Jorge D'Urbano [1917-1988]

Para abrir los ojos y la mente ...

LAS CRITICAS DE JORGE D’URBANO

“Un critico que no opina es un contrasentido”. Esta sencilla sentencia definió el ideario del crítico musical mas sapiente, versado e influyente del siglo XX en Argentina.
Muchas de sus notas las agrupó en un libro (MUSICA EN BUENOS AIRES, Ed. Sudamericana), pero decenas más quedaron simplemente en los periodicos de la epoca.
Tenemos en nuestros archivos más de seiscientas de esas piezas doradas y publicaremos muchas de esas gemas de valor perenne.
Creemos que, como tributo a tan importante personalidad, ha llegado el momento de volver a poner a la consideración pública aquellos trabajos, pruebas incontrovertibles de un estilo sin compromisos que hoy está extinguido; y con un bagaje de conocimientos (además de una pluma singular) que pertenecen a una era dorada.

“PERSONAL” y “TEMPERAMENTAL”
Crítica escrita ca. 1950
Orq. Sinfónica del Estado, SERGIU CELIBIDACHE

Las palabras “personal” y “temperamental” han hecho más estragos en la crítica musical que la ignorancia o la complacencia. Han inducido a error a masas enteras de público y han confundido aviesamente el fin con los medios. Se han aplicado y se siguen aplicando con minucioso desenfado para justificar el capricho o excusar la falta de una sólida formación profesional. De mil veces que se escribe que un intérprete es “personal”, novecientas noventa y nueve se quiere decir algo así: “Vea, el hombre es estrafalario y musicalmente muy objetable, pero nadie puede negar que tiene temperamento”. Y pocos se detienen a pensar en esa pirueta del idioma que consiste en hacer creer que el temperamento sirve para algo, aun cuando no se lo utilice en lo posible, para que nada sea objetable.

Anoche, en el Rex, se presentó ante nuestro público dirigiendo la Orquesta Sinfónica del Estado, el director titular de la Filarmónica de Berlín, Sergiu Celibidache, del cual se ha dicho y se sigue diciendo que es un artista “temperamental” y “personal”. Temperamento, si se juzga con los ojos, no le falta a Celibidache. Personalidad y enfoque original de las obras que dirige, tampoco escasean en él. A tal punto su enfoque es personal y original, que algunas de las obras que figuraban en el programa(que fue lo único que no reveló ni personalidad ni originalidad) suenan en sus manos como si fueran distintas de las que conocemos.

El hecho es que Sergiu Celibidache conquistó con su concierto un torrente de aplausos por parte del público y una catarata de alabanzas por la mayor parte de la crítica. Y posiblemente me hubiera conquistado también a mí si en cambio de oirlo me hubiera dedicado a mirarlo. En el podio tiene autoridad, apostura, energía, violencia, imperiosos ademanes, reductoras maneras y manifiestas cortesías con la orquesta. Le brinda al público un espectáculo de categoría y a la orquesta una amabilidad permanente. Pero, como alguna vez dijo un gran músico:”lástima que eso no suene”. Los que lograron escapar a ese hechizo de exuberancia y sugestion física y psicológica comenzaron pronto a descubrir cosas muy extrañas. Descubrieron, por ejemplo, que Celibidache está todavía en esa etapa un tanto elemental de la técnica de la interpretación, que consiste en confundir “crescendo” con “acelerando”, dos recursos expresivos que ya hace tiempo se han descartado como sinónimos. Descubrieron asimismo que Celibidache es incapaz de sostener cuatro compases seguidos en el mismo “tempo”; que la orquesta se le desequilibra en materia de sonoridad porque se dedica a forzar las voces internas como si fueran las principales, y a apagar las principales como si fueran las internas. [Alguien, ingenuamente asombrado, me dijo que nunca había escuchado el diseño de ciertos instrumentos en “El mar” como anoche. Y se me quedó mirando con estupor creciente cuando le respondí que si en una obra sinfónica se pudieran escuchar todas las figuraciones rítmicas y melódicas de todos los instrumentos, eso no sería una obra de arte sino un caos]. Hubo momentos en que Celibidache parecía creer que un acento es tanto más expresivo y eficaz cuanto más fuerte suena y se dedicó con tal empeño a sostener esta personal teoría, que la lógica y equilibrio del fraseo se subordinó al logro del más espectacular de los efectos.

Esto no quiere decir que Celibidache sea un improvisador. Por el contrario, tiene un real y efectivo comando de la orquesta. Como se dice “hace lo que quiere con ella”. La maneja con la misma seguridad y empuje de un maquinista que utilizara los más secretos y variados recursos de una locomotora para estrellarla contra los paragolpes de la estacion terminal.

