendaciones discográficas puramente a criterio de nuestra redacción y haciendo abstracción de la posibilidad de mencionar grabaciones adicionales. Por esta causa, sugerimos investigar cuidadosamente las discografías de cada director para “descubrir” otros registros.

PIERRE DERVAUX (1917-1992) nació en Paris, siendo su padre cornista en una orquesta de la ciudad. Comenzó sus estudios en 1926 y fue timbalero de la Orquesta Pasdeloup a partir de 1934. Debutó como director en 1945 con esa orquesta. Hasta 1968, en que pasó a Québec, dirigió las principales orquestas francesas y adquirió notable prestigio.
Discografía sugerida: las obras orquestales de Debussy y Ravel.

VICTOR DESARZENS (1908-1986) nació en Suiza y estudió violín y dirección en Lausana. Fue a perfeccionarse con Enescu y luego trabajó como concertino de la Suisse Romande. En 1941 fundó la Orquesta de Cámara de Lausana, que pronto tuvo gran prestigio. Trabajó mucho en Winterthur, pasando a ser su titular en 1950 tras el retiro de Scherchen.
Discografía sugerida: acompañamientos a Lili Kraus; las dos sinfonías de Weber; 5ª Sinfonía de Tschaikowsky.

ROGER DESORMIÈRE (1893-1963) nació en Francia y estudió en el Conservatorio de Paris. En 1924 debutó como director y el año siguiente obtuvo un contrato de cinco años con la compañía de Diaghilev. Se especializó en el Pelleas de Debussy y trabajó mucho en el terreno operístico. Dirigió muchos años la BBC y llegó a Edimburgo con la Orquesta de la Radio de Paris. Esto fue en 1949, año en que dirigió Pelleas en el Covent Garden. Apoyó con sentido visionario la música contemporánea francesa, que dirigió desde Satie a Boulez.
Discografía sugerida: obras orquestales de Franck, Debussy y Ravel.

DEAN DIXON (1915-1976), neoyorkino, estudió violín en su ciudad natal y dirección con Stoessel en la Juilliard. En 1932 formó su propia orquesta y en 1933 debutó como violinista. En 1937 debutó específicamente como conductor y en 1938 fundó la Orquesta de Cámara de New York. En 1941 fue el primer músico negro en dirigir la Filarmónica de New York, y los tres años siguientes fue invitado en Filadelfia y Boston. De 1944 a 1949 dirigió la American Youth Orchestra por él creada. Fue a dirigir un año a Israel y siete a Suecia. Los siguientes nueve años fue titular en el Hessischer Rundfunk y de 1964 a 1967 trabajó en Sydney. Hasta volver a los Estados Unidos en 1970 dirigió en giras y debutó con la BBC de Londres.
Discografía sugerida: 6ª Sinfonía de Tschaikowsky; música de autores estadounidenses; Danzas húngaras de Brahms.

ISSAY DOBROWEN (1891-1953) nació en la Rusia zarista en Novgorod. Ya a los cinco años de edad daba recitales de piano. Estudió en el Conservatorio de Moscú con Taneiev y piano nada menos que con Godowsky en Viena. A los 26, él mismo era profesor en el Conservatorio moscovita y en 1919 debutó como director en el Bolshoi. En 1922 estrenó Boris Godunov en Alemania(Dresden):¡ piense el lector que muchos años antes, Toscanini lo había presentado por vez primera en el Metropolitan!
A partir de ese momento compartió en Dresden el podio con Fritz Busch. Se presentó en salas de concierto y operísticas en Berlin, Hallé, Estocolmo, Helsinki y Leningrado. De 1924 a 1927 trabajó en la Volksoper de Viena y el año siguiente fue titular en Sofía y hasta 1931 en Oslo. Al establecerse en los Estados Unidos compartió podio con la Sinfo-filarmónica de New York y fue titular (1933-34) con la Sinfónica de San Francisco. Compartió esta actividad con sus legendarios conciertos en Oslo hasta la ocupación nazi de Noruega. Fue titular de la recién fundada Sinfónica de Palestina recibiendo como invitado a Toscanini (ambos profesaban mutua admiración) y dirigió en Budapest (1936-39) y hasta fin de la guerra, en Estocolmo y Göteborg.
Tras la contienda multiplicó sus actividades en toda Europa, teniendo como puntos salientes sus Boris en La Scala y Covent Garden. Muchas de las óperas por él conducidas las producía y escenografiaba él mismo. Fue un compositor prolífico.
Discografía sugerida: sus impecables e inpiradas colaboraciones con -¡nada menos!- Schnabel, Solomon, Medtner, Huberman, Neveu y Flagstad; sinfonías del repertorio clásico; todo lo que grabara de música rusa(sin excepciones) y su legendario y hoy todavía insuperado Boris con Christoff.

ANTAL DORATI (1906-1988) ha sido uno de los máximos directores húngaros de su tiempo. Estudió con tres amigos de su familia:Weiner, Bartok y Kodaly. Se graduó a los 18 y pasó a ser apuntador en la Opera de Budapest. Debutó en el mismo año y fue a doctorarse en filosofía en Viena. En 1928 fue asistente de Busch en Dresden y en 1930 titular de la ópera de Münster.
Trabajó a partir de 1932 en Paris, Londres, otros países europeos y llegó a ser titular en Monte Carlo de 1933 a 1940.
Debutó en Estados Unidos en 1937 y se nacionalizó diez años más tarde. Dirigió en New York, en 1945 titular en Dallas y entre 1950 y 1954 sucedió a Mitropoulos en Minneapolis. Volvió a Europa en 1960, dirigió en varios centros musicales como invitado y fue nombrado titular de la BBC de Londres en 1963 y hasta 1966.
De 1966 a 1974 viajó con la Filarmónica de Israel y fue titular en Estocolmo. Posteriores contratos le hicieron famoso con otras orquestas, entre ellas la Philharmonica Hungarica.
Discografía sugerida: en la amplísima y versátil cantidad de discos que grabó destacaría las obras de Bartok y Kodaly; y las sinfonías completas de Haydn.

SIXTEN EHRLING (1918-2005) estudió en la capital de su país natal, Suecia, piano y dirección. Debutó en 1942 en Goteborg. Completó sus estudios en Dresde, Londres y Paris y en 1954 presidió los cursos para directores en el Mozarteum de Salzburg. Emigró para ampliar los horizontes de su carrera recalando en Detroit en 1963, para dirigir posteriormente en el Met y en toda Europa y Lejano Oriente.
Grabó también como pianista.
Discografía sugerida: música de Sibelius, especialmente el integral de sinfonías.

KARL ELMENDORFF (1891-1962) nació en Alemania y comenzó estudiando filología. Luego lo hizo con Steinbach y Abendroth en dirección orquestal.
Debutó en 1918 y dirigió subsecuentemente en decenas de ciudades de su patria, siendo su principal nombramiento la Opera del Estado de Berlin, de 1938 a 1941.
Siguió su periplo nacional destacándose sus muchas temporadas en Bayreuth (1927-1942) donde cimentó su gran prestigio.
La suya fue una de las primeras grabaciones del Tristán, con un acto abreviado. Elmendorff era un wagneriano por derecho propio, pero resulta fascinante escuchar su Tannhäuser de 1930, grabado el día entre dos representaciones de dicha obra dirigidas por Toscanini: en la batuta, la orquesta y cantantes se nota la influencia del Maestro (al que no pudieron grabar por motivos contractuales).
Discografía sugerida: Tannhäuser y Don Giovanni, con las orquestas de Bayreuth y Dresden respectivamente.