Jorge D'Urbano
1950

El cambiante Daniel Barenboim

Oscar Wilde decía que el hombre que no cambia es un estúpido y Goethe dijo que el hombre que no tiene memoria es un tonto.

Las opiniones sobre el arte de Barenboim están divididas y es bueno que así sea. No todos los intérpretes gozan de unanimidad. Para algunos es un buen pianista, para otros menos interesante. Para algunos es un buen director, para otros es insípido. Afortunadamente, la adjetivación en idioma castellano establece muy bien la diferencia entre tener habilidades, poseer talento y ser un genio.

Daniel Barenboim recibió el crédito de tener habilidades (eso es unánime), a algunos les parece que tiene talento. Pero nadie se atrevería a proclamarlo un genio. Como buen lector de Oscar Wilde que debe ser, este intérprete ha ido cambiando. Entre los 20 y 40 años, los programas de sus conciertos  -- con su anuencia --  lo llamaban "pianista israelí". A partir de su renacido amor por el tango, se ha hecho llamar "pianista argentino". Esta diversidad de pasaportes es admisible y no llama la atención.  Lo que sí asombra y mucho es que ahora, dirigiendo su orquesta de la concordia en la Waldbühne de Berlín (construída por Hitler), diga que Wagner se revolvería en su tumba si lo escuchara hacer música en ese lugar. Este crítico cree que Wagner se debe haber revuelto en su tumba escuchando las insulsas interpretaciones wagnerianas de Barenboim en Bayreuth, un santuario wagneriano al que Barenboim llegó y utilizó varias temporadas sin aludir en lo más mínimo a movimientos post mortem del autor de Parsifal.

Claudio von Foerster

El Futuro del Teatro Colón en manos de este Señor

El Cambio ¿DÓNDE ESTÁ?

A lo expresado por Baltasar Rey quisiería agregar algunas palabras.

He leído la entrevista que en el diario La Nación (11/10/07) le hiciera la Sra. Verónica Pagés al Dr. Horacio Sanguinetti. El Dr. Sanguinetti ha sido designado, por el Ing. Mauricio Macri, próximo Director del Teatro Colón.

¿Debería sorprenderme que el Dr. Sanguinetti no sepa quién será el próximo Ministro de Cultura y que no se haya comunicado con las autoridades actuales del Teatro Colón? Sí, me sorprende porque seguimos navegando en las peligrosas aguas de la imaginación y la improvisación. Parecería que las disposiciones para los llamados a concurso ya no tienen vigencia.

Espero que el Dr. Sanguinetti sepa distanciarse de los adulones y ventajeros que nunca faltan y sepa recuperar al Teatro Colón, ámbito sagrado para los amantes de la música.

Albor de Burano

El Nuevo Director del Teatro Colón.

Fin de temporada. Hora de balances. Recuerdo vívidamente el reportaje a Cecilio Madanes, director de teatro y cine a quien habían designado Director del Teatro Colón (nada extraño el poner a los canarios con los patos en un país cuyos gobiernos hacen un culto de despreciar las jerarquías diplomáticas y nombran políticos venidos a menos como embajadores en el exterior...¿o acaso el ex Ministro López Rega no fue expelido del país por María Estela de Perón, alias Isabelita, como “embajador plenipotenciario?).

Volviendo al tristemente nombrado Madanes, se le preguntó cuál había sido, en su opinión, su máximo logro en el cargo. Muy suelto de cuerpo respondió:"Haber desterrado la corbata del Colón”. Más allá de la metáfora populista acorde con los tiempos que corrían, la tontera había sido sentenciada..., ante la falta de todo logro artístico.

Con escasas excepciones, el cargo de Director del primer coliseo, en los últimos cuarenta años, no ha dejado de ser “il boccato del cardinale” de los militares o políticos de turno.
Oscuros periodistas, directores de cine, otros de teatro o simples burócratas se han sentado en el codiciado sillón de Arturo Toscanini y Cerrito. A diferencia de la Wiener Staatsoper, el Covent Garden, el Met, la Opera de Chicago, La Scala y otras salas de renombre, por la dirección del Colón han desfilado indios y vaqueros, pero pocos especialistas.

Así se explica el declive en los últimos decenios de un Teatro que fuera ejemplo y meca dorada, al que hasta le han arruinado la inigualable acústica con refacciones pergeñadas por aficionados que seguramente requirieron de presupuestos que a más de algún travieso podrían haber enriquecido.
Como no podía ser de otra manera, el nuevo Jefe de Gobierno –afecto a las decisiones unipersonales dignas de grandes empresas propias o heredadas- ya parece haber ofrecido el cargo a un operómano: Horacio Sanguinetti.