ALBERTO EREDE (1909-2001) nació en Italia , comenzando sus estudios en Milán. Tuvo luego dos insignes maestros: von Weingartner y Busch. Debutó en Turín en 1935, nada menos que con la Tetralogía wagneriana. De 1934 a 1939 fue asiduo visitante de Glyndebourne a instancias de su colega Busch, cuya presencia en dicho festival es legendaria. De 1935 a 1938 dirigió un conjunto operístico en Salzburg, con el que visitó los Estados Unidos . En 1937 dirigió la NBC recién fundada para Toscanini. En 1945 fue nombrado titular en la RAI de Turín, y en los cuatro años subsiguientes visitó Glyndebourne y los mejores festivales europeos. De 1950 a 1955 dirigió el repertorio italiano en el Met. De 1958 a 1962 condujo en la Opera de Düsseldorf y en 1968 debutó en Bayreuth con excelentes comentarios de la crítica.
Su repertorio abarcó decenas de óperas, desde Monteverdi en adelante. Flexible y dúctil, era muy valorado por sus cantantes.
Discografía sugerida: Tosca y Madame Butterfly.

RENATO FASANO (1902-1979) nació en Italia y fue compositor, pianista y director. En 1947 fundó la fina orquesta de cámara Collegium Italicum. Este prestigioso conjunto mudó su nombre al más conocido-fonográficamente- de I Virtuosi di Roma. Mucho antes que I Musici, abordaron en forma exhaustiva todo el barroco italiano, siendo Bach la única excepción no peninsular de su repertorio.
Discografía sugerida: el barroco italiano, especialmente Corelli y Vivaldi.

ZOLTAN FEKETE (1909-¿?), famoso director húngaro, estudió con Kodaly y Bartók. Emigró a EEUU y se asoció a la extinta hoy New York Midtown Orchestra. Su principal trayectoria la hizo al volver a Europa, dirigiendo y grabando profusamente con la Camerata Academica del Mozarteum de Salzburg y con la Orquesta de la Opera del Estado de Viena.
Discografía sugerida: 3ª sinfonía de Bruckner; 1ª Suite de Bartók y Variaciones Istar de d’Indy.

Yehudi Menuhin

2009-03-12T19:51:00.008-02:00

Con Arturo Toscanini en 1932

Con Fritz Busch

En plena juventud, la tapa de TIME

Los Directores IX

2009-03-02T19:30:00.017-02:00

LOS DIRECTORES
Esta nueva serie que presentamos ofrece más de 120 biografías escuetas de directores famosos. Las conceptualizaciones serán mínimas; y las recomendaciones discográficas puramente a criterio de nuestra redacción y haciendo abstracción de la posibilidad de mencionar grabaciones adicionales. Por esta causa, sugerimos investigar cuidadosamente las discografías de cada director para “descubrir” otros registros.

LAWRANCE COLLINGWOOD (1887-1982), londinense, estudió en su ciudad natal y fue corista y organista hasta 1911 en Westminster y Oxford. En 1912 fue a estudiar y vivir en San Petersburgo, trabajando como asistente de Albert Coates hasta emigrar en 1917, asustado por lo que se avecinaba...
Fue intérprete de Churchill en su expedición a Rusia meridional y hasta 1947 repartió sus intensas tareas entre el Old Vic y la Orquesta Sadler’s Wells. Compuso en aquellos días dos óperas que tuvieron éxito y luego se vinculó polifuncionalmente a la discográfica HMV en la que fue director, preparador, director de coros, organista y asistente de Coates, Blech, Walter et al.
Sucedió a Ronald como asesor de la compañía que luego fue EMI hasta 1972. Fue productor responsable de los discos de Toscanini, Klemperer, Furtwängler, Cantelli, Beecham, Kletzki y otros. Ello no le impidió grabar sus propios discos.
Discografía sugerida: acompañamientos a von Dohnanyi y Edwin Fischer; música de Elgar.

ANTHONY COLLINS (1893-1964) nació en Inglaterra y combatió en la 1ª Guerra Mundial. Estudió en Londres y tocó viola en la Sinfónica de Londres y en la Orquesta del Covent Garden. A partir de 1936 comenzó a dirigir. Lo hizo en orquestas provinciales hasta fundar la London Mozart Orchestra en 1939. Emigró a los Estados Unidos para dirigir en New York y Los Angeles y componer música para películas producidas por la RKO. Entre 1945 y 1953, un breve retorno a la patria para dirigir, grabar y componer más música de cine. Volvió a América, donde murió.
Discografía sugerida: música de Sibelius; Francesca da Rimini de Tschaikowsky; Burleske de Strauss con Gulda; Conciertos de Mendelssohn con Katin.

SERGIU COMISSIONA (1928-2005) nació en Rumania y desde temprana edad estudió el violín. Posteriormente, dirección con Constantin Silvestri. Tras actuar como instrumentista, comenzó a dirigir en Bucarest. 1959 lo vio llegar a Israel y fundar una orquesta de cámara. Ese mismo año dirigió en Haifa; posteriores compromisos lo llevaron a ser titular de la Sinfónica de Goteborg. Fue huésped con orquestas de Estocolmo, Londres y Berlin. Desde 1969 pasó a dirigir con gran éxito la Sinfónica de Baltimore. También estuvo en el podio de otras orquestas norteamericanas.
Discografía sugerida: 3ª Sinfonía de Mendelssohn; acompañamientos al dúo Eden y Tamir.

PIERO COPPOLA (1888-1971) nació en una familia de músicos profesionales, en Milán. Estudió piano y composición en el conservatorio de esa ciudad, dio recitales a los diez años y debutó dirigiendo en Turín en 1912. Pronto llamó la atención por su versatilidad como director orquestal y de óperas. Por aquellos años, trabajó en Bruselas, Paris, Oslo, Londres e Italia. HMV lo nombró su director artístico, cargo que ocupó de 1914 a 1920 en que pasó a residir en Paris. En su nueva residencia promocionó a los compositores franceses. También compuso largamente. De 1920 a 1940 fue director semi exclusivo de la HMV en Francia. Grabó muchos discos y se especializó en el repertorio galo.
Discografía Sugerida: Psyché y Redemption de Franck; acompañamientos a Prokofiev, Moyse et al; 1ª Sinfonía de Schumann; Danzas sinfónicas de Grieg.

MARCEL COURAUD (1912-1986) nació en Francia, estudió órgano con Marchal y música con Nadia Boulanger. Fue tomado como prisionero de guerra tras la caída de Francia a mano de Alemania: tenía 28 años y tuvo que interrumpir sus estudios. En 1945 formó el conjunto vocal que llevaba su nombre, muy exitoso. Su repertorio abarcaba desde el barroco hasta sus contemporáneos. A partir de 1954 se estableció en Stuttgart y, además de centralizar su trabajo en esa ciudad bávara, frecuentó los principales festivales de Europa. En 1967 fue nombrado director del coro de Radio Francia. Discografía sugerida: cualquiera de sus registros de música barroca.

GYÖRGY CZIFFRA 2º (1943-1988), nació en Hungría, hijo del inconmensurable virtuoso homónimo. En 1955 entró en el conservatorio de la capital pero el año siguiente emigró con sus padres a Francia. Estudió piano con Cortot y dirección en el conservatorio de Paris. Pasó a dirigir en Luxemburgo y en la cima de su carrera murió en un incendio del apartamento que habitaba. Por entonces, visitaba profesionalmente Alemania, Japón, Italia, Suiza y otros centros importantes. A pesar de haber grabado solamente magníficos acompañamientos con su padre, tenía un generoso repertorio sinfónico.

CLEMENS DAHINDEN (1912-¿?), suizo, estudió primero en su patria y luego en Alemania e Inglaterra con el célebre violinista Carl Flesch. En 1934 fue segundo concertino en Winterthur y en 1939 participó de cuarteto de esa ciudad, al tiempo que estudiaba dirección con Scherchen. En 1950 pasó a ser titular de la Sinfónica de Winterthur. Fue un estilista de finura excepcional.
Discografía sugerida: acompañante en obras barrocas; Suites de Bach; 4ª Sinfonía de Mendelssohn.