De ser cierta la especie, es de esperar que no “acomode” a cofrades de su santuario; que archive las producciones colonísticas mejor de lo que ha preservado inmensos legados de discos donados al Nacional Buenos Aires con la eufemística nominación de Archivo Nacional de Música; que cancele inmediatamente las reformas edilicias en curso;... y que enseñe al Arquitecto Persic (corresponsable con él de un programa radial y chabacano responsable de las transmisiones de exteriores de Radio Nacional Clásica) a cultivar un estilo algo más formal y menos barato.
Empezando por estos menesteres, no abaratando las calidades musicales de las temporadas por venir y siendo administrador austero, seguramente podrá inscribir en la piedra de la historia (y no en arena) su nombre.

Baltasar Rey

Toscanini luego de su paseo por el Delta

Archivo personal del Sr. Claudio von Foerster

Arturo Toscanini en su juventud

La Nación - Artículo publicado el 25 de agosto de 2007 en ADNCultura

Música| Aniversario

Arturo Toscanini: tragedia y pasión en Buenos Aires

Fue la gran batuta de su tiempo. Temperamental, adicto al trabajo, el músico italiano estableció una entrañable relación con el público porteño. A cincuenta años de su muerte, la historia de un amor correspondido.

LANACION.com | ADN Cultura | Sábado 25 de agosto de 2007

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Según pasan las modas

También la música académica es víctima (rara vez beneficiada) de las modas. En materia de interpretación de obras musicales sería bueno, por el beneficio de la historia, hacer la distinción entre “modas”(léase costumbres pasajeras en las que reina la imitación poco racional) y “usos y costumbres”(que suelen tener en cuenta la tradición y otros antecedentes mucho más racionalmente estudiados).
WILLEM MENGELBERG solía decir que “tradición es la última mala interpretación que se recuerda”, mientras TOSCANINI pronunciaba: “Tradición es traición”. Bueno es recordar que ambos, grandes batutas con escuelas y criterios muy diferenciados, habían abrevado en el siglo 19 en el que las tradiciones musicales eran sacrosantas. Uno respetaba las tradiciones y el otro no, pero ambos las condenaban.
Por usos y costumbres, FELIX WEINGARTNER grababa las Sinfonías de Beethoven con las cantidades de músicos exactamente iguales a las usadas en cada estreno en tiempos del autor. Cosa muy saludable que, al menos, ponía al oyente imaginariamente en los tiempos del autor. Y TOSCANINI conducía las obras orquestales de Bach, Haydn y Mozart con orquestas relativamente reducidas, evitando las grandes masas sonoras ajenas a las épocas en que habían sido escritas.
Cosa curiosa: el dominio que estas dos batutas tenían de la música de cámara, por haberla estudiado y frecuentado, hace que en sus respectivas grabaciones del célebre Menuet (del Quinteto) de Boccherini, sus orquestas suenen como si realmente se tratase de un quinteto para cuerdas.
Hace unas tres décadas se pusieron de moda las interpretaciones en instrumentos de época. Todo con fines didácticos. Así asistimos a escolásticas grabaciones de Haebler o Badura Skoda en fortepianos, o a Ney tocando en el piano que fuera de Beethoven. Y a conjuntos orquestales dirigidos por Harnoncourt, Koopman y otros en instrumentos llamados originales. Renunciábase así al progreso que hubo en la construcción de instrumentos, como si -¡por moda!- se cruzaran los océanos nuevamente en barcos de vela en vez de usar los aviones...
Afortunadamente la moda pasó y solamente supieron sacarle el carácter de tal estudiosos ímprobos pero con buen criterio como Gardiner y Goodman, cuyos registros, por ejemplo, de las Sinfonías de Beethoven y Haydn respectivamente, pueden ser considerados definitivos.
Los aficionados y los entendidos parecen preferir escuchar a Mozart por Gieseking, Lili Kraus, Rudolf Serkin o Anda en pianos modernos que por otros en chatos y limitados fortepianos. Se valora más el clave retocado de Landowska que el original de Leonhardt. Y en cuestiones orquestales no hay dudas: los instrumentos de época han terminado por aburrir el oído de las gentes.

Toda la corriente “originalista” ha caducado, por fortuna. Una vez, al menos, ha quedado bien diferenciada la moda del uso y costumbre.

Claudio von Foerster