WALTER DAMROSCH (1862-1950), famoso y reputado, nació en Breslau con ancestros famosos: su madre cantó en el estreno de Lohengrin y su padre, director, había tocado en la orquesta de Liszt en Weimar. Cuando la familia emigró a Estados Unidos, Damrosch padre fundó un coro y una orquesta en New York. Walter vio frustrada su carrera de pianista por una lesión y comenzó a ser asistente de su padre. Asistió al estreno de Parsifal en Bayreuth y sustituyó a su padre en el Met dirigiendo Tannhäuser y La valkiria. A la muerte del progenitor, pasó a ser titular del coro y la orquesta neoyorkina, antecesora de la Filarmónica de New York.
En 1885 dirigió como segundo en el Met; en 1887 fue a Alemania a perfeccionarse con von Bülow, para volver al Metropolitan en 1880. En 1894 fundó su propia compañía de ópera dedicada al repertorio wagneriano. Con su Sinfónica de New York hizo muchas giras internas, estrenando obras importantes en los Estados Unidos, entre otras las sinfonías 3 y 4 de Brahms y 4 y 5 de Tschaikowsky.
Dedicóse mucho a la música nueva y fue quien encargó Tapiola a Sibelius. En la 1ª Guerra Mundial viajó a Francia a formar bandas militares y fue un pionero de las transmisiones radiales musicales en Estados Unidos.
Conoció en 1918 a Prokofiev e hizo mucho por la Filarmónica de New York.
Discografía sugerida: 2ªSinfonia de Brahms.

OSCAR DANON (1913-¿?), el dinámico director yugoeslavo, estudió en Praga de 1933 a 1938, año de su debut. Hasta 1941 trabajó en Sarajevo. Fue guerrillero de Tito durante la 2ª Guerra y en 1945 pasó a dirigir en Belgrado. Su arte versátil, en la sala de conciertos y en la ópera, lo llevó a dirigir en las principales ciudades europeas, incluyendo la Unión Soviética y, luego, a Japón. Dirigió en la década del 60 en Estados Unidos y en festivales europeos.
Discografía sugerida: Prince Igor de Borodin; Eugene Oneguin de Tschaikowsky; La vida por el zar, de Glinka; Petrushka de Strawinsky.

THURSTON DART (1921-1971) hizo mucho en su corta carrera. Nació en Londres donde estudió entre 1935 y 1939 a la vez que obtuviera su doctorado en matemáticas en 1942. Brindó servicio en la RAF y pasó, luego de estudiar en Bélgica, a dirigir y conferenciar en Inglaterra.
Fue un distinguido estudioso del renacimiento y el barroco, revisor y editor.
Discografía sugerida: cualquiera de sus discos con la orquesta Philomusica, en especial las danzas de la época de Shakespeare; los Conciertos Brandemburgueses de Bach.

COLIN DAVIS (1927), de dilatada carrera, nació en Surrey y estudió el clarinete desde muy joven. Fue autodidacta como director, debutando con Don Giovanni en 1949. En 1957 fue designado asistente en la BBC Escocesa. Pasó a ser considerado un exquisito mozartiano a partir de su Rapto en el serrallo de 1958 y por haber reemplazado al enfermo Klemperer en un Don Giovanni con Schwarzkopf y Sutherland. Debutó en Estados Unidos en 1959 y al año siguiente lo hizo en Glyndebourne reemplazando a Beecham. Dirigió, en aquellos días, ballet en el Covent Garden. De 1962 a 1964 realizó giras mundiales con la Sinfónica de Londres, con gran éxito. Sus cargos, desde entonces, son innumerables: Sadler’s Wells, English Chamber Orchestra, la BBC y muchos más.
Su discografía es muy extensa, particularmente en Mozart. También ha sido figura prominente dirigiendo las obras de Berlioz.
Discografía sugerida: cualquiera de sus registros mozartianos y de Berlioz.

FRANZ PAUL DECKER ( 1923), nació en Colonia, Alemania, graduándose en la misma ciudad. En 1944 recibió su primer nombramiento en Giessen, luego en Krefeld y Wiesbaden (sucediendo a Schuricht en 1953) y en 1956 en Bochum.
Dos actividades muy importantes en su carrera fueron Rótterdam(1962-1968) y Montreal (1967-1975). Son recordadas y aclamadas sus giras sudamericanas.
Discografía sugerida: 3ª de Beethoven, prototípica.

OLIVIERO DE FABRITTIS (1902-1982), romano de nacimiento, estudió en su ciudad natal donde debutó en el Adriano. Su actividad durante muchos años se desarrolló en los teatros operísticos de su país. Hasta 1943 fue secretario artístico de la Opera de Roma y a partir de 1971 asesor del Festival de Viena. Fue muy respetado por los grandes cantantes, y son legendarios sus discos con Gigli, Caniglia y dal Monte.
Discografía sugerida: Tosca de Puccini.

DESIRÉ DEFAUW (1885-1960) nació en Bélgica y fue niño prodigio violinista. Hasta 1914 realizó muchas giras como virtuoso de su instrumento e integró un cuarteto de cuerdas. Dirigió en Inglaterra durante la 1ª Guerra Mundial y a partir de 1918 enseñó en Amberes. Hasta 1937 dirigió en su patria y, entre otras invitaciones, recibió la muy significativa de Toscanini para dirigir la NBC en 1938. Fue a Canadá y, posteriormente, se radicó en Estados Unidos , teniendo-entre otros cargos- la sucesión de Stock en Chicago. Hostilizado por la crítica dejó la orquesta en 1949, tras seis años, para volver a Bélgica. El retorno fue breve, pues volvió a Estados Unidos a dirigir hasta su muerte.
Discografía sugerida: acompañamientos con Arrau; Stenka Razin de Glazounov; 2ª Sinfonía de Borodin.

RENE DEFOSSEZ (1905-1988) nació en Bélgica, estudiando primero con su padre y, posteriormente, en Lieja. Activo básicamente en su país natal ha sido un prolífico compositor.
Discografía sugerida: diversos trabajos como acompañante seguro y con oficio.

NORMAN DEL MAR (1919-1994), británico, estudió con Lambert y Vaughan Williams. Con el transcurrir de su carrera, aun siendo versátil, ha sido proclamado una de las máximas autoridades en R. Strauss.
Comenzando en 1946 como cornista de la Royal Philharmonic de Beecham, éste lo hizo su asistente. A partir de ese momento tuvo intensa actividad con orquestas de las Islas, especialmente las de Sadler’s Wells, Chelsea, BBC Escocesa y BBC londinense.
Sus trabajos con sinfonías de Bruckner y Mahler son legendarios.
Discografía sugerida: los compositores antedichos y la música de compositores británicos.

ROBERT DENZLER (1892-1972), prestigioso y olvidado director suizo, fue alumno de Volkmar Andreae en Zürich y luego se perfeccionó en Colonia. Su primer nombramiento fue en Bayreuth como asistente, luego en Lucerna entre 1912 y 1915. Pasó a la Opera de Zürich hasta 1927 y , desde entonces hasta 1932, titular de la célebre Opera de Charlottenburg en Berlín. De 1925 a 1931 dirigió festivales wagnerianos en Suiza con éxito singular. Entre 1920 y 1931 realizó algunas giras con la Suisse Romande de Ansermet. De 1932 al 46 fue titular nuevamente en Zürich, estrenando mundialmente Lulú y Matías el pintor, de Berg y Hindemith respectivamente. Ambos trabajos estaban prohibidos en Alemania por el nazismo. Desde 1947 realizó giras y compuso.
Discografía sugerida: 4ª Sinfonía de Tschaikowsky; Sinfonía de Chausson